un blog de actores

Macri VETÓ SUBSIDIO a Teatro x la Identidad

2012-01-31T10:22:00.005-03:00

La actriz Susana Cart y el actor Daniel Fanego, pertenecientes al colectivo cultural Teatro x la identidad expresaron su fuerte rechazo al nuevo veto aplicado por Mauricio Macri a una ley aprobada por la Legislatura.

En este caso, la norma había sido votada en el año 2009, y otorgaba a ese espacio de teatro y memoria un subsidio de 72 mil pesos anuales.

El movimiento Teatro x la identidad trabaja desde hace 12 años como, y según su propia definición, "brazo artístico de Abuelas de Plaza de Mayo". Se trata, tal como puede leerse en su página web oficial, de "un movimiento cuyo objetivo es hacer nuestra la búsqueda de nuestras queridas Abuelas, quienes desde hace más de tres décadas siguen el rastro de cuatrocientos jóvenes que aun tienen su identidad cambiada".

Sobre el veto de Macri, Cart dijo que el subsidio les servía para "solventar el alquiler de un departamento de dos ambientes y contratar una secretaria.Tres años más tarde la legisladora Gabriela Alegre presentó una modificación que elevaba el subsidio a 179 mil pesos anuales."

Y agregó: "Este aumento no sólo se justifica por los aumentos normales del alquiler, expensas, honorarios profesionales y administrativos" y por el agregado a su trabajo de "nuevas actividades como seminarios y talleres de dramaturgia, narración oral y actoral."

En tanto, el actor Daniel Fanego desde Madrid, indicó: "Macri dice que lo hace para equilibrar la balanza, porque existe una universalidad de actores del quehacer cultural. Frase difícil de entender, viniendo de un Jefe de Gobierno que dejó la Cultura en manos de un empresario hotelero".

Y aporta: "Con su veto Macri, pone trabas al funcionamiento del Ciclo, con su decisión política; que quisiera imaginar ingenua, elige colaborar con aquellos que buscaron trabar la lucha de las Abuelas. Apropiadores, represores, torturadores".

Susana Cart dijo que "este subsidio sólo cubre los gastos de infraestructura", a los que se les suman gastos de producción que ellos mismos solventaban.

"Después de haber sido aprobado este aumento por unanimidad en la Legislatura, nos llegó la noticia, todavía no publicada, de que el Jefe de Gobierno vetó esta Ley con los siguientes argumentos:´el subsidio anual actualmente vigente resulta suficiente y razonable´ e ´implicaría comprometer a futuras administraciones, afectando sus ejercicios presupuestarios´. Estamos hablando de $100.000 anuales. (menos del 0,004% del presupuesto total del gobierno Porteño".

Fanego advirtió sobre Teatro x la identidad: "Allí intentamos crear conciencia y generar un puente entre mujeres y hombres del teatro y el público que año a año colma las salas, para llegar a los más de 400 jóvenes que aún permanecen apropiados".

http://www.infonews.com

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Un veto contra la identidad

CARNAVAL EN TODO EL PAÍS

2012-01-30T13:27:00.001-03:00

El gobierno nacional organiza una megafiesta al mejor estilo del bicentenario. Con invitados de toda Sudamérica, la 9 de Julio se vestirá de Carnaval. Se realizará durante el fin de semana que va del 25 al 27 de febrero entre las calles Sarmiento y México. Participarán murgas, comparsas y agrupaciones de músicos y bailarines locales junto a otros de Brasil, Colombia, Uruguay y Bolivia...

La alegría no es sólo brasilera”, diría Charly García. “Nada grande se puede hacer con la tristeza”, se sumaría Arturo Jauretche. Nada mejor que estas dos frases para entender uno de los últimos descubrimientos de la política cultural del kirchnerismo: el Carnaval. La fiesta profana del frenesí y el baile, con el cuerpo reinando en la calle y el barrio de fiesta, se ha convertido en un momento clave para el calendario oficial.

Desde septiembre de 2010, cuando la presidenta impulsó la recuperación de los feriados de lunes y martes previos a la Pascua, el Carnaval ocupa un espacio importante en la agenda de la Casa Rosada. Este febrero será la mejor prueba. Al igual que el año pasado, la Unidad Bicentenario de la Presidencia, la Secretaría de Turismo y la Secretaría de Cultura organizarán “los Carnavales Federales de la Alegría” en 19 provincias del país.

Las actividades se realizarán el lunes 20 y martes 21 de febrero, en el primer fin de semana largo de 2012. El objetivo de mínima es repetir el éxito turístico y económico de los eventos que se realizaron en 2011, cuando según cifras oficiales más de 2,5 millones de personas se movilizaron entre distintos puntos de la Argentina. Eso generó una ocupación del 88% en todas las plazas hoteleras del país. Sin embargo, este año los festejos previstos en el ciclo de Carnavales Federales de la Alegría vendrán con una sorpresa que el gobierno está preparando con el mayor de los secretos.

En el fin de semana del sábado 25, domingo 26 y lunes 27 de febrero, y aprovechando que el lunes será feriado nacional en conmemoración de los 200 años de la creación y primera jura de la bandera, la Avenida 9 de Julio volverá a vestirse de fiesta.

A metros del Obelisco, en el trayecto que va desde la calle Sarmiento hasta la calle México, la 9 de Julio se convertirá en el escenario de un multitudinario desfile de murgas, comparsas y agrupaciones de músicos y bailarines de buena parte de Sudamérica. Al clásico desfile de las murgas porteñas, con sus tradicionales levitas de raso y sus bombos con platillo, se sumarán escolas de samba de Río de Janeiro; blocos (NdR: batucadas que desfilan al estilo yoruba de África Occidental) del Carnaval de Bahía; murgas uruguayas con su estilo coral proveniente del Carnaval andaluz de Cádiz; comparsas con máscaras y diabladas bolivianas de Oruro; carrozas del Carnaval de Negros y Blancos de la costa colombiana.

La irrupción en el centro de la Ciudad de Buenos Aires de delegaciones artísticas de la región –conformando un desfile con las tradiciones culturales de los pueblos de Sudamérica– supondrá también un mensaje político. Será otra confirmación de la integración regional a la que viene apostando el kirchnerismo. “Será una manifestación cultural de los principales ejes de nuestra política exterior”, adelantó a este diario un funcionario que está trabajando en la organización. Al igual que en 2011, en la preparación de los detalles están trabajando en forma conjunta el secretario general de la Presidencia, Oscar Parrilli; el director ejecutivo de la Unidad Bicentenario, Javier Grosman; el ministro de Turismo, Enrique Meyer, y el secretario de Cultura, Jorge Coscia.

Más allá de los invitados del resto de Sudamérica, que este año protagonizarán la gran sorpresa, los festejos que prepara la Casa Rosada volverán a tener una visible impronta “federal”. Como dice el nombre con el que se bautizaron a las actividades, los corsos del primer feriado largo se celebrarán en todas las provincias argentinas. Se privilegiará a los carnavales de mayor tradición popular en cada una de las regiones del país: Lincoln, en la provincia de Buenos Aires; Corrientes y Gualeguaychú, en el Litoral; Tilcara, en Jujuy, son ejemplos emblemáticos. Y en la Ciudad de Buenos Aires habrá un fuerte espaldarazo para las murgas porteñas que vienen intentando recuperar la masividad y dar un salto en lo artístico. Como en los mejores años, como en los días más felices.

Martín Piqué

PIRATAS Y TIBURONES

2012-01-15T15:32:00.004-03:00

La exitosa escritora valenciana Lucía Etxebarría (Beatriz y los cuerpos celestes, Un milagro en equilibrio, Premio Planeta 2004) anunció su retirada indefinida del mundo literario como forma de protesta contra la piratería. Una parte del mundo editorial salió a apoyarla, pero Hernán Casciari, autor de la “blogonovela” Más respeto que soy tu madre (adaptada para el teatro por Antonio Gasalla) y editor de esa exitosa rareza que es la revista Orsai (sin publicidad y con venta anticipada) dio a conocer esta carta en la que dice a Lucía que no es para tanto y que los malos están en todos lados...

El contador de suscripciones anuales a la nueva revista Orsai acaba de llegar a mil. En nueve días, y sin noticias sobre los contenidos o la cantidad de páginas, mil lectores ya compraron las seis revistas del año próximo. Y eso que todos saben que habrá una versión en pdf, gratuita, el mismo día que cada revista llegue a sus casas. Repito: acabamos de vender seis mil revistas. Seiscientas sesenta y cinco por día. Veintiocho por hora.

Al mismo tiempo, una escritora española acaba de informar que dejará de publicar. “Dado que se han descargado más copias ilegales de mi novela que copias han sido compradas, anuncio que no voy a volver a publicar libros”, dijo ayer Lucía Etxebarría. La prensa tradicional se hizo eco de sus palabras y la industria editorial la arropó: “Pobrecita, miren lo que Internet les está haciendo a los autores”.

A nosotros nos ocurre lo mismo. Durante 2011 editamos cuatro revistas Orsai. Vendimos una media de siete mil ejemplares de cada una, y con ese dinero les pagamos (extremadamente bien) a todos los autores. Los pdf gratuitos de esas cuatro ediciones alcanzaron las seiscientas mil descargas o visualizaciones en Internet.

Vendimos siete mil, se descargaron seiscientas mil.

Si los casos de Lucía Etxebarría y de Orsai son idénticos, y ocurren en el mismo mercado cultural, ¿por qué a nosotros nos causan alegría esos números y a ella le provocan desazón?

La respuesta, quizá, es que se trata del mismo mercado pero no del mismo mundo.

Existe, cada vez más, un mundo flamante en el que el número de descargas virtuales y el número de ventas físicas se suma; sus autores dicen: “qué bueno, cuánta gente me lee”. Pero todavía pervive un mundo viejo en el que ambas cifras se restan; sus autores dicen: “qué espanto, cuánta gente no me compra”.

El viejo mundo se basa en control, contrato, exclusividad, confidencialidad, traba, representación y dividendo. Todo lo que ocurra por fuera de sus estándares, es cultura ilegal.

El mundo nuevo se basa en confianza, generosidad, libertad de acción, creatividad, pasión y entrega. Todo lo que ocurra por fuera y por dentro de sus parámetros es bueno, en tanto la gente disfrute con la cultura, pagando o sin pagar.

Dicho de otro modo: no es responsabilidad de los lectores que no pagan que Lucía sea pobre, sino del modo en que sus editores reparten las ganancias de los lectores que sí pagan. Mundo viejo, mundo nuevo. Hace un par de semanas viví un caso muy clarito de lo que ocurre cuando estos dos mundos se cruzan. Se lo voy a contar a Lucía, y a ustedes, porque es divertido:

me llama por teléfono una editora de Alfaguara (Grupo Santillana, Madrid); me dice que están preparando una Antología de la Crónica Latinoamericana Actual. Y que quieren un cuento mío que aparece en mi último libro, “un cuento que se llama tal y tal, que nos gusta mucho”.

Le digo que por supuesto, que agarre el cuento que quiera. Me dice que me enviará un mail para solicitar la autorización formal. Le digo que bueno.

A la semana me llega el mail, con un archivo adjunto:

“Estimado Hernán, te explico lo que te adelanté por teléfono: Alfaguara editará próximamente una antología de bla bla bla cuya selección y prólogo está a cargo de Fulanito de Tal. El ha querido incluir tu cuento Equis. Si estás de acuerdo con el contrato que te adjunto, envíame dos copias en papel con todas las páginas firmadas a la siguiente dirección” (y pone la dirección de Prisa Ediciones, Alfaguara).

Abro el archivo adjunto, leo el contrato. Me fascina la lectura de contratos del mundo viejo. No se molestan en lo más mínimo en disfrazar sus corbatas.

Al cuento que me piden lo llaman “La aportación”. En la cláusula 4 dice que “el editor podrá efectuar cuantas ediciones estime convenientes hasta un máximo de cien mil (100.000)”. En la cláusula 5, ponen: “Como remuneración por la cesión de derechos de ‘La aportación’, el editor abonará al autor cien euros (¿100?) brutos, sobre la que se girarán los impuestos y se practicarán las retenciones que correspondan”.

Pensé en los otros autores que componen la antología, los que seguramente sí firman contratos así. Cien euros menos impuestos y retenciones son sesenta y tres euros, y a eso hay que quitarle el quince por ciento que se lleva el agente o representante (todos tienen uno), o sea que al autor le quedan cincuenta y tres euros limpios. No importa que la editorial venda dos mil libros o cien mil libros. El autor siempre se llevará cincuenta y tres euros. ¿Firmará Lucía Etxebarría contratos así?

Esa misma tarde le respondí el mail a la editora de Alfaguara:

“Hola Laura, el cuento que querés aparece en mi último libro, que se distribuye bajo una licencia Creative Commons Reconocimiento 3.0 Unported, que es la más generosa. Es decir, podés compartir, copiar, distribuir, ejecutar, hacer obras derivadas e incluso usos comerciales de cualquiera de los cuentos, siempre que digas quién es el autor. Te regalo el texto para que hagas con él lo que quieras, y que sirva este mail como comprobante. Pero no puedo firmar esa porquería legal espantosa. Un beso.”

La respuesta llegó unos días después; ya no era ella la que me hablaba, sino otra persona:

“Hernán: entendemos esto, pero el departamento legal necesita que firmes el contrato para que no tengamos problemas en el futuro. ¡Saludos!”

Y ya no respondí más nada. ¿Para qué seguir la cadena de mails?

La anécdota es esa, no es gran cosa. Pero quiero decir, al narrarla, que no hay que luchar contra el mundo viejo, ni siquiera hay que debatir con él. Hay que dejarlo morir en paz, sin molestarlo. No tenemos que ver al mundo viejo como aquel padre castrador que fue en sus buenos tiempos, sino como un abuelito con Alzheimer.

–¿Me das eso? –dice el abuelito.

–Sí, abuelo, tomá.

–No, así no. Firmame este papel donde decís que me das eso y yo a cambio te escupo.

–No hace falta, abuelo, te lo doy. Es gratis.

–¡Necesito que me firmes este papel, no lo puedo aceptar gratis!

–¿Pero por qué, abuelo?

–Porque si no te cago de alguna manera, no soy feliz.

–Bueno, abuelo, otro día hablamos... Te quiero mucho.

Y de verdad lo queremos mucho al abuelo. Hace veinte, treinta años, ese hombre que ahora está gagá, nos enseñó a leer, puso libros hermosos en nuestras manos.

No hay que debatir con él, porque gastaríamos energía en el lugar incorrecto. Hay que usar esa energía para hacer libros y revistas de otra manera; hay que volver a apasionarse con leer y escribir; hay que defender a muerte la cultura para que no esté en manos de abuelos gagá. Pero no hay que perder el tiempo luchando contra el abuelo. Tenemos que hablar únicamente con nuestros lectores.

Lucía: tenés un montón de lectores. Sos una escritora con suerte. El demonio no son tus lectores; ni los que compran tus novelas ni los que se descargan tus historias de la red.

No hay demonios, en realidad. Lo que hay son dos mundos. Dos maneras diferentes de hacer las cosas.

Está en vos, en nosotros, en cada autor, seguir firmando contratos absurdos con viejos dementes, o empezar a escribir una historia nueva y que la pueda leer todo el mundo.

Hernan Casciari

CINE POPULAR: BARRIO EJÉRCITO DE LOS ANDES

2012-01-03T13:34:00.000-03:00

Un documental sobre el impacto de los medios masivos en la sociedad y como logran la estigmatización de los barrios mas marginados.

El barrio Ejercito de los Andes fue nombrado durante los 90 como "Fuerte Apache" por todos los medios generando miedo y discriminación hacia el barrio.

Este documental también es otra mirada, es un relato contado por los vecinos, cooperativistas, estudiantes y militantes del barrio.

El Barrio Ejército de los Andes, esta ubicado en Ciudadela, Provincia de Buenos Aires, Argentina. A fines de los años ochenta, en pleno auge del neoliberalismo, el periodista José de Zer, de Canal 9, lo denomino “FUERTE APACHE”, y desde ese día, el barrio quedo estigmatizado. A través del relato de los vecinos vamos a ver como ese nombre mediático afectó y afecta en la vida cotidiana de las personas. Este es un humilde aporte paraa revertir el objetivo cultural y mediático del neoliberalismo de excluir más al humilde, quitarle la voz y de hacer creer que en todas las villas miserias solo viven ladrones y narcotraficantes.

Realizado por: Movimiento Evita 3 de Febrero

Contacto:
Lautaro Di Maio (lautarogula84@gmail.com) 15-2165-9850

BARRIO EJERCITO DE LOS ANDES, MAL LLAMADO... por lautaro84

ARGENTINA EXPORTA AUDIOVISUAL

2011-12-08T16:02:00.001-03:00

La presidenta Cristina Fernández clausuró la ronda de negocios de "Argentina Exporta Audiovisual" en el Museo del Bicentenario.

Allí dijo "nuestra misión como representantes del pueblo argentino es lograr que nuestra identidad y cultura puedan también ser exportadas a todo el mundo"... "Es importante exportar granos, maquinaria agrícola, valor agregado, tecnología, pero también es muy importante exportar nuestra identidad y nuestros saberes que se expresan en el cine y en los contenidos televisivos"... "los grandes importadores de contenidos audivisuales van a tener que exportar también contenido argentino".

Hoy un 80% de la taquilla nacional se compone de películas extranjeras.

La Presidenta subrayó que "vamos a impulsar un equilibrio entre los que importan y los que exportan" y que para esto, "el Estado se ha involucrado fuertemente en la producción de contenidos culturales", en ese sentido detalló que "ya hay más de 500 horas de contenido televisivo producidos con financiación estatal y que forman parte de la base de contenidos del INCAA.

"Esto tiene que ver con que una o dos productoras no monopolicen toda la actividad y que todos los actores y productores queden presos de sólo dos opciones, por eso impulsamos fuertemente a todas aquellas productoras independientes para que tengan financiamiento", explicó.

Cristina agregó que "debemos sacarnos prejuicios y entender que lo comercial y lo cultural tiene relación, y que necesitamos vender nuestros productos porque estamos generando oportunidades y además porque tenemos talento", en esa dirección se refirió al corto "Luminaris", del argentino Juan José Zaramella, que será presentado para participar en los premios Oscar, y destacó la originalidad del mismo.

SUPLEMENTO LITERARIO de TÉLAM

2011-12-06T16:08:00.000-03:00

Este nuevo espacio, que ya está en funcionamiento en su versión digital y que saldrá también en papel, cuenta con los trabajos —además de los producidos por la sección de Cultura a cargo de Mora Cordeu— de prestigiosos escritores y columnistas, entre ellos: Vicente Battista, Claudia Piñeiro, Juan Martini, Guillermo Saccomano, Mario Goloboff, Leonardo Huebe.

Una de las características de este suplemento dedicado a nuestras letras es sumar voces jóvenes a la de los escritores ya consagrados. Por este motivo el Suplemento Literario de Telam se diferencia de otros suplementos culturales que tienen la única intención de ser un espacio publicitario de algunas grandes editoriales alineadas con medios hegemónicos nacionales y extranjeros.

La presentación de este nuevo producto de la Agencia de Noticias Télam se realizó con un acto realizado en la Casa de la Defensa encabezado por el Presidente de la Agencia, Martín García y el director del suplemento, el escritor y Licenciado en Letras Carlos Aletto.

ELECCIONES EN LA AAA

2011-12-01T12:53:00.002-03:00

El martes 29 de noviembre, fue una jornada ejemplar de nuestra vida sindical democrática en nuestro querido sindicato: la ASOCIACIÓN ARGENTINA DE ACTORES.

Durante doce horas, 1440 actores y actrices, en Buenos Aires y en todo el país, se hicieron presentes para elegir a sus representantes sindicales en un comicio que transitó un clima de cordialidad y alegría.

Los candidatos en las puertas del sindicato, recibiendo a los votantes, y la espera en la noche para recibir los resultados del escrutinio fueron parte de la ya tradicional elección de los actores.

El día lunes 5 de diciembre se hará el traspaso de la conducción e informaremos a la brevedad a los afiliados la fecha de la fiesta de asunción.

Este Consejo Integral quiere saludar a todos los candidatos y a todos los actores y actrices que con su voto participaron en la consolidación y legitimación del sindicato.

LOS NUMEROS

LISTA CELESTE 1.069 VOTOS

LISTA BLANCA 340 VOTOS

De esta manera, el nuevo Consejo Integral quedó conformado por:

PRESIDENTA	Alejandra Darín

SECRETARIO GENERAL	Luis Alí

SECRETARIA ADJUNTA	Ana Celentano

SECRETARIO GREMIAL	Gabriel Rovito
PROSECRETARIA	Mirta Israel
VOCAL 1	Alejandra Rincón
VOCAL 2	Carlos Berraymundo

SECRETARIA ADMINISTRACIÓN	Rubén Santagada
PROSECRETARIO	Daniel Alvaredo

SECRETARIA DE COMUNICACIÓN	Silvina Bosco
PROSECRETARIA	Susana Varela

SECRETARIA DE CULTURA	Constanza Maral
PROSECRETARIA	Patricia Kraly

SECRETARIO DE ACCION SOCIAL	Daniel Valenzuela
PROSECRETARIO	Luis Ziembrowsky

SECRETARIO DE INTERIOR	Aldo Barbero
PROSECRETARIA	Patricia Martinelli
VOCAL	Adrian Garavano

DÍA NACIONAL DEL TEATRO

2011-11-30T21:37:00.004-03:00

El 30 de noviembre del año 1783 se fundó el primer establecimiento de Buenos Aires: el Teatro de la Ranchería.

Por eso, hoy se conmemora en todo el país el día nacional del Teatro.

Fue una iniciativa del Virrey Vértiz, que tenía como prioridad hacer de la Ciudad una "digna capital del Virreinato".

El lugar, oficialmente llamado Casa de Comedias, se convirtió en el ámbito en que se presentaban dramas, comedias y tonadillas cantadas al estilo español. Emblema de la cultura, un incendio lo destruyó en agosto de 1792 y hasta 1804, que se inauguró el teatro Coliseo, la Ciudad no contó con un espacio de esas características.

Lo cierto es que la actividad teatral persistió en el tiempo, y hoy no sólo en la Capital, sino en todo el país, se expande en una multiplicidad de salas y circuitos que les ofrecen espectáculos de alta calidad a quienes se acerquen a verlos.

“Buenos Aires es hoy en su actividad sin duda la capital teatral de los países hispanoparlantes”, dice el dramaturgo Mauricio Kartun: “La aparición temprana del circo criollo primero y el grotesco generaron una serie de signos identitarios muy fuertes y muy singulares que llegan hasta hoy en su vigencia”.

Para el secretario general de la Asociación Argentina de Actores, Luis Alí, “el tema es que lo que está visible por ahí para el gran público es lo del teatro comercial. Pero evidentemente el teatro independiente no ha parado nunca de producir y es lo que esta sosteniendo actualmente la producción teatral tanto en la Ciudad de Buenos Aires como en todas las provincias”.

En ese sentido, Alí subraya: “El teatro está llegando a todos lados; sólo que me parece que está visibilizado lo que aparece en los programas de espectáculos y eso se reduce a lo que ocurre entre los mismos compañeros y tal vez no está reflejada la actividad cultural que hacen los compañeros en todo el país. Creo que hay un avance importante y que se hacen cosas buenas”.

LA MAGIA

Hay quienes sienten que el teatro es una experiencia lejana y poco accesible. Si bien hay iniciativas para que cada vez se ensanche más el público, aún no tiene la llegada que tienen otros medios de expresión artística. ¿Qué es lo que se pierden los que consideran que se trata de algo aburrido, poco interesante?

“Se están perdiendo la posibilidad de vivir una experiencia que tiene que ver con el contacto directo con el actor, eso es fundamental. Además del tipo de obra, de recuperar los viejos textos clásicos y de toda la nueva tendencia. Se están perdiendo abrir los ojos. Hay mucha cantidad de autores y directores con distintas estéticas de puesta, y me parece que ahí hay un todo el mundo que no te lo da la televisión ni te lo va a dar el cine. Ese hecho es único, irrepetible”, sostiene Alí.

Kartun afirma que el teatro se trata de “una actividad expresiva gozosa y de posibilidades muy accesibles. La abundancia de salas, la profusión y calidad de los maestros y la calidad de los actores nacionales lo ha vuelto un medio extraordinariamente prestigiado. Más allá de eso la formación teatral, aunque no se la piense como fin profesional, es una herramienta de autoconocimiento, de desarrollo de la capacidad comunicadora y expresiva de notable utilidad. Un medio, digamos, de aplicación en todos los campos de la vida”.

En relación a los mecanismos que se pueden desplegar para que la actividad se expanda a un mayor número de personas, el secretario de Actores subraya que “hay una actividad de fomento que no es suficiente, pero que lleva adelante el Instituto Nacional del Teatro y Proteatro en la Ciudad. Desde el IN le dan más bola y en Proteatro estamos cada año peleando por un mayor presupuesto, para que se puedan bancar las salas y los grupos de teatros independientes. En esos circuitos, las entradas son mucho más baratas y los espectáculos son de calidad”.

Hay que “entender de una vez que la cultura no es un gasto sino una inversión. Que la actividad artística es un camino gozoso y práctico al conocimiento. Que el acceso a la cultura es incluyente y que la inclusión es felicidad, trabajo y seguridad. Y que para lograrlo se trata de invertir sin especulaciones de rédito político inmediato sino apuntando a un plan de al menos dos décadas. Tanto en los planes de subsidios como en los teatros oficiales”, dice con vehemencia Kartun.

“Veo al Complejo Teatral de la Ciudad en estado de peligro cierto. Veo al macrismo apuntando al proyecto más devastador de todos que es el de las coproducciones con empresarios privados, que como el caso reciente del Hamlet en el Alvear armó una puesta alrededor de intereses personales medio patéticos, aumentó el valor de las plateas un 60% por encima de otros espectáculos del Complejo y terminó en conflicto con los actores por cuestiones de pago. Un bochorno. Y una amenaza que si la gente de la cultura no conjura convierte en dos años a los teatros del gobierno de la Ciudad en empresas de paredes”, concluye, alertando sobre los peligros que la administración macrista cierne sobre la cultura.

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Entrevista a PABLO GIORGELLI, director de LAS ACACIAS

2011-11-22T14:09:00.000-03:00

“Es una historia de amor, una película para el público”

Aunque premiada con la Cámara de Oro del Festival de Cannes, y otros premios en San Sebastián, Londres y Biarritz, según Giorgelli no es una película festivalera: “Para mí, es una película popular”.

Si es cierto que toda crisis implica una nueva oportunidad, el caso de Pablo Giorgelli es, sin duda, uno de los mejores ejemplos para corroborarlo. Hace varios años, Giorgelli –que era editor– la sufrió en carne propia por diversos motivos. El principal fue la prolongada enfermedad de su padre. A esa angustia se le sumó la ruptura de la relación con su pareja, después de varios años de convivencia. Y por supuesto, por aquella época todavía se producían los coletazos de la crisis de 2001, situación que le provocó grandes dificultades para conseguir empleo. Pero Giorgelli no se dio por vencido. En aquella época en que se preguntaba qué quería de la vida, qué trabajo deseaba tener y, sobre todo, qué cine quería hacer, nacieron las primeras pinceladas del guión de Las acacias, su ópera prima, que se estrena este jueves en la cartelera porteña. Jamás imaginó un debut en la realización como el que se produjo: el film obtuvo la Cámara de Oro en el Festival de Cannes de este año, uno de los galardones más importantes de la historia del cine argentino. Entonces, la vida le abrió las puertas y el amor le dio una revancha: conoció a su actual mujer trabajando para este largometraje. Es por eso que Giorgelli dice que “toda la película fue un proceso largo de maduración interior”. Como el que experimenta el personaje de Las acacias. “Yo también me fui transformando a lo largo de estos años. La película nació de un momento de crisis, pero termina en un momento mío, donde yo me reencontré conmigo mismo”, afirma sin temor a equivocarse.

¿Y el argumento? Con sensibilidad, sutileza y mucho oficio, Giorgelli construyó una historia simple, pero, a la vez, intensa. Rubén (Germán Da Silva) es un camionero al que le cuesta comunicarse con los demás y que tiene un conflicto interior, producto de un motivo relacionado con la paternidad. Se gana la vida transportando acacias en un viejo Scania entre Asunción y Buenos Aires. Su soledad lo hace mostrarse siempre duro, metido en su mundo y parco. Un conocido le pide si puede transportar en unos de esos viajes a Jacinta, una mujer paraguaya que vive sola con su beba de cinco meses y que desea llegar a Buenos Aires en busca de un futuro más próspero. El comienzo lo muestra a Rubén muy reticente con su acompañante y hasta molesto con el llanto de la beba. Pero poco a poco va estableciendo un recorrido por su mundo interno, durante el tiempo que implica recorrer los 1500 kilómetros que realiza con esta compañera de viaje y su hija. Y vivirá un proceso que lo llevará a una especie de renacer.

La Cámara de Oro no es el único premio que obtuvo Las acacias hasta el momento, mientras el recorrido por el circuito de festivales continúa. También cosechó el Premio Horizonte en el Festival de San Sebastián, el de Mejor Opera Prima en el Festival de Londres y el Premio Mayor en el Festival de Biarritz, entre diecisiete galardones. Pero Giorgelli nunca imaginó que su primer largometraje y su primer festival –Cannes– le iban a deparar semejante alegría. “Es increíble. Me parece que pasó hace un año y medio y fue hace seis meses”, confiesa el director debutante. “Terminamos la película, nos invitaron a Ca-nnes, dos semanas más tarde la estaba enviando, siempre corriendo. De hecho, acá no la había visto casi nadie porque no tuve ni tiempo. Acá la vio sólo el círculo íntimo”, relata Giorgelli. Desde que Las acacias se proyectó en la Semana de la Crítica los elogios comenzaron a crecer con un efecto de bola de nieve. “Eso para nosotros era muchísimo, luego vino la premiación de la Semana de la Crítica, y ahí ganamos tres premios: el de los directores franceses, el de la crítica joven y uno hermoso que da el Sindicato de Ferroviarios Franceses desde hace muchos años, cuyo jurado lo integran cien personas. Es casi como un premio del público. Y la verdad es que nunca esperé recibir un premio como la Cámara de Oro”, admite Giorgelli.

–¿Cree que si Las acacias no hubiera ganado la Cámara de Oro hubiera pasado inadvertida en la Argentina?

–Todavía no sé si no va a pasar inadvertida, porque no estrenamos. Lo que sí ha pasado fue que los medios y la gente que está atenta a la cultura probablemente se han enterado. Pero también me pasó de encontrarme con un amigo que no veía desde hacía mucho tiempo. Y le comenté que hice una película. Y me preguntó: “¿Cómo se llama?, ¿De qué se trata?”. Ni idea. Y te encontrás mucho con eso. La gente no sabe, no se entera. Hacer que la gente se entere implica mucho dinero. Si tenés plata, es fácil. Nuestra campaña, básicamente, es de boca en boca. Entonces, la verdad es que no sé cuán advertida o inadvertida pasará la película en la Argentina.

–El viaje que emprende el camionero no es sólo externo, sino que también establece un recorrido interior que le produce una transformación personal. Esta es la esencia de la película, ¿no?

–Sí, básicamente es eso. La película habla de la transformación interior de un hombre. Ese camino tiene que ver con mis últimos años. Es algo con lo cual me siento cerca e identificado, ese camino de la soledad al renacimiento, al reencuentro con uno. Y la película, básicamente, habla de la soledad, de la paternidad, de la dificultad para comunicarse con los demás. Y como decía: de la posibilidad de renacer. Y cuando me empezó a aparecer en la cabeza la idea de un viaje, ahí me empezó a cerrar todo, porque creo que es una muy buena forma de mostrar un viaje interior a través de un viaje exterior. Y ahí es donde empecé a armar el guión. Y luego surgió la idea de que él podía ser camionero. Y como yo había estado trabajando mucho en Misiones, dije: “Viene de Paraguay”, porque me gusta esa zona. Y empecé a trabajar un poco el guión con Salvador Roselli, casi por asociación.

–En esa relación que construye con Jacinta, ¿Rubén le encuentra un nuevo sentido a la vida?

–Sí. La película cuenta el inicio de ese redescubrimiento posible que va a haber en un futuro. Viendo la película, el espectador asiste al momento en que esa coraza se quiebra. Pero él no tiene tan claro lo que le va pasando. Se ve superado por la fuerza de eso que va descubriendo y no puede hacer nada para evitarlo. Creo, incluso, que al principio trata de resistirse. Todavía sigue actuando como aquel que fue en los últimos veinte o treinta años y se resiste al cambio: se enoja, está de mal humor. En un momento, se da cuenta de que ya no quiere eso, quiere algo nuevo, elegir. Y entonces, estamos asistiendo al comienzo de una transformación. De eso habla la película. Y desde el comienzo, siempre la pensé y la sentí como una película optimista. Es positiva. Trata de alguien que no puede decir lo que le pasa y, al final, se transforma.

–¿Por qué Rubén tiene dificultad para comunicarse?

–Porque está encerrado en sí mismo y se convirtió en una especie de cowboy moderno, un ermitaño a bordo de un camión del ’70. Y se cerró. Cuando uno se cierra de ese modo, hay algo de dolor, de soledad y de imposibilidad de modificarse. Y Las acacias es sobre alguien que está herido.

–Dijo también que Rubén es como una especie de acacia que va renaciendo. ¿Se refería a la dureza de su carácter y su paso sutil hacia una mayor docilidad?

–Sí, básicamente tiene que ver con eso. Detrás de esa coraza, de esa dureza, de ese encierro, siempre hay otra cosa. Son mecanismos, ni siquiera son máscaras. Son casi reacciones instintivas. Si te pinchan, te cerrás para protegerte. Eso es lo que hace Rubén. Lo que pasa es que, a veces, uno se cierra y no se abre nunca más. Entonces, me interesaba explorar eso.

–La puerta que se le abre a Rubén es la presencia de la beba que lo hace reencontrarse con el sentido de la paternidad, ¿no?

–Claramente. Aparte, es un paternidad que para él es algo especial, porque Rubén tiene un agujero con el tema de la paternidad. El ya es padre y ahí tiene algo no resuelto, algo que no sabemos exactamente qué pasó, pero sí sabemos que ahí el tipo tiene un dolor grande y que eso es el motor de todo. Entonces, claramente es la que dispara esa transformación. Yo quería hablar de la paternidad, de la importancia de tener una familia. Para mí son cosas esenciales al ser humano. Si no, uno está incompleto.

–Indaga en la soledad y la paternidad, pero Las acacias también reflexiona sobre el amor...

–Claramente, porque todo esto que estamos hablando tiene que ver con los distintos tipos de amor. Por un lado, el amor paternal, pero también el amor de pareja y el amor de familia. Y también con el reencontrarse con sí mismo. Cuando uno se encuentran consigo mismo, está abierto a poder amar a los demás y a recibir, porque lo que le pasa a él, al principio, es que no puede ni dar ni recibir. De esa coraza no entra ni sale nada. Y creo que esto es una de las claves de por qué la película funcionó tan bien en lugares tan distintos como Ucrania, Eslovaquia, Londres, Toronto, Perú, Asunción. Incluso las dos proyecciones de los otros días en el Festival de Mar del Plata fueron muy buenas. Y siempre los comentarios son muy parecidos, tanto de los jurados, de los críticos como del público. En distintos lugares he asistido a la conexión que el público establece con la película. Y Las acacias es una historia de amor, una historia popular, una historia para el público. No es una película festivalera y nada más. Nos fue muy bien en festivales, pero para mí es una película popular.

–En relación con eso, los espectadores acostumbrados a un cine más comercial pueden llegar a catalogar a Las acacias como un film con falta de ritmo, pero eso es justamente lo que le servía a usted para contar lo que pretendía, ¿no?.

–Estoy totalmente de acuerdo con lo que dice. Mi película tiene determinado ritmo y en una parte no tiene muchos diálogos, pero porque tiene que ver con eso: hay alguien que no puede decir lo que le pasa, al que le cuesta expresar lo que le sucede y está encerrado en sí mismo. Para mí hay una diferencia importante con algunas películas más contemplativas o minimalistas. Yo siento que Las acacias no es una película contemplativa, sino narrativa. Y los silencios que hay son silencios dramáticos. Y ésa es una gran diferencia. Creo que Las acacias es una película clásica. Alguien me decía el otro día: “Tu película es como un western moderno: el cowboy duro se va ablandando en un viaje. En vez de a caballo, anda en camión”. Siento que hay algo de eso.

–Las acacias es también una película arriesgada: tiene pocos diálogos, una sola locación, fue filmada en movimiento y con un bebé. ¿Por qué eligió el camino más difícil?

–Creo que no lo elegí: se fue dando. O sea, lo que elegí fue contar una historia que necesitaba contar. Yo diría que todo el proceso fue una necesidad. Hacer una película y, cuando hacerla, además, te toma tantos años, es muy difícil sostener ese deseo, esa idea durante tanto tiempo, excepto si tenés la necesidad de hablar de eso. Y creo que eso fue lo que me trajo hasta acá, porque en estos últimos cinco o seis años no hice otra cosa. No fue elegir un camino más fácil o difícil, sino la necesidad de hablar de algo. Y la historia te va apareciendo un poco de ese modo. Y tenés una instinto que te dice “Hay que seguir”. Por eso, al principio hablaba de un largo proceso de maduración. Fueron etapas. Y cada etapa fue muy distinta.

Oscar Ranzani

Filmar arriba de un camión

Filmar en la cabina de un camión es de por sí difícil. Y si a eso se le suma la presencia de un bebé, la cosa se complica. Es de suponer, entonces, que el rodaje de Las acacias no fue simple. “La filmación fue muy dificultosa y, al mismo tiempo, muy placentera”, expresa Giorgelli. “Fue una filmación muy amorosoa y muy armoniosa.” Y lo justifica a través de diversos aspectos: “Uno tiene que ver con la planificación. El rodaje estuvo muy planificado por Juan Pablo Miller, que fue el director de producción. Y la verdad es que planificar este rodaje era algo logísticamente complicado porque había que moverse, viajar. Había cuatro camiones, autos. Y básicamente lo que hicimos fue planificar el rodaje mayormente siguiendo a la beba, siguiendo sus tiempos, esperándola, adaptándonos a sus estados de ánimo. De acuerdo con su humor hacíamos una cosa u otra. Ibamos saltando de escena en función de cómo estaba el bebé. Y eso era complicado porque nos obligaba a saltar de escenas. Y no sólo fue complicado para los actores, sino también para mí. Pero previamente habíamos ensayado bastante la película. Entonces, todos teníamos muy claro lo que había que hacer”, asegura Giorgelli.

El largo y sinuoso camino de un director

Pablo Giorgelli debutó con 43 años como director. Además de las razones personales que comenta en la nota, sostiene que siempre pensó que su primera película iba a llegar antes. “Yo estudié en la primera camada de la FUC con Pablo Trapero, Ariel Rotter, Rodrigo Moreno, e hice mis cortos en ese momento. Luego necesité trabajar. Y cuando tenés que laburar y ganarte el pan en el día, a veces se te va el tiempo ahí: trabajé en la tele, en publicidad, en teatro, puse un bar. Y todo ese tiempo fui montador de algunas películas y siempre fui escribiendo mis guiones”, relata Giorgelli. “No sé por qué no llegó antes, pero sospecho que por razones personales, familiares, laborales.” Pero al momento del debut detrás de cámaras, Giorgelli ya tenía un background importante como editor. A la hora de mencionar si esto fue una ventaja, señala que “fue mucha”. Y admite: “Siempre me sentí más un director disfrazado de editor. Y cuando editaba películas de otros, me ponía un poco en lugar del director. Desde la universidad me sentí siempre así. Y desde el secundario quería ser director, sólo que me tomó tiempo. Hasta que me animé. Pero aprendí muchas cosas: siendo editor es que aprendí cómo funciona el lenguaje cinematográfico. Y siendo editor aprendí qué cosas me gustan y cuáles no”, analiza Giorgelli.

El capricho y la tragedia

2011-11-21T18:43:00.001-03:00

Torcer el relato bíblico, con todas sus contradicciones, ha sido y es una tarea fascinante para los creadores. Y Mauricio Kartun lo asume con esta Salomé, que aterriza en la pampa argentina atravesada por un erotismo violento y criollo.

Un erotismo violento, criollo y bíblico atraviesa a esta Salomé que aterriza en la chacra familiar. Proviene de Londres pero habla francés. Se diría que es la típica hija de hacendado, pero no. La obra insinúa una parodia de parodias, y habrá que descubrir caminos entre tanta fabulación y retazos de historia. Torcer el relato bíblico, con todas sus contradicciones, ha sido y es una tarea fascinante para los creadores. Dramaturgos, compositores, artistas plásticos y escritores de distinta época y geografía hallaron inspiración en esta mujer fatal de la narración evangélica. Algunos se atrevieron a compararla con Judith, la heroína judía que decapitó al general asirio Holofernes para salvar a su pueblo. Una arbitraria equivalencia nacida, acaso, del estremecimiento que provoca el degüello de un hombre a manos de una mujer, o instigado por ella.

Bromeando sobre embutidos se menciona al salame de chacra. Apenas un cambio de vocal y un acento para que surja el nombre de esta hija de patrones que desea apropiarse de aquello que no podrá poseer nunca. Su capricho fuerza la tragedia. La cabeza de Juan Bautista será suya. No la del predicador y asceta judío que cuenta la literatura religiosa, sino otro. Aquí, el dueño de “la voz que clama en el desierto” es un ácrata, “el profeta rojo”, “la Broadcasting agitadora”, según califica el padrastro de la bella Salomé, un Herodes trasmutado en chacarero adicto al alcohol, flojo y despechado. Su pretensión es corregir al prisionero Juan Bautista y transformarlo en devoto de una Constitución Nacional que él no duda en violar.

A este Herodes sin relación con el tetrarca de Galilea que mandó asesinar a niños y degollar al Bautista profeta, el autor Mauricio Kartun lo instala en un día “festivo”, el de la carneada, ritual que anticipa una abundante parrillada. Otra inseparable de la historia es la enviudada madre de Salomé, Cochonga (Concepción), después mujer del cuñado Herodes, al que trata de mantequita; y Gringuete, el peón fiel a su patrón. Este andamiaje teatral se inserta en el mundo rural, y para hacerlo más afín se eligió una escenografía a tono: chapas acanaladas a modo de paneles y vistosos altares populares con profusión de flores y elementos camperos. Un paisaje en el que no falta el aljibe seco, invención y remedo de la fortaleza de Maqueronte, donde los esbirros de Herodes cercenaron el cuello de Juan Bautista.

Atravesada por tanta historia, mito y leyenda, las verdades que proclama el Bautista aún no despojado de su cuerpo y la perversión de esta Salomé instigada por su madre vaticinan el final. Gringuete lo adelanta cuando, en su migración a relator fantasma, señala que la tragedia arranca en el transcurso de la faena, cuando el sacrificio de los animales se prolonga hasta el atardecer y “el campo hiede a sangre”. Su relato da forma al conjunto, a lo que se dice y hace, a los anacronismos, a las expresiones populares dichas con intención cómica (entre otras, la televisiva “le pertenezco”, de Gianni Lunadei) y a otras disparatadas alocuciones del presente. Se trata de un lenguaje de tonalidades diversas y secretos no revelados que siguen sorprendiendo en las obras de Mauricio Kartun, como sucedió en su lejana y excelente Rápido nocturno, aire de foxtrot.

En el papel de Herodes, Manuel Vicente se supera actoralmente al internarse en las ambivalencias de su personaje y Stella Galazzi afirma su creatividad, componiendo a una Cochonga venenosa, rápida para lanzar maldiciones y propiciar finales abruptos. Osqui Guzmán despliega todas sus artes en el rol de Gringuete, el peón que carnea “él solito” a cientos de animales, y se enamora de Salomé. Pero no es todo. Como si fuera una segunda persona, hace las veces de relator del prólogo y el epílogo, necesario en una fábula donde la sangre mancha incluso a las sombras. Lorena Vega se destaca interpretando a una Salomé transfigurada por el deseo de adueñarse de la cabeza de Juan Bautista, “el cofre perfecto de la palabra preciosa”. Para lograrlo, erotiza con su “bailecillo” a Herodes y lisonjea a Gringuete: “Hacer parte lo que era todo. Sos Dios”, le dice al matador. Esta es apenas una de las innumerables ironías que cruzan a Salomé de chacra, donde lo único que resiste el paso del tiempo es el desprecio del profeta.

Con asidero en la historia argentina, la obra desanda invenciones y hechizos, y rescata “voces en el desierto”, palabras cuyo destino es ser vaciadas. En este trabajo de Kartun, también director, se lucen todos. Norberto Laino acierta con una escenografía de altares populares, cuyo contenido se constituye en relato visual; en tanto Alejandro Le Roux atrapa climas con su juego de luces y Tian Brass aporta intensidad desde su diseño sonoro a cada uno de los cuadros de este rompecabezas al que le faltan piezas, como suele suceder con las puestas que no dejan al espectador en el lugar del intruso.

Hilda Cabrera

SALOMÉ DE CHACRA

De Mauricio Kartun

Elenco: Osqui Guzmán, Manuel Vicente, Lorena Vega y Stella Galazzi

Diseño de escenografía y realización de elementos: Norberto Laino

Iluminación: Alejandro Le Roux

Vestuario: Gabriela A. Fernández

Diseño sonoro: Tian Brass

Supervisión de movimientos: Luciana Acuña

Coordinación de producción: Beatriz Borquez

Asistencia de dirección: Rubén Pinta

Asistentes en distintas áreas: Lorena Ballestero, Estefanía Bonessa y Maite Corona

Dirección: Mauricio Kartun

Lugar: Sala Cunill Cabanellas del Teatro General San Martín, Av. Corrientes 1530. Funciones de miércoles a sábado a las 21, domingo a las 20. Localidades: 45 pesos, miércoles populares: 25 pesos. Duración: 90 minutos. Tel. 0-800-333-5254

LAS ACACIAS

2011-11-19T14:02:00.000-03:00

Anoche fui a la inauguración del ciclo del PCI (Proyecto Cine Independiente), Cine argentino al cine (que tiene lugar en el Cosmos, vean la programación aquí), y vi nuevamente LAS ACACIAS, de Pablo Giorgelli. Este post no será un análisis ni una crítica de la película -eso quedará para más adelante, cuando se estrene-, sino una reflexión que surgió tras escuchar las palabras de Ariel Rotter, uno de los productores del filme, uno de los más premiados de todo el año cinematográfico de cualquier país del mundo (Cámara de Oro en Cannes, Premio Horizontes en San Sebastián, Mejor Opera Prima en Londres, para empezar a hablar).

Antes de la exhibición, Ariel comentó que la película se iba a estrenar en breve en Francia y en Gran Bretaña con unas 30 a 40 copias y que en la Argentina no conseguían salas más o menos dignas para su estreno. Rotter luego habló de las dificultades que todo el cine independiente tiene para estrenar y consignó lo que muchos ya sabemos: que si no hay actores conocidos, un apoyo de la televisión o si no se ofrece una propuesta a primera vista hipercomercial, las salas están cerradas al cine independiente. Lo vimos ya este año con varias películas, aunque me acuerdo de dos especialmente: UN MUNDO MISTERIOSO y VAQUERO. Esos filmes debieron postergarse o salir en el circuito alternativo de MALBA, Lugones, etc. Después de Rotter habló un poco Giorgelli, quien dijo estar “hipersensibilizado” por este tema y daba la impresión de estar por largarse a llorar en cualquier momento… Imagino que tras seis meses de cosechar aplausos, premios y devoluciones agradecidas en los lugares más insospechados del planeta, el NO de los exhibidores locales no es el tipo de recepción que se imaginaba en su propio país.

Algunos podrán pensar que las cadenas cinematográficas tienen todo el derecho del mundo a decidir qué películas pasan en sus pantallas. Otros son los que consideran que las leyes de fomento cinematográfico deberían obligarlas a exhibir una cantidad de cine argentino al año que no sea, simplemente, las mismas 4, 5 películas comerciales. Yo, en líneas generales, estoy de acuerdo con la idea de una cuota de pantalla y que esta se cuide y se distribuya equitativamente no sólo entre las películas sino también entre las salas, ya que muchas cadenas optan por “tirar” las películas nacionales a alguna sala del Gran Buenos Aires y así se sacan la obligación legal y la película “apenas les molesta” una semana.

Imagino que el caso de LAS ACACIAS es este último. Alguna cadena ofrecerá alguna sala alejada donde no le sirva a ellos pero no les moleste demasiado (no les hace diferencia, y como en esas salas nunca funcionan termina siendo una profecía autocumplida) y le genera así un gasto a la película que nunca puede ser recuperado por taquilla. Pero hay una triste realidad de la exhibición argentina: no es lo mismo el Cinemark Palermo o el Hoyts Abasto que cines en Morón o Avellaneda. Nos guste o no, esas salas son inviables para el cine nacional, que necesita de las salas céntricas y de la circulación que allí se genera.

Lo que me llama la atención en este caso, es que más allá de su elenco muy poco conocido, LAS ACACIAS es una película sumamente accesible, humana y clásica. Hasta me atrevería decir que es potencialmente muy popular, exitosa. Una película que cualquier persona con un mínimo grado de interés cinematográfico puede encontrar tocante, cercana. Digo, es un filme con un bebé más que simpático y entrador que sonríe y hace ojitos a cámara durante media película. Si eso no es mínimamente interesante para el género humano, no sé que cosa puede serlo.

Más allá de cualquier análisis respecto a su calidad cinematográfica -habrá a quienes les guste más o menos, a mí me parece una muy sólida y noble opera prima, pero no quiero explayarme ahora en eso-, es innegable que la película toca un “nervio” humano muy palpable y cercano al espectador común. Un camionero solitario y parco ayuda a cruzar la frontera a una mujer paraguaya con su bebé y viaja con ellos hasta Buenos Aires en su camión. Al principio los ignora y quiere sacárselos de encima, pero de a poco -y con el inestimable “gancho” que aporta la pequeña Anahí- empieza a entablar una relación con ellos y a “reencontrarse” en el camino. Así, tan simple como reconocible.

Con esto no quiero decir que a LAS ACACIAS hay que darle lugar porque “es comercial” y que entiendo que no se lo den a, digamos, UN MUNDO MISTERIOSO, que no lo es. Creo que el lugar se le debe dar a ambas y que es la obligación de las cadenas hacerlo. Lo que me pregunto es lo siguiente: si una película con la humanidad que proyecta y la emoción que provoca en el público LAS ACACIAS -sin hablar de los premios- no es aceptada por las grandes cadenas, ¿qué queda para el cine independiente, si se quiere, más áspero y menos accesible? ¿Cuál es el absurdo límite de lo que es “aceptable” de parte del cine nacional para las cadenas si una película que hace llorar y reír (eso que mucha gente tanto le reclama al “cine de autor”) tampoco es tenida en cuenta? ¿Quién marca esos límites “comerciales” que tanto se le achacan al cine argentino? ¿Las propuestas o los que limitan su exposición?

Hace muchos años que escucho quejas de productores y directores acerca de las políticas de las salas. He escuchado casos más leves y otros más graves. Tomando en cuenta lo que la película ya consiguió en el mundo y lo que yo y muchos otros hemos visto en salas de cine (gente emocionada hasta las lágrimas), el caso de LAS ACACIAS me parece de una estrechez de miras notable. Casi un caso testigo para las políticas de exhibición del cine nacional de los próximos años. Si la opera prima de Pablo Giorgelli no se estrena este jueves, o si tiene una salida mala o ínfima en cuanto a salas, sabrán qué fue lo que pasó. Y sabrán también que hay cuestiones muy urgentes de política cinematográfica que hay que resolver.

micropsia.otroscines.com

VERDADES VERDADERAS

2011-11-14T15:12:00.003-03:00

Entrevista a Alejandro Awada y Susú Pecoraro.

Aquel día, Estela amasó fideos, como lo hace siempre para reunir a la familia. Sus manos unieron los ingredientes necesarios hasta lograr su afán: un plato de pasta al dente en salsa casera con estofado, el alimento para ofrecer a cada uno de sus hijos (los biológicos y los sumados) y sus nietos (seguramente los presentes y los buscados). Como suele suceder, hubo sonrisas y aplausos de agradecimiento por la delicia. El encuentro fue en la casa de su hija Claudia y el motivo fue especial. Todos los Carlotto se sentaron alrededor de la mesa para compartir el almuerzo y luego ver Verdades Verdaderas, la película de Nicolás Gil Lavedra que narra la vida de la abuela Estela.

La historia protagonizada por Susú Pecoraro, Alejandro Awada, Laura Novoa, Fernán Mirás e Inés Efrón, que se estrena el 17 de noviembre muestra a una Estela de Carlotto distinta a la que conocemos. El film de tono intimista, refleja el proceso por el que una mujer, directora de una escuela, madre y esposa dedicada que mantiene con amor su nido armado, enfrenta el dolor más profundo al perder a su hija Laura (asesinada por la dictadura en agosto de 1978) y se convierte en la dirigente de Abuelas de Plaza de Mayo que sigue en el día de hoy buscando a su nieto Guido y a los nietos de otras familias que esperan sumar una porción más en la olla de sus almuerzos.

El elenco vio la película minutos antes de dar el reportaje. Se los nota conmovidos. “Adiós final feliz”, murmura con dulzura Susú Pecoraro que se funde en un abrazo con un asistente y luego aclara (a veces no es necesario verbalizar, pero Susú es generosa en sus expresiones) “Estamos todos enamorados en esta película.” Frente a ella se sienta Alejandro Awada que ni bien se acomoda sobre el sillón le toma una mano y la deja ahí en una caricia constante. En la película hacen de Estela y Guido (fallecido en octubre de 2001), el matrimonio Carlotto, el amor fundacional de la lucha de Estela.

–Susú, antes de representarla conociste personalmente a Estela. ¿Qué desafíos aparecieron como actriz?

Susú Pecoraro: –Conociéndola y estando cerca pude trabajar su carácter. Traté de ser fiel a su naturaleza. Estela tiene una naturaleza sostenedora, además de ser una persona que tiene optimismo, que tiene fuerza y es una luchadora, hay aspectos que ella misma descubrió a partir de la experiencia de perder a su hija y salir a buscar a su nieto. Pero antes, desde muy joven, ya era el sostén de su familia siendo maestra, siendo mamá que ayuda a los chicos, mujer que ayuda a su marido en el trabajo y de golpe cuando pasa esta desgracia sigue creciendo, sosteniendo a su marido y a los chicos que se van y además empieza a crecer y no sólo mirando su propio ombligo sino pudiendo salir a hacer el bien a otro.

–Alejandro, ¿cómo fue para vos componer a su marido?

Alejandro Awada: –Estuvimos atentos al vínculo entre ellos. Esta es una familia normal, amorosa, linda. Unos italianos rodeados de mucho amor y que, como consecuencia de una circunstancia histórica, esa mujer se transforma con los años en la Estela de Carlotto que conocemos. Incluso ella, seguramente, no sabía lo valiente que era.

S: –¡No, no lo sabía!, me lo contó Claudia, me dijo: “Mi mamá era re cagona.” Y eso yo lo usé, por eso camino de determinada manera cuando empieza con las rondas en la Plaza de Mayo y digo: “No puedo, no puedo.” Es que al principio Estela tuvo que superar ese miedo…

A: –Es que ser valiente en serio es aceptar el miedo y superarlo ¡Eso es ser valiente!

–Guido Carlotto, ‘el tano’, no fue una persona pública. ¿Desde dónde salió el personaje?

A: –No me senté a hablar con Estela sobre su marido. Salió desde el amor, las sutilezas, lo delicado, lo simple, lo no pretencioso, lo sencillo. Estar presente, vivos, conectados todo el tiempo. El amor implica el respeto, hay un cuidado constante por el otro. Apelé a la intuición, lo imaginé así, un hombre muy amoroso, muy enamorado de su familia y su mujer, muy de estar en, con y para su familia.

S: –Cuando hay un amor de verdad el vínculo es irrompible. Aunque ese hombre sufra diferente a ella, se sigue sosteniendo ese vínculo hasta el final, es el día de hoy que Estela dice: “Él fue el amor de mi vida y todavía me siento cerca de él.”

–En los roles que ambos muestran como padres se ve que a ella la quieren proteger todo el tiempo y que, en cambio, él mantenía complicidad con su hijos.

S: –Sí. Ella dice que no estaba interiorizada en qué hacían los chicos, después se dio cuenta de por qué estaban luchando. Fue a partir del golpe, pero antes no le caía muy bien que estuvieran metidos en política por ignorancia del momento. Ella repite: “Aprendí mucho de mis hijos.” El tano fue cómplice por ser un padre cuidadoso, él prefería saber en qué estaban, dónde estaban, no sólo por lo ideológico, sino para tenerlos cerca.

A: –Hay que tener en cuenta que ellos no sabían que iba a suceder el terror posterior. Si uno imagina que haciendo esto puedo producir aquello, como padre supongo que no lo hubiese permitido. Nadie imaginaba que el terror iba a ser lo que fue.

S: –Estela dice que nunca pensó que pudiera haber gente así. Ellos son una familia de bien, ¿cómo iba a pensar que iban a matarle a su hija?

–Pero aprendió a anteponer la esperanza al dolor.

S: –No sólo es esperanza porque es una idea sino porque cuando vos das el paso y vas al frente, se abren puertas, siempre habrá algo con lo que te encontrás, pero si no das ningún paso, no hay nada. El hecho de ir, enfrentarse a los hechos de la vida siempre es crecimiento. Vos la ves a Estela con una integridad, una fuerza y unas ganas de vivir que por ahí no las tienen otras personas.

A: –Y desde dónde se construye esa integridad, que no es desde algo extraordinario.

S: –Ni desde las ideas sino desde la acción, dar el paso, ir, eso para mí hace que el ser humano se engrandezca.

–¿Por qué creen que la historia de la vida de Estela llega al cine en este momento?

S: –Hay un compromiso y un momento del país hermoso para hacer esta película. Ahora la gente está más flexible, con menos miedos y a pesar de todo lo que tardan estos temas para procesarse, han pasado cosas que nos ayudaron a dar pasos importantes y llegar acá.

A: –Llega en un momento muy bello, porque un sector enorme de la población tiene ganas de vivir en una Argentina mejor y esta película me parece que está al servicio de eso también, de la construcción de una sociedad mejor para todos, tenemos la necesidad de vivir en una sociedad mejor para todos, en una sociedad más noble, más bella, más justa.

–En la película hay una pregunta referida a la Patria. ¿Estamos hoy en un camino de reconciliación con el concepto de Patria?

A: –Es un buen momento para que pensemos la Patria.

S: –Es un buen momento porque también, si bien siempre va a generar controversias y quizás haya un sector mínimo que no la comprenda, es importante el hecho de que se vea cómo era esa familia y cómo sucedieron las cosas. Son personas a las que le sucedió un hecho tan doloroso, injusto y tremendo como que le maten a un hijo y en vez de llenarse de resentimiento, dolor, enfermedad y muerte, ellos salieron. La pregunta es ¿cómo en el cotidiano voy a transformar esto y me voy a poner a hacer? Porque no es una idea, contar la película es contar que no es una idea. ¿Qué tenés que tener? ¿Qué se necesita para que las personas sean mejores y estemos unidas?

A: La verdad, se necesita la vedad.

S: Se necesita verdad, tenacidad esa cosa de levantarse todas las mañanas y dejar la comida para tu marido en un tupper e irse a encontrar con las señoras y al día siguiente repetirlo y eso como no fue una idea, no. Y no salió a decir: “¡Verdad, verdad, verdad!” Lo que se propuso fue mostrar verdad, ser verdad y a partir de ahí construir.

Analia Rivas

LA FELICIDAD

2011-10-29T09:57:00.000-03:00

La percepción se confirma después de una hora de entrevista: Pablo Echarri está atravesando uno de esos –escasos– momentos en los que un hombre siente que la felicidad plena no es un sueño inal-canzable. Relajado como nunca antes, Echarri recibe a Página/12 con la tranquilidad de haber terminado con las extensas jornadas de grabación de El Elegido, la ficción que el lunes, a las 23, le pone punto final a su entreverada e hipnótica trama. Un estado que se refuerza por el hecho de ser consciente que en su primera incursión como productor televisivo logró plasmar en la pantalla de Telefe un drama narrativamente atrapante, impecablemente actuado y estéticamente definido. Pero no es sólo su profesión lo que lo muestra en plenitud: el saberse parte de un colectivo social que encontró en el kirchnerismo un espacio político en el cual reconocerse juega un papel de peso que explica, en parte, su manifiesta felicidad.

“Definitivamente no soy el mismo que era hace diez años”, subraya en la entrevista.

Poco queda del galancito que había irrumpido en la pantalla chica a mediados de los 90 en programas como Sólo para parejas, Inconquistable corazón y Por siempre mujercitas. Casi veinte años después de su debut televisivo, Echarri parece haber alcanzado una madurez personal y profesional que le permite dejar de lado las luces que la industria local les impone a sus figuras. Distendido, el actor que en Resistiré, Montecristo, Plata quemada y Crónica de una fuga ya había insinuado su interés de correrse del rol de galán tradicional, ahora parece no tener inconvenientes en mostrarse como un ciudadano capaz de reconocer sus errores y expresarse políticamente. No sólo no tiene problemas: tiene la necesidad de decirlo, de subrayarlo, como una manera de aportar su granito de arena a la construcción de un país más justo. El actor se encontró con el ciudadano; el ciudadano se encontró con el actor. “La experiencia de El elegido me hizo crecer”, dispara. “Me bajó enormemente el nivel de exitismo, me ayudó a enfocar específicamente cuál era la búsqueda artística y a valorarla. Esa posibilidad de que el rating no nos haya acompañado de la forma desmedida que yo pensaba en un primer momento me dio la posibilidad de valorar cosas que de otra manera no hubiera sido posible. Dios es muy sabio: como productor me permitió tener que desmenuzar lo hecho para ver cuáles eran los pro y los contra de El elegido. Si me hubiera dado un éxito de 30 puntos en mi primer programa como productor, hubiese generado un ser imposible, mucho más despreciable de lo que realmente soy”, reconoce, con una naturalidad asombrosa.

–¿Qué evaluación hace de El Elegido?

–Yo siempre tengo expectativas desmedidas. Tal vez ése sea el motor que hace que transforme un acto de fe en un programa de TV concreto. Sabíamos en el fondo que la historia de El elegido era compleja y probablemente no masiva, había algo interiormente, aunque no lo hablábamos en voz alta como para no matar el motor, que nos decía que no íbamos a poder sumar a las masas. Cuando se estableció en los 12 puntos diarios, un número acotado para las expectativas generales de la TV actual, descubrí un grado de evolución del productor respecto del actor. Hubiéramos querido tener mayor rating y transformarnos en un éxito, pero también comprendí que El elegido fue uno de los programas que más rating le dio a Telefe, con una composición de audiencia de alto consumo que hizo que comercialmente nos garantizara la continuidad.

–El ego inflado del actor le cedió lugar a la frialdad del productor.

–Todas esas eran variables que antes no veía como actor, y que cuando las comprendí me liberé de una presión muy fuerte, de una idea exitista fogoneada por mi carrera de actor. Entendí que el rating es una variable peligrosa en cuanto podía afectar la continuidad de un programa. Ahora, cuando por otras variables, como el share, la composición de audiencia, el acompañamiento de los anunciantes y la media de audiencia del canal, un programa tiene asegurada su permanencia al aire, el rating pasa a ser un número. Un número al que no vas a mirar todo el tiempo.

–Lo que pasa es que, además de ser una variable importante para garantizar la continuidad de un ciclo, el ego de un actor se alimenta del rating.

–La atención del actor hacia el rating está ligada a la función que cumple en un elenco. El actor cumple con su trabajo, pero no participa de un montón de pormenores. El número de rating es el vínculo más directo que tiene el actor con lo que está haciendo. A más rating, más alegría; a menos rating, mayor tristeza. Cuando el esquema se complejiza, uno empieza a tener en cuenta otras cuestiones, y el rating pasa a tener una atención en su justa medida. Si hubiéramos estado debajo de los dos dígitos, el rating me hubiera enfermado, lastimado y deprimido. El rating es un número que tiene vida: con sólo verlo te puede provocar un momento de euforia o de depresión. Aprendí a hacer más compleja la evaluación y eso me liberó. Eso no quiere decir que el próximo programa me libere del rating: siempre voy a querer hacer 30 puntos. De todas maneras, a medida que voy creciendo me doy cuenta de que tengo la necesidad natural de desestructurar lo anterior. Sucede a costa mía. No puedo manejarlo de manera consciente. No puedo regodearme en la comodidad que me deja algo ya constituido. Me subleva interiormente; es una suerte de pulsión agotadora. Cuando siento que puedo instalarme o disfrutar de lo conseguido, hay algo interno que me pide patear el tablero e ir en busca de otra cosa. Y el rol de productor tiene que ver con eso: con no quedarme en la comodidad del actor. Necesitaba crearme un esquema de trabajo que contuviera todas mis obsesiones. En el último tiempo sentía que era tal el grado de obsesión por el trabajo que sentía que el oficio de actor era poco. ¡Necesitaba crearme un problema mayor!

El ciudadano detrás del actor

Educado en el seno de una familia radical, con abuela y padre de fuerte arraigo al partido centenario, Echarri confiesa que recién ahora dejó de repetir los preceptos que como hijo y nieto se le habían establecido con naturalidad, pero sin haberlos elegido. Por eso, no resulta extraño ver al actor y productor en los actos o anuncios de CFK relacionados al mundo artístico. Eso, dice, también es parte del crecimiento que persigue.

“A mis 42 años estoy descubriendo una necesidad de compromiso ideológico que por el vacío que han dejado los años de dictadura y de neoliberalismo no me había dado la posibilidad de encarar una militancia como la que tendría que haber hecho a los veintipico”, reflexiona Echarri. “La dictadura y los años de nube de pedo que hemos vivido a través del exitismo rabioso que ofrecía el neoliberalismo, que nos corrió el eje de lo importante para inflarnos el ego –analiza–, hizo que a los 42 años y con dos hijos tuviera la necesidad concreta de expresar lo que había descubierto ideológicamente. Encontré en estos años la necesidad de ejercer mi propia expresión aquí y ahora. Ni mañana ni el año que viene. Sentí que no había manera de dejar pasar más tiempo.”

–¿Hubo un período de discernimiento interior respecto de la conveniencia o no de expresarse políticamente?

–Fue una necesidad irrefrenable, que ni siquiera fue pensada intelectualmente, fue un hecho espontáneo. Pero después de haberme expresado espontáneamente, lo internalicé intelectualmente y me di cuenta del riesgo que estaba tomando. Cuando tomé conciencia de ese riesgo, me di cuenta de que la potencia del compromiso era mucho mayor a cualquier conveniencia. Agradezco haberme expresado políticamente. Sobre todo por lo que estamos viviendo los argentinos en este momento.

–¿Qué es lo que más lo entusiasma de este proceso?

–Estamos muy cerca de nuestra última experiencia electoral, y ver el camino, la ilusión y la esperanza que me crea este proceso político me enorgullece. Saber que soy parte, y que cada vez más argentinos se suman a este proyecto “amoroso” que busca incluir –y no excluir, como durante mucho tiempo se hizo a lo largo de la historia argentina–, me enorgullece profundamente. En este camino de la evolución personal, sentía que a mis hijos les estaba demostrando que podía ser responsable de una profesión y de llevar el pan a casa. Pero descubrir un compromiso que se antepone a cualquier conveniencia laboral, y hacerlo prevalecer más allá del miedo, me hace sentir que ahora les estoy dejando algo verdaderamente grande. Más allá de los roles de padre y trabajador, siento que mostrarles que el miedo no tiene lugar cuando uno sigue sus convicciones es el legado más importante que les puedo brindar.

–¿Encontró en el kirchnerismo el lugar que desde hacía tiempo buscaba para comprometerse políticamente, o el kirchnerismo despertó en usted al ciudadano dormido?

–Todo transcurrió de una forma paralela. Mi compromiso social, sobre todo con el colectivo de actores, surgió cuando en 2003 con un grupo de colegas armamos una comisión para negociar con el por entonces gobierno entrante la atrasada Ley de Propiedad Intelectual, que estaba implementada para todos los que estaban contenidos en esa ley, menos para los actores. Ese compromiso hizo que fuéramos a buscar como interlocutor a Néstor Kirchner, entonces un político desconocido que no sabía que posteriormente se iba a transformar en un padre ideológico para mí.

Cuando nos sentamos con Kirchner para llevarle la carpeta para que de una vez y para siempre se aplicara la ley que a los actores se les fue vedada durante 74 años, y así resarcir una deuda histórica del Estado argentino, nos encontramos con un tipo que escuchó la exposición y nos dijo: “Es patético discutir lo indiscutible: me comprometo a reglamentar la ley y a publicarla en el Boletín Oficial, que es lo que corresponde”. Fue una actitud contraria a la que esperábamos encontrar de un “hombre de poder”, sobre todo por cómo los “hombres de poder” históricamente se ligaban a las corporaciones y a los poderes establecidos, a los que no se enfrentaban para no dañar esa unión, por miedo a hacer peligrar su propia existencia. Ese día me di cuenta de que estaba ante algo grande.

–Pero calculo que habrá percibido en el kirchnerismo mucho más que una actitud deseada y sorprendente.

–Esa fue la punta del ovillo. A medida que se fue deshaciendo el ovillo me di cuenta de que había detrás mucho más que una simple actitud. Cuando con el tiempo descubrí ante qué persona estaba, ante qué modelo de político me encontraba y ante lo que iba a venir, sentí que para satisfacer mi deseo de evolución debía apoyar una gestión que encauzaba mis inquietudes ciudadanas. Era un modelo de político y de política que se iba a diversificar para que la idea más sobresaliente, la ganadora, pudiera ser llevada a cabo a toda costa. En ese momento sentí que el kirchnerismo representaba mis deseos más profundos, inclusive los menos intelectuales, lo más viscerales. Y cuando llegó La Ley de Medios me di cuenta de qué se trataba, fue el último empujón que necesitaba. Hoy vivo este momento con total emoción y con un compromiso profundo y personal. Ya dejé de seguir las ideas de mi viejo y mi abuela... En el kirchnerismo descubrí mi complemento como hombre. La aparición de este modelo político que será por lo menos de tres mandatos se manifestó paralelamente a mi adultez: se murió mi viejo y me transformé definitivamente en el padre de mi familia, vino mi hijo varón... Fue algo absolutamente natural. Tuve la posibilidad de conocer personalmente a Kirchner, de bromear entre Racing e Independiente, y creo que ese desparpajo con el que se manejaba nos acercó. Kirchner nos dio la posibilidad de exponer y defender nuestras ideas sin que nos temblaran las piernas, porque básicamente era un tipo que tenía corazón. Eso me hizo evolucionar como hombre y transformarme en uno de los kirchneristas más defensores de este modelo. En el kirchnerismo encontré una ideología y un espacio donde expresarme. Haber encontrado un espacio concreto en el cual poder soñar con un futuro mejor para todos me hace un tipo completo, mucho más feliz.

Emanuel Respighi

FELIZ FIN DE SEMANA

2011-10-22T13:44:00.003-03:00

Desobedeciendo la veda electoral, las argentinas Florencia Molinero y María Irigoyen ganaron ayer la medalla de oro del dobles femenino de tenis al vencer a las estadounidenses Irina Falconi y Christina McHale por 6-4, 2-6 y 10-6, en el marco de los Juegos Panamericanos de Guadalajara 2011.

Así no se puede seguir viviendo, demasiadas alegrías juntas.

La dorada llegó de la mano del tenis, hasta mañana...

MAIS GRANDE DO MUNDO

2011-10-20T19:58:00.000-03:00

Hay cosas difíciles de sostener en la vida. Sin ir más lejos Florencia Peña no pudo. Desde entonces los hombres, aunque algo resignados, han empezado a mirarle el rostro. Tener una cara que nadie mira es tal vez el principal castigo para las mujeres con tetas muy grandes. Pero también implica otros problemas por ejemplo, una mujer muy tetona no puede correr los 100 metros llanos. Y ni hablar si son con vallas...

Sin embargo los problemas de Denise Milani, una chica nacida en 1980 en República Checa pasan por otro lado; no ha podido convertirse en policía ni soldado tal como ella deseaba.

Denise no pudo ingresar en las Fuerzas Armadas por un exceso de pecho que le impide la correcta maniobrabilidad del armamento sofisticado. Luego tampoco la admitieron en el cuerpo de policía de Chicago por los mismos motivos.

La modelo podría haberse quitado un poco de pechos, quedarse llorando por los rincones o denunciar discriminación. Pero eligió el camino de la superación y se convirtió en entrenadora de Fitness Internacional y por fin, así, la mujer de los pechos naturales más grandes del mundo, encontró su vocación.

Denise Milani

AMIGORENA, MITRE y la REALIDAD

2011-09-27T20:25:00.003-03:00

La miniserie recrea, como es de estado público, la trama de negocios sucios que Clarín y La Nación hicieron para despojar a los accionistas de Papel Prensa con el apoyo de la sangrienta dictadura militar.

Cuando Orson Welles se lanzó a escribir, producir, dirigir y protagonizar no sabía que terminaría siendo el responsable de una de las películas que hizo historia en el cine. Lo que sí tenía claro era contra quién había apuntado con su mirada y no sólo con las cámaras. Corría 1941 y Estados Unidos se involucraba en la Segunda Guerra...

El miedo debía cundir por todos lados. Welles hizo El ciudadano Kane (así, con K) como una radiografía del poderoso empresario mediático William Randolph Hearst, quien hizo lo indecible para evitar que Hollywood lo mostrara tal como era. Hearst se creía blindado frente a los escándalos porque tenía 28 diarios, desde Los Ángeles hasta Washington y Boston. Welles contaba con su talento y su talante. Había demostrado, apenas tres años antes, el impacto que tenía la radio. Fue cuando transmitió en vivo y en directo una invasión de marcianos que, por supuesto, nunca existió. En realidad, La guerra de los mundos fue la adaptación al radioteatro de la novela homónima escrita por su casi homónimo Herbert Wells. Hubo pánico en Nueva York. No hay carrera de periodismo o comunicación que no tome La guerra de los mundos para graficar el poderío que tienen los medios a la hora de manipular mensajes. Alcanza con darle formato realista, casi de noticiero, a una ficción. El ciudadano fue una vuelta más de tuerca, porque se atrevió a poner en escena a Hearst, alguien cuyo negocio era estar detrás de la escena al mismo tiempo que ponía en escena a quien quisiera. La trama es descomunal porque trasciende la valentía del autor. El ciudadano Kane muestra la condición humana atravesada por el poder. Casi casi un Hamlet del siglo XX. No, desde ya, como el Hamlet que protagoniza Mike Amigorena, con Esmeralda Mitre interpretando a Ofelia. “Es un regalo del cielo”, dijo la hija de Bartolomé Mitre en declaraciones periodísticas cuando se estrenó la obra. Puede ser que el cielo haya tenido que ver. Pero hay algunos otros motivos terrenos que convierten este Hamlet en una comedia de enredos y lo saca del sacrosanto lugar de la tragedia shakesperiana. El Alvear depende del Ministerio de Cultura de la Ciudad, donde el novio de Esmeralda Mitre, Darío Lopérfido, tiene muchos amigos. Por otra parte Esmeralda es una de las herederas del diario La Nación, sin perjuicio de su trayectoria dramática, cuestión en la que el autor de estas líneas no está en condiciones de abrir juicio. Además, este Hamlet cuenta con la dirección de Juan Carlos Gené, un gigante, con quien la Mitre tomó clases.

¿A qué viene tanta historia? Simplemente a darle contexto a la ¿sorpresiva? decisión de Amigorena de borrarse del papel de empresario poderoso de medios en la miniserie El Pacto que esta noche iba a estrenarse en América Televisión. Si bien el personaje interpretado por Amigorena tiene un nombre de ficción es lo más parecido a Héctor Magnetto, quizá con algunos toques de Bartolomé Mitre. La miniserie recrea, como es de estado público, la trama de negocios sucios que Clarín y La Nación hicieron para despojar a los accionistas de Papel Prensa con el apoyo de la sangrienta dictadura militar. Rafael Ianover –tenedor de acciones de Papel Prensa por encargo de su dueño David Graiver– le relató con detalles a toda la sociedad que las reuniones para el despojo se hicieron en las oficinas de La Nación. Uno de los detalles escabrosos, que bien podría servir para ilustrar un Hamlet moderno, era que a los herederos de Graiver y a él mismo, los tenían en oficinas distintas de ese diario, sin que entre ellos supieran qué pasaba. Tenían que firmar sí o sí el despojo.

La causa Papel Prensa está más que documentada y tramita en dos juzgados federales. El número tres de La Plata, a cargo de Arnaldo Corazza, porque las torturas y desapariciones se hicieron en campos clandestinos de detención del Conurbano Bonaerense. También llegó al número tres de la Ciudad de Buenos Aires, a cargo de Daniel Rafecas y está ahora en manos de la Cámara Federal porque Rafecas considera que no es procedente dividir la causa. El motivo por el que está en Buenos Aires es precisamente porque el despojo se habría concretado en las oficinas de La Nación. Y el director era Bartolomé, el papá de Esmeralda, la chica que trabaja en el teatro con Mike.

Ahora bien, ¿cuánto importa que Ofelia y Hamlet sean amigos fuera de la obra dirigida por Gené? O, también, ¿a alguien le interesa saber si Gené tiene presente que el padre de la Ofelia de la obra era uno de los tipos acusado de ser parte del terrorismo de Estado? Porque, es sabido, Gené tuvo que salir del país en 1976 a todo raje sin que La Nación se lamentara.

Y no es necesario recurrir a Welles para buscar ejemplos de personas que no desdoblan la ficción y la realidad de acuerdo a las conveniencias o los temores de turno. Gené formó parte de una generación de artistas que eran, además, militantes gremiales y primeras figuras de las tablas o las miniseries. Cualquiera que peine canas recuerda las cosas maravillosas –que podían verse en televisión durante la dictadura de Alejandro Lanusse– con actores como Gené, Bárbara Mugica, Emilio Alfaro o Carlos Carella.

Precisamente Carella fue uno de los actores de una película que recreaba una historia real ocurrida en 1956 y que se filmó en esos años de Lanusse. Se trata de Operación Masacre, dirigida por Jorge Cedrón. Contaba Víctor Laplace –que también trabajó en la obra y que era un militante comprometido igual que Carella– que los horarios de filmación muchas veces se supeditaban al horario en que podían hacerse de los uniformes policiales que les facilitaban algunos compañeros y que, desde ya, no podían alquilar en casas de vestuario. Es decir, algunos uniformados se jugaban para darles durante la noche sus propios uniformes.

Los tiempos son los tiempos y nadie tiene derecho a exigirle a Mike Amigorena que se inspire en Welles o en Carella. Pero no vendría mal que se tome un rato para leer Silencio por Sangre, escrito por Daniel Cecchini y Jorge Mancinelli, donde están relatados los pormenores de la historia en la que se basa el personaje que acaba de resignar. También podría preguntarle a Gené, en algún tiempo libre que les deje Hamlet, qué pasaba en esos años. Por el mundo del teatro también anda Osvaldo Papaleo, hermano de Lidia, la viuda de Graiver. Ambos le pueden contar lo que es pasarse un largo tiempo en Puesto Vasco, con el genocida Ramón Camps encima.

No soy de la idea de que sea conveniente convertir a Amigorena en Enemigorena. Sí me parece un llamado de atención para que la realidad y la ficción dialoguen más. Entonces, si Amigorena no tiene dimensión de lo que significa interpretar un personaje muy parecido a Magnetto, sería bueno que no aceptara de entrada. Ahora que las cosas están hechas, debe quedar claro que la cultura, por suerte, sigue a buen recaudo. El Pacto podrá cambiar de escenarios, de actores, de situaciones, de giros retóricos. Pero, eso sí, cuando se estrene, van a temblar los que tienen que temblar y vamos a aprender un poco más los que tenemos que ayudar a que se sepa la verdad con auxilio de la ficción.

Eduardo Anguita

LOS HAMLET DE BUENOS AIRES

2011-09-25T20:53:00.000-03:00

Alguien lo dijo mientras se acomodaba en la primera fila del Teatro Presidente Alvear para el estreno de Hamlet con Mike Amigorena: “Es que acá no importa el argumento, venimos a ver cómo hicieron lo que ya conocemos. Y éste es un Hamlet comercial, la gente quiere ver a los actores de la tele haciendo Shakespeare”.

Más que apuntar a la remanida “vigencia” del clásico, el comentario actualiza la cuestión del teatro en el mundo contemporáneo: por qué volver una vez más a la platea, pulsión morbosa y cándida de sentarse a esperar la epifanía, tropezar con las mismas calaveras, leer y decodificar las acciones y juzgar en vivo a los actores que en tiempos digitales sostienen recursos milenarios. Jugar con el aburrimiento como con fuego.

En el caso de Hamlet, está el plus de que se trata de un viejo amigo, el loco que pregunta sobre ser o no ser y que, por alguna ecuación que nadie descifra, desde el día de su estreno en 1601 permaneció 40 años en cartel y desde hace tres siglos no deja de representarse ni un solo día, según afirman los libros de records.

La certeza de que ya nadie en este mundo verá Hamlet por primera vez avivó durante todo el siglo XX el fuego de las relecturas más desorbitadas. Desde El Rey León, que acusa a Hamlet como subtexto, hasta una de las más brillantes sátiras nazis de los años ‘40 (To Be or not To Be de Ernst Lubitsch), pasando por una tendencia reciente a hacerlo fracasar contra los zombies (Hamlet vs. Zombies, 2011). Nótese, antes de seguir, que citar al público y los records resulta en este caso un gesto más pretencioso que convocar a René Girard o a Jung, si se tiene en cuenta que, como apuntaba el crítico polaco Jan Kott, “la lista de bibliografía sobre Hamlet es dos veces más voluminosa que la guía telefónica de Varsovia”. Vale decir, no sólo los que no nacieron ya saben quién es sino que lo que diga cualquiera de ahora en más, ya estaba escrito.

La puesta de Hamlet de Thomas Ostermeier se podrá ver durante la 8ª edición del Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA), del 24 de septiembre al 8 de octubre.

Pero, ¿qué comentario o qué lamento precedía a la sentencia de aquel espectador? No alcanzamos a oír. Pudo ser la molestia ante la perspectiva del final cantado, donde más de la mitad del elenco termina muerto. O tal vez éste fuera el quinto Hamlet al que, como esta cronista, le tocaba asistir en los últimos días. Porque así es: combinando los horarios de la cartelera porteña, cualquiera puede encontrarse con cuatro o cinco príncipes de Dinamarca en una misma semana, dos de ellos con sólo cruzar la calle Corrientes.

¿Será blasfemo relacionar esta yuxtaposición de fantasmas con la presencia de los espíritus locales en la reciente vida política argentina? Seguro, es una tentación. Un ex presidente que presta trajes, gestos y vocabulario a su hijo para que se presente a las elecciones. Otro ex presidente, viento que llega del Sur y abre las puertas de Olivos cuando su viuda está por pronunciar el nombre de los traidores. En un contexto de lucha más mediática que sangrienta, con odios contenidos, pero bajo presiones mucho menos trágicas que las que amenazaban a la corona en tiempos de Shakespeare, no tenemos, es cierto, apariciones que claman venganza. Ni algo huele mal sino todo lo contrario en la recuperación y la reiteración de la palabra “memoria”, con las diversas acepciones que va tomando a 35 años de la dictadura. Aparecidos (desaparecidos) rondan más persistentes que nunca los tribunales, las representaciones sociales, los estudios críticos sobre nuestro pasado claramente “dinamarqués”. Pero si la conexión entre cartelera y presente resulta forzada, sólo queda agregar que algunas de las versiones nombradas aquí hacen referencia explícita a los años ‘90, a los efectos del neoliberalismo y a la corrupción de los gobernantes mediante chistes y sobreentendidos que reciben risitas nerviosas del público.

Hamlet, la metamorfosis Sábado a las 17 Teatro Sha, Sarmiento 2255

PRINCIPES SURTIDOS

Coincidencia u oportunidad, lo cierto es que hasta hace poco la oferta porteña incluía también una versión para niños con aires tangueros ambientada en los años ‘30, y en septiembre sumará, como una de las atracciones principales del Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA), la inquietante puesta del alemán Thomas Ostermeier en la que seis actores vestidos de noche, sentados a una mesa como una especie de media última cena tendida a la vera de un cementerio o lodazal, interpretan a los 20 personajes de la obra. No sólo por economía sino por honrar a la locura: Hamlet, poco a poco, deja de reconocer a las personas de su entorno y se pregunta sin tregua dónde está la verdad de los discursos que escucha. Estrenada en Grecia en 2008, desde entonces no ha dejado de recorrer países y festivales. Los actores se proyectan en la pantalla, porque así de virtuales son los fantasmas, y porque cámara en mano graban gestos y movimientos íntimos vueltos ahora gigantes. Hamlet registra la lujuria de su madre y de su tío con la voracidad de un Gran Hermano. Todos sufren el embate de una lluvia realista y los efectos de sonido, iluminación y sorpresas escenográficas. La reina canta como Carla Bruni y muere por los chismes de la farándula (¡por fin alguien repara en la pobre Gertrudis, que en el resto de las versiones posa como un florero sólo por acostarse con el cuñado y porque Shakespeare le negó parlamentos citables!). Y Hamlet (Lars Eidinger)... Francamente, ese muchacho no está nada bien. Haciendo honor a la ley tácita que dice que quien haga de Hamlet puede ser sobreactuado, desbordado, afeminado, patético, engreído, pero nunca mediocre, el actor construye un esperpento que por momentos asquea.

“Tenía ganas de expresar mi cólera contra Hamlet porque no actúa. ¡Tenía ganas de violentarle un poco y de darle una buena patada en el culo!”, ha explicado el director cada vez que le han pedido explicaciones, y se las han pedido en cada país que estuvo. “Lo que también me interesa es el eterno problema de la locura: quería demostrar que la locura toma posesión de él y que él ya no puede esconderse más tiempo tras la máscara de loco que se ha puesto al principio de la obra.” En términos políticos, esta versión pone el foco no ya en la duda sobre si ejecutar la venganza sino en el poco tiempo que las decisiones políticas admiten cuanto más importantes son los asuntos. Es esta incapacidad de tomar una decisión lo que convierte a Hamlet en no apto para el poder y eso, para Ostermeier, no es necesariamente algo bueno. Nada queda aquí del personaje romántico que no se corrompe, las urgencias sociales no son tan simples para el alemán. Una cosa es sopesar los motivos y muy otra que muera gente en el transcurso de la reflexión: “Me parece que es un tema muy actual para nosotros, que sabemos mucho cómo analizar los problemas nacidos de la injusticia social, pero no conseguimos realmente actuar en su contra, política y globalmente”.

Hamlet x Hamlet Viernes y sábado a las 21.30 Belisario Club de Cultura, Av. Corrientes 1624

Las variaciones locales, que también tienen ese impulso de tomar partido por algo, incluyen un Hamlet representado por una mujer (Gabriela Toscano, en Hamlet o la metamorfosis), un Hamlet representado por un solo actor que ensaya día y noche en su monoambiente y se carga al elenco completo con los objetos que encuentra al paso (Marcelo Savignone en Hamlet x Hamlet), otro alejadísimo de Dinamarca y de Shakespeare (Hamlet. El señor de los cielos, dirigido por Rubén Pires), ambientado en Latinoamérica en los años ‘90, con un padre fantasma basado en Amado Carrillo Fuentes, el conocido narcotraficante mexicano que murió tras someterse a una extensa cirugía plástica para cambiar su rostro y un hijo educado en una escuela de cine en la Argentina, que hace documentales y es medio zonzo. Completa la lista el que dirige Juan Carlos Gené, que el espectador del comienzo calificaba de comercial, y que es, para sorpresa de algunos y decepción de los que querían seguir viendo algo de tele, el que más se ajusta a una versión tradicional “sin agregados”, asumiendo el riesgo de resultar bastante aburrida, didáctica y respetuosa del original. Claro que, a 400 años de distancia, originales son Laurence Olivier, Richard Burton, John Gielgud y también Alfredo Alcón en la traducción de Luis Gregorich, que es quien también presta su adaptación para el Hamlet de Amigorena. Ninguno de los citados llega a las tres o cuatro horas reglamentarias (Gené y Ostermeier sobrepasan las dos horas, el más breve es Hamlet x Hamlet con 60 minutos) y aun los más fieles se han arreglado para eludir los datos coyunturales y las desviaciones más engorrosas. “Seguro van a salir del teatro entendiendo exactamente de qué se trata la obra”, declaró Amigorena refiriéndose a la transparencia de un texto donde los personajes mantienen un trato hiperformal propio del imaginario palaciego, pero que consigue fuertes sobresaltos en la platea cada vez que se tratan de vos. En tren de respetar, Amigorena respeta incluso la visión que Jorge Luis Borges tiene de Hamlet cuando le reprocha la excentricidad de su famosa frase (“y el resto es silencio”) para justificarlo enseguida con su borgeana palmada en la espalda: “Pero está bien, no hay otro que pueda decir eso antes de morir. Después de todo, era un dandy y le encantaba lucirse”.

Se podría conjeturar que lo que marca la diferencia entre una puesta y otra es cómo responde cada una a preguntas inevitables: “Pero, ¿qué le pasa a este tipo? ¿Por qué hace lo que hace y no lo que tiene que hacer?”. Tan naturalizada la venganza y tanto prestigio otorga, que la actitud de Hamlet resulta siempre sospechosa. De hecho, “Hamlet” en política es un insulto.

Hamlet. El señor de los cielos Sábado a las 21 y domingo a las 20 Teatro La Mueca, Av. Córdoba 5300

Algunos responden con el complejo de Edipo, con un dilema moral, con el contexto histórico, con insania. ¿Qué le pasa al Hamlet de Amigorena? Nada de esto. Le pasa que es demasiado cool. Más cool que su madre Luisa Kuliok, que su rotundo padre Edward Nutkiewicz, que la blonda y alelada Ofelia de Esmeralda Mitre y que el original Polonio robado del comic y de las viejas películas argentinas que ha creado Horacio Peña. Le quedan increíblemente bien los trajes, el peinado estilizado y también los rollers con los que se desliza sobre el escenario cuando simula el pico de locura; hasta el vestido rosa viejo le queda cool. Amigorena no sufre, no se emociona, sino que se sabe la esgrima y la letra perfectamente, lo que le permite decir los famosos monólogos como quien entrega su cuerpo a un mantra.

¿SER HOMBRE O SER MUJER? ESA NO ES LA CUESTION

En el polo opuesto de lo cool, el Hamlet de Gabriela Toscano, dirigido por Carlos Rivas, irrumpe desde el fondo de un sillón desvencijado. Sabíamos que aparecería de un momento a otro, de hecho, anunciando la disrupción que preceden dos actrices en roles masculinos. Primero un relator (Catherine Biquard), cabeza de una compañía trashumante que viene a representar la obra que estamos viendo mientras triplica la apuesta del teatro dentro del teatro del mismo Shakespeare. Al rato aparece Horacio, una jovencita alta con sobretodo y el pelo tímidamente recogido en dos trenzas, algo encorvada y un sutil trabajo con la voz (Mercedes Spangenberg).

Pero hasta que no aparezca Hamlet esta apuesta le debe más al colegio secundario que se quedó sin varones que a la ambigüedad que comandará la trama. Hamlet aparece y todo cobra sentido. Gabriela Toscano no espera a que nos convenzamos de que una mujer puede hacer de varón: ella ya es Hamlet desde el fondo de ese sillón. Al poco tiempo a nadie le importa el sexo de la actriz, que por otra parte no se ha esforzado en travestirse: calzas que le ajustan las caderas, una camisola negra lo suficiente ajustada como para que no se nos escamotee un Hamlet con tetas y el pelo largo, atado. “De haberme puesto un bigote, por ejemplo, ahí sí me habría costado más hacerlo”, explica Toscano, quien por más que se le repregunte no encuentra mucha ciencia en su metamorfosis. “Saco la parte masculina que tengo y uso la femenina que tiene Hamlet; cuando me toca besar a Ofelia, cuando la miro, la miro como un hombre. Me siento mal cuando tengo que agarrarme a trompadas con Laertes, que es tanto más alto y más fuerte.” Es cierto, se nota; pero pasa. Descubrimos aquí que Hamlet, además de lo dicho, ya no responde a un género definido. Atravesado por la pasión hasta llegar al ataque de epilepsia, más triste que un hijo por la muerte de su padre, ¡oh paradoja!, el personaje que pronuncia una de las frases más misóginas de Shakespeare (“Fragilidad: tu nombre es mujer”), ahora debe hacerlo desde un cuerpo femenino. La propuesta de la metamorfosis, no en sentido kafkiano, es la más psicológica de todas las que ofrece la cartelera. Enamorado de su padre, enamorado de su madre y enamorado de Horacio o de lo que Ofelia tiene de Horacio, Hamlet es la carne del dolor. Incapaz de sentir otra cosa. ¿Para qué? Mientras en la versión de Ostermeier la misma actriz hace de Gertrudis y de Ofelia, ya que Hamlet castiga a la segunda por lo que hizo la primera, aquí Ofelia y Horacio tienen una sola actriz. Un cambio mínimo de vestuario y una sutileza en la actitud logran que no nos resistamos. Las escenas de Ofelia con su padre cuando la baña, la peina, la seca, la besa, mientras le enseña cómo negarse a Hamlet, marcan la intensidad sexual de este enfoque. Y la estremecedora despedida de Horacio que quiere suprimirse cuando su amigo se muere mientras se le cuelan bajo el sobretodo las faldas de Ofelia, confirma que la podredumbre que se huele en esta Dinamarca no sólo es política sino amor reprimido.

LOS ESPEJOS DEFORMANTES

Si la prueba de fuego y de fama es hacer Hamlet, Marcelo Savignone retoma esa condena y la devuelve en forma de parodia y ejercicio de destreza en Hamlet x Hamlet. “Si nadie me convoca”, parece gritar desde su decorado (el monoambiente de un perdedor) al teatro de enfrente en la calle Corrientes (donde brilla la elocuente puesta de Gené con alfombra roja y féretro multifunción), “pues lo haré solo”. Y la verdad es que lo hace. Un actor poseído por la obra, que sólo lee Hamlet, sólo habla con su libreto y sólo se relaciona por teléfono con su amigo Horacio y con su novia Ofelia, consigue transmitir una versión básica, sorprendente y entretenida. Sin más calavera que un bollo de papel, ni más Ofelia que una máscara, y sin ninguna otra compañía que videos de películas, banda musical y una ingeniosa iluminación, Savignone se las arregla muy bien para burlarse de muchos clichés, incluido el de “ser o no ser”. Poco espacio para la burla y la risa deja en cambio Hamlet. El señor de los cielos. Con la carcasa de Shakespeare se monta una denuncia nada solapada ni estetizada sino enojadísima. De hecho el protagonista, antes de comenzar, pide unos minutos para recordarnos, como en una asamblea universitaria, los estragos del neoliberalismo en la región. Como el bardo eligió Dinamarca para no herir susceptibilidades, Pires elige México. A partir de eso, nada es silencio sino denuncia. Los personajes malos son más malos que los de Shakespeare (¡el más malo se llama Mauricio!) y las víctimas, como Ofelia, no estudian abogacía, como les mandan, sino circo y malabares.

A la salida de uno de estos teatros, alguien comenta que el año pasado fue a Londres y pudo ver la versión de Jude Law: tres horas de tortura intentando entender algo del inglés, “cuando de pronto escucho que está diciendo: “To be or not to be. That is the question”. Y ya no pude contener las lágrimas. Para mí fue la mejor puesta que vi en mi vida”. ¿Será que hay un Hamlet esperando para cada uno? ¿Por eso no hay competencia y hoy pueden convivir tantos en la misma ciudad? Siempre se dice, cuando se pretende hacer una buena crítica de Hamlet, que el actor consiguió retratarlo, que transmite la esencia del personaje. “¿Y qué si fuera cierto?”, se pregunta y nos responde C.S. Lewis. “Yo caminaría días enteros para conocer a Beatriz o a Falstaff. Y no cruzaría la calle para encontrarme con Hamlet. No sería necesario. El está siempre donde yo estoy.”

Liliana Viola

CUANDO SE ENCIENDE LA LUZ

2011-09-04T19:19:00.001-03:00

La espiralización del suceso impone una aclaración básica, que sería redundante en un contexto menos excitado y brutal. Los exclusivos culpables del homicidio calificado de la menor Candela Rodríguez son los criminales que la secuestraron y mataron. Un asesinato atroz, que alude a los niveles más bajos de la naturaleza humana.

Otra, muy otra, es la responsabilidad de quienes investigaron mal el caso. Otra, una tercera, la de aquellos que entorpecieron la pesquisa con intromisiones indebidas, los que comunicaron sin recato ni apego a mínimas reglas del arte, con sensacionalismo procaz y (aun) violando normas y reglas.

Debe distinguirse a los asesinos de aquellos cuya conducta podría (se subraya el condicional) haber ser sido detonante de la comisión de los crímenes, en la perversa mentalidad de sus autores. Nada excusa un asesinato, nada equipara a alguien que no formó parte del plan criminal con sus integrantes, nada iguala las responsabilidades sociales, mediáticas o estatales con las culpas penales. Dicho esto, vamos al núcleo de esta nota.

* * *

Los familiares de las víctimas de un delito merecen variadas formas de amparo y tutela. Entre las más importantes: ser protegidos y contenidos por las autoridades policiales y políticas, tener acceso como emisores a los medios de difusión, ser arropados (por ponerlo de algún modo) por la sociedad civil.

Esa centralidad, que en nuestro país tiene antecedentes e historia encomiable, no debe transformar a tales víctimas (los amigos y familiares lo son) en sustitutos de las agencias o instituciones estatales. No les compete asumir labores propias de jueces, fiscales o policías. Excede sus competencias y capacidades organizar la pesquisa y la comunicación masiva, componente ineludible de la misma. Tampoco es adecuado tomarlos como referencia acerca de propuestas de reforma penal o judicial. Menos que menos, en medio de la conmoción emocional lógica en tales circunstancias. Ni es misión de periodistas, canales de tevé o radios, comunicadores o entidades privadas, por loables que fueran sus fines y trayectoria.

En el caso que nos ocupa, en un estadio ya reemplazado, la madre de Candela, los medios y alguna ONG desempeñaron ese rol. No es la primera vez ni es un fenómeno exclusivamente local. La mala praxis compartida no dispensa el error o las demasías.

Ya pasó con Juan Carlos Blumberg o con la infortunada madre que fabuló un asalto seguido de muerte en Saladillo. Durante días, un conjunto de improvisados –encabezado en esta tragedia por la mamá, Carola Labrador– condujo una tarea delicada, sin oficio ni saberes ni incumbencias.

Es abusivo reclamar autocontrol a las víctimas, acuciadas por el dolor, la angustia y la necesidad. A los que son profesionales, cobran por su desempeño y ejercen la constitucional y sagrada libertad de prensa, cabe exigirles mayor apego a la responsabilidad y, aún, a las leyes vigentes.

* * *

Con una autoridad sustentada en su dilatada trayectoria, el ex juez federal y ex ministro de Seguridad León Carlos Arslanian desmenuzó la cantidad de reglas de oro de procedimiento que se omitieron en los días de la búsqueda. Los delincuentes miran y escuchan, es un hecho reconocido. El cronista recuerda una película en la que John Travolta, encarnando a un secuestrador torpe y de escaso caletre, se entretenía viéndose por televisión mientras convivía con sus rehenes.

Anunciar con antelación todas las acciones (bastante a menudo mandando fruta o carne podrida), transmitir los allanamientos mientras se realizaban, divulgar una llamada telefónica sujeta a estudio y averiguación son apenas los ejemplos más chocantes de una cadena de datos que se compartió desaprensivamente (en bandeja y en tiempo real) con los secuestradores. Hay momentos, conforme a los protocolos, en que deben enviárseles mensajes. Es de manual que debe estar a su cargo un profesional que maneje una estrategia y no un sinnúmero anárquico de periodistas, en procura de una primicia o una ventaja en el rating. Un colectivo improbable en el que la competencia interna azuza las peores tendencias.

Si en el fragor del minuto a minuto los medios audiovisuales usurpan espacios que no les conciernen, hay una falla primaria de las autoridades que resignaron ese espacio, total o parcialmente. Y que, verosímilmente, filtraron el todo o parte de la data que se divulgó. Pero el editor de un programa de tevé o de radio no es un ser inerte, un robot que encauza un flujo incontenible de información. Es un emisor responsable que tiene deberes éticos y sociales, con capacidad de discernir y resolver qué saca al aire y qué preserva.

* * *

Más subleva que sorprende la ausencia de autocrítica o introspección de los medios intervinientes y sus comunicadores. La tele, en especial, no es dada a esos interrogantes. La incongruencia es chocante siempre, en algunos puntos frisa lo deslumbrante. Desde hace añares se critica la falta de cuidado policial con la escena del crimen, la mala preservación de las pruebas, la dificultad en conservar intactos lugares o elementos que deben ser objeto de pericias o análisis. El reproche es justificado, pero es forzoso hablar (hacerse cargo) de la concurrencia de conductas. Cuando las cámaras y los micrófonos profanan espacios que deben quedar intocados contribuyen al desquicio que, sin solución de continuidad, habrán de fustigar. Más aún, su intervención es determinante: sin bulimia informativa, el desquicio no se completaría.

* * *

Todos los derechos amparados por la Constitución, hasta los más amplios, como la libertad de expresión, están sujetos a las leyes que reglamentan su ejercicio. En lo referente a menores hay reglas que limitan su exposición, el uso de imágenes, hasta la difusión de sus nombres. Un desempeño sensato y sistémico debería ir más allá de esas premisas básicas e inderogables: cuidar a los chicos, hacerse cargo de su intimidad, de su vulnerable sensibilidad, de sus temores. La conducta promedio corre en sentido contrario: se desacatan los imperativos legales (en este crimen, como en tantos otros), se bartolean teorías sobre su existencia, se sanatea con liviandad, como cuando se habla sobre rumores de la farándula.

El cronista vio bastante material televisivo, algo escuchó en la radio. En un sistema de medios tan diverso es imposible captar todo, la muestra que presenció sobra para comprobar falta de apego a la ley y de respeto a los derechos de los menores. Vayan dos ejemplos, el más tremendo merecerá el siguiente apartado.

Proliferaron reportajes a compañeras de colegio de Candela, preadolescentes pues. Se les inquirió acerca de la relación con su padre, que está preso. Su afecto, la intensidad del trato, si hablaba de él. Redunda explicar que las entrevistas buscaban puntos oscuros que las entrevistadas no capacitan para iluminar. Pero que sí entienden e internalizan, con la consiguiente conmoción. Esas notas son cuestionables, el cronista cree que algunas coquetearon con lo ilegal. Y, si se admiten conceptos que parecen no estar de moda ni en el centro de la polémica, fueron desconsideradas y agresivas.

* * *

Este cronista es poco afecto a consignar nombres propios en cuestionamientos generales como éste, alusivos a patrones de conducta corporativos y profesionales, no a individualidades. No prescribe esa conducta para colegas, no cree que sea imperativa ni mucho menos. Se aviene a su forma de razonar y a prevenir que un análisis general desbarre hacia la personalización excesiva. Ese criterio debe ser dejado de lado para ciertos ejemplos límite, como fueron las palabras de Samuel Gelblung en su programa de Radio Mitre. Con su tono langa y confianzudo, Chiche Gelblung se internó en un territorio delicado, exótico a su idiosincrasia, y pronunció conceptos imperdonables. Basado en su pura intuición, anticipó (cuando Candela seguía viva) que, a su ver, “la levantaron” para violarla. La expresión culpabiliza de modo oblicuo y ruin a la víctima. Añadió detalles sórdidos acerca del momento en que pudo ocurrir el secuestro, “una tarde de feriado, con frío y sol”.

Hay límites que nadie debe transgredir, menos que nadie quien cobra por informar o comunicar. Un micrófono abierto al público no es una mesa de café ni un vestuario.

La mala fe prevaleciente cuando se polemiza hoy día fuerza a especificaciones obvias. La mención no reclama censura ni restricciones a la radio o al periodista. Ni sanciones, salvo las que pudieran peticionar ante los tribunales asesores de menores u organismos especializados en su defensa.

Se expresa, sí, el repudio. Y, con delicadeza, se convoca a que periodistas, dirigentes políticos de cualquier color, entidades gremiales de la comunicación, intelectuales y académicos levanten su voz por una vez, pidiendo que la barbarie se corte en algún punto.

* * *

Una paradoja recurrente: los medios reclaman “justicia”, incitan a “la gente” a hacer lo propio. Al unísono, sustituyen la delicada labor de los Tribunales: imponen tiempos y criterios propios, condenan sin defensa y en tiempo record. En paralelo, no se someten a las regulaciones legales que les conciernen. Es un problema mundial, no una invención autóctona.

Un ejemplo canónico viene, tal vez, a cuento para demostrar la feroz autonomía de medios autoerigidos en representantes de “la gente”.

Fue el asesinato del chico inglés James Patrick Bulger, que fue secuestrado y asesinado por dos menores de diez años en 1993. El hecho conmocionó a la sociedad, se juzgó a los autores como si fueran adultos. Se los condenó a prisión hasta que llegaran a la mayoría de edad. Los severísimos jueces establecieron una salvaguarda: no dar a conocer sus nombres para posibilitarles buscar una nueva vida, tras purgar su pena. Algunos medios desacataron la orden, se invistieron en defensores del derecho de los ciudadanos a conocer los datos para estar prevenidos. Divulgaron nombres, apellidos, imágenes, trastrocando de modo irrevocable el camino de la readaptación.

Los medios imponen su propia ley, arrogándose una legitimidad superior. Hay un aire de familia con cuestiones domésticas que nos son más cercanas.

* * *

Carola Labrador era una referente social, interpelada siempre por su nombre de pila, ensalzada, retratada todo el tiempo. En el fragor del minuto a minuto, la crónica derivó de la apología a algo cercano a la culpabilización. La madre de Candela hablaba de modo llamativo dirigiéndose a los secuestradores (lo que estuvo patente desde el vamos, pero se computó después de aparecer el cuerpo), estuvo en pareja y está casada con hombres encarcelados. Ahora el sentido común televisivo la pone bajo sospecha, acumula datos irrelevantes, recorre atajos. Apurarse a condenar, he ahí un mandato cuando se enciende la luz roja. El filicidio es un crimen tremebundo, una traición a los principios humanos más sagrados. El mundo está lleno de personas poco recomendables, antipáticas o de delincuentes que no caen tan bajo. A falta de condena penal, todos son inocentes.

* * *

Suena casi imposible que se llegue a saber si el desenlace fue consecuencia total o parcial de la indebida interferencia de los medios, a los que se agregaron artistas reconocidos que actuaron movidos por las mejores intenciones. Hasta en el imaginario supuesto de confesión de un asesino en tal sentido lo suyo sería una versión. Pero es cabal que se obró sin tino ni responsabilidad. Se intervino en la investigación, se desempeñó un rol activo.

Cuando se discute el poder de las empresas mediáticas éstas escamotean su peso económico, su condición de gran jugador en ese terreno. Cuando se coloca bajo la lupa el desempeño de medios o periodistas, éstos se autorretratan como simples intermediarios que irrumpen, organizan, movilizan, inciden en el resultado. No hay tal, son coactores, lo que desnuda como falaz y maniquea la remanida metáfora del “mensajero” al que (hiperbólicamente) alguien quiere “matar”.

La lógica de las presencias reconocidas y de la agitación a los vecinos puede ser funcional para la búsqueda de paradero, no es para cualquier tipo de delito. Se repitieron fallas recurrentes, se impone la autocrítica. No hay reparación posible en el suceso actual, sí hay un futuro para manejarse mejor.

El cronista no tiene una solución a mano para los problemas que describió, a vuelo de pájaro. Apenas propone a los concernidos un poco de reflexión, acaso algunos ámbitos colegiados para discutir, acaso explorar la hipótesis de reglas muy primarias, consensuadas, humanistas. Parecería poco, en el contexto sería un avance inesperado.

Mario Wainfeld

LOS FAMOSOS EN SU LABERINTO

2011-09-02T11:30:00.001-03:00

Leemos, con atención y preocupados, la profusión de opiniones mediáticas que no aportan nada al esclarecimiento de la tragedia de Candela, la niña de 11 años asesinada.

¿No sería mejor hacer algo productivo, como no hablar al pedo, o presentar un proyecto de ley, o utilizar la fama para pedirle a los medios hegemónicos que no atosiguen a los familiares de las víctimas de secuestros extorsivos?

Dice Clarín...

Cuando se supo que Candela había sido asesinada, los actores que se habían involucrado en su búsqueda salieron a pedir “respuestas coherentes” al Estado y decidieron no opinar “en caliente”.

Ayer, sin embargo, Ricardo Darín fue tajante: “Empieza a dar asco la utilización política que se hace de esto. Hay gente que está muy mal de la cabeza, que cree que porque estás intentando aclarar la desaparición de una nena de 11 años estás haciendo partidismo”, expresó el actor a Radio Mitre.

Darín aclaró que él y otros colegas le “pusieron la cara a la voz de tantas personas que no tienen la posibilidad de tener un micrófono adelante” y que “cualquier otra especulación es descabellada”. Luego remató: “Somos una sociedad que tiene problemas. Si nos quedamos en el chiquitaje de si esto es de derecha o de izquierda o si estamos sacando rédito para las elecciones de octubre, estamos en el fondo del mar. No tenemos salida”.

Nuestro respeto por la libertad de decir lo que quiera, tanto Ricardo como los otros, pero, ¿No hubiera sido mejor que no se involucrara en tan difícil investigación, tan embarrada y contaminada por el periodismo amarillo, tan confusa y triste secuencia de asesinato y secretos inconfesables?

¿Por qué no dejar a la Justicia que siga su curso de investigación?

¿Se enteraron los famosos que apareció sandra Mamani, de 14 años, en Mendoza?

¿Cuál fue el aporte de Darín, y el de Facundo Arana, el de Guillermo Francella y el de Juan Carr?

¿Piensan que miles de noteros en la casa de Candela asustarían a los secuestradores? ¿Vamos a armar otra movida a lo Blumberg?

¿Qué quieren, mano dura, más cárceles, policías en la puerta de cada casa?

Según el censo 2010 hay en Argentina 13.835.751 viviendas, ¿Quieren 13 millones de policías en la calle?

Un poco de seriedad, muchachos...

SIEMPRE BRECHT

2011-08-27T15:27:00.002-03:00

“Les vamos a contar la historia de un viaje. Lo emprenden un explotador y dos explotados. Observen con atención el comportamiento de esa gente: encuéntrenlo extraño, aunque no desconocido. Inexplicable, aunque corriente. Incomprensible, aunque sea la regla. Hasta el acto más nimio, aparentemente sencillo. ¡obsérvenlo con desconfianza! Investiguen si es necesario, ¡especialmente lo habitual! Se los pedimos expresamente, ¡no encuentren natural lo que se produce siempre! Pues en tiempos de desorden sangriento, de confusión organizada y arbitrariedad consciente, de humanidad deshumanizada, nada debe parecer natural, nada debe parecer imposible de cambiar”.

Así llama Bertolt Brecht a las personas que se alistan a dar lectura, o a presenciar ya en puesta en escena, su obra “La Excepción y la Regla”, considerada la pieza más acabada. Entre nerviosas risas y reflexiones amargas, los saltillenses tuvimos la oportunidad de apreciar este texto, representado por el grupo Teatro Sin Paredes. Propuesta realizada en técnica clown, el público pudo divertirse con la exacerbación de movimientos y gestos faciales, pero ni todas las provocaciones posibles de risa pudieron evitar que el espectador se conmocionara con la historia.

Escrita en 1930, antes de huir de la Alemania nazi, la pieza habla de los riesgos del capitalismo, entre los cuales está convertir al hombre en un ser egoísta amante de las posesiones y de los nombres. El tema es vigente, muchos autores siguen escribiendo la ambición al dinero y al poder, y en esta propuesta fue la risa el conducto por el cual los espectadores deben detenerse unos momentos y reflexionar respecto al futuro que le espera a este planeta lleno de abusos hacia ciertos sectores. La historia cuenta cómo un empresario ambicioso termina matando al culi, un cargador, por desconfianza, cuando en realidad éste lo único que quería era compartirle las últimas gotas de agua en el desierto. El empresario cree que su empleado lo matará porque ya le ha infringido muchos abusos, y por el sólo hecho de que esta es la regla, es absuelto por la justicia. No comprenden que pueda provenir un gesto de amabilidad de alguien a quien se ha sometido mucho, no es la regla.

Este texto es un llamado a quitarnos la venda de los ojos ante las injusticias y ante los abusos, nos sacude de la indiferencia y nos provoca a buscar soluciones, por más pequeñas que sean, a esos momentos absurdos de egoísmo que cada vez parecen presentarse de manera exponencial, construyendo un dique a la deshumanización. El llamado de Bertolt Brecht, hace más de 81 años, es el mismo de hoy. Atendámoslo.

“Desconfíen del gesto más trivial y en apariencia sencillo. Y sobre todo examinen lo habitual. No acepten sin discusión las costumbres heredadas. Ante los hechos cotidianos, no digan: “Es natural”. En una época de confusión organizada, de desorden decretado, de arbitrariedad planificada y de humanidad deshumanizada...nunca digan “Es natural”. Para que todo pueda ser cambiado...reconozcan la regla como abuso. Y donde aparezca el abuso, pónganle remedio”.

vanguardia.com.mx

EL CANDIDATO

2011-07-28T22:58:00.001-03:00

“Teatro Abierto salió de las catacumbas”

2011-07-23T10:58:00.001-03:00

Una es francesa de París. La otra, estadounidense de Boston. Apenas pasan los 20 años. Ambas vinieron a verme, por separado, en días de la semana pasada. ¿El motivo? Recabar información sobre Teatro Abierto. Ambas investigan un hecho ocurrido en Buenos Aires hace 30 años. Ambas lo eligieron como parte de sus estudios universitarios.

Es un síntoma de lo que significó Teatro Abierto y de la curiosidad que aun hoy despierta como fenómeno de resistencia cultural a una dictadura.

Personalmente, esta repercusión no me llama la atención. En los últimos años he recibido periódicamente a periodistas e investigadores, generalmente jóvenes, argentinos y extranjeros que estudian Teatro Abierto, las circunstancias políticas que le dieron origen y su significado.

Confieso que me conmueve este interés, especialmente cuando nace de jóvenes que no habían nacido en 1981 y, más aun, que nacerían en tierras extrañas.

Todos quieren saber cómo se gestó Teatro Abierto en plena dictadura. Suelo contarles que nació por una iniciativa de varios autores, hartos de prohibiciones y ninguneos. Salimos a decir: el autor argentino existe. Naturalmente, no sabíamos que estábamos encendiendo una antorcha. Fueron convocados 21 autores y todos dijeron que sí. Luego llegaron los directores y los actores. Finalmente, el público que, desde los ensayos generales desbordó la sala, el Teatro del Picadero, con una capacidad de 300 butacas.

Rápidamente entendimos que lo que habíamos lanzado no era solamente un hecho teatral. Estábamos frente a un fenómeno político. La reacción de los primeros espectadores no era la habitual. Cada función terminaba con una respuesta que nos sorprendía. Recibíamos verdaderas ovaciones que superaban el estímulo meramente teatral. Estaban saludando la protesta.

La dictadura hizo la misma lectura. Cumplida la primera semana, un atentado destruyó parcialmente la sala.

Y ahí nació el verdadero Teatro Abierto, el que hoy –30 años después– despierta la curiosidad de investigadores propios y ajenos.

El atentado no nos atemorizó. Todo lo contrario: nos dio más fuerza. Tampoco se atemorizaron los espectadores que, de colmar una sala de 300 localidades, desbordaron una de 600, el teatro Tabarís, en plena calle Corrientes. La fila que se formaba desde horas del mediodía, que nacía en la puerta de la sala y doblaba por la calle Suipacha, le dio una visibilidad insospechada. Teatro Abierto salió de las catacumbas.

Y no sólo eso. Teatro Abierto invadió la comunidad cultural. Se creó Danza Abierta, Poesía Abierta. La solidaridad de los artistas, especialmente, de los pintores, fue notable. Recibimos más de 100 obras para poder recuperar las pérdidas económicas que había producido el atentado.
Treinta años después Teatro Abierto está presente. No sólo en la memoria y en el corazón de quienes fuimos sus protagonistas, cosa natural. Sino en la memoria colectiva, en las nuevas generaciones que no lo vivieron pero lo perciben como un ejemplo de resistencia cultural.

Teatro Abierto no fue un brote espontáneo. Fue una continuidad de las luchas del teatro independiente que, desde 1930, inició su pelea contra el oscurantismo fascista. Y Teatro Abierto se prolonga hoy en fenómenos como Teatro por la Identidad y en los centenares de espacios donde miles de jóvenes, en los afortunados tiempos de la democracia, también ejercen su derecho a expresarse en libertad.

Roberto “Tito” Cossa
Dramaturgo
Presidente de Argentores

3 RAZONES

2011-07-18T13:58:00.001-03:00

MIS TRES RAZONES PERSONALES PARA VOTAR A FILMUS EL 31

1.- Hace unos pocos días murió un bebé en un incendio. Era un edificio del Gobierno de la Ciudad donde vivían hacinadas personas que esperan desde hace años viviendas prometidas que nunca se realizaron. Problemas con la instalación eléctrica, matafuegos vencidos, una estufa y el frío, en fin, nada que las escuelas y hospitales porteños y el Borda no conozcan. “Problemas de gestión”, que le dicen. El bebé se llamaba Benjamín.

No salió en Clarín ni en TN ni en La Nación. O sea que gran parte de los porteños no se enteró. Benjamín no votaba. El 31 yo voy a votar por él. Cuando ponga mi voto en la urna juro que me voy a acordar de él, de su pequeña, olvidada muerte.

2.- Hace unos días también se cerró definitivamente el servicio de Zooterapia para niños y adolescentes discapacitados que dependía del Gobierno de la Ciudad. Se usaban animales, en particular perros, para la rehabilitación, con resultados en algunos casos sorprendentes. Eran 320, los pequeños no votantes. Uno de ellos ya murió por razones vinculadas al cierre. Y bueno, qué importa. Importa mucho más engordar los suculentos dineros para la publicidad amarilla que todo lo tapa. Aunque esta noticia también la taparon Clarín, TN y La Nación. El 31 yo voy a votar por estos 320 olvidados. Juro que van a estar dentro del sobre que coloque en la urna.

3.- Hace unos días un importante funcionario del Gobierno de la Ciudad confirmó que ese Gobierno decidió reducir el presupuesto del Hospital Garraham. Es que no todos los niños que se atienden en el Hospital pertenecen a la Ilustrísima Ciudad. ¿Pero cómo? ¿La Ilustrísima Ciudad no está orgullosa de brindar un servicio de excelencia a los niños de todo el país? ¿Acaso la Ilustrísima cree que no le debe nada al país del que forma parte y del que saca toda su riqueza y bienestar? Esta decisión no resonó en Clarín, TN y La Nación.

¿Se enteraron acaso los vecinos? ¿Están de acuerdo? No lo creo. En varias oportunidades visité a un pacientito del Garraham – en este caso sí un pequeño ciudadano de la Ciudad – y, con el alma en vilo, fui testigo de tanto dolor y esperanza. No se me ocurrió pensar de qué geografía venían esos niños lacerados. Por eso el 31, aunque no voten, van a estar conmigo cuando deposite mi voto. Sí, juro que van a estar conmigo los miles de niños del Garraham, todos. No sé si ganaremos. Pero vamos a estar.

RICARDO MONTI

Dramaturgo, director de teatro y guionista de cine argentino.

Algunos de sus textos:
"Historia tendenciosa de la clase media argentina, de los extraños sucesos en que se vieron envueltos algunos hombres públicos, su completa dilucidación y otras escandalosas revelaciones", "Visita", "Marathon", "Una pasión sudamericana", "La oscuridad de la razón", "Rayuela" (versión teatral).

ARTISTAS POR LA CIUDAD

2011-07-14T16:25:00.000-03:00

Frente a las elecciones de segunda vuelta que se avecinan, -el domingo el 31 de julio- es importante que reveamos nuestra actitud y nuestro compromiso hacia la ciudad. Aquí, un video publicitario de campaña en el que una gran cantidad de reconocidos artistas apoyan a Filmus-Tomada, bajo dos slogans fundamentales: "Yo creo en Filmus" y "Porque estoy con Cristina, estoy con Filmus"...

HORACIO FONTOVA

2011-06-27T22:44:00.000-03:00

“Al humor nunca se lo toma como algo serio”

Es dibujante, diseñador e incluso escritor. Pero él prefiere definirse como “músico”. El Negro habla del humor como cosa prohibida de la historia, de su exaltación de lo femenino y de su nuevo –y para él inesperado– despertar de la conciencia política.

Dice que diarios casi no lee, salvo algunas pocas páginas en la red. Dice que para informarse le alcanza con el televisor clavado en Telesur, la cadena de noticias latinoamericana en cuyo elenco brilla su favorito: el periodista Walter Martínez, el Tuerto: “Maravilloso, es un maestro total. Lo suyo no son informes sino lecciones: de historia, geografía, topografía...”, se entusiasma. Con la mayoría de las fuentes de noticias de la Argentina está peleado: “Se viene publicando tanta falsa información, que hasta a veces confío más en la BBC”. Cuando se le hace notar que Beatriz Sarlo también alabó la señal inglesa durante su visita a 6-7-8, se sorprende (no se acordaba) y larga la carcajada: “¡Bórrenme eso, entonces!”.

Horacio “Negro” Fontova tiene 64 años y durante los últimos cuarenta se ha hecho llamar, en fila, General Fontova (por la primera acepción de este término en el Diccionario de la Real Academia Española: general: común a todas las cosas); Reverendo Fontova (1985: “Creo que ahora tengo más competencia entre reverendos que entre generales”); y otra vez General para su postulación mediática en el estadio Obras Sanitarias con miras a un Fontova Presidente (1988), época durante la cual, sin embargo, conservó a sus ínclitos asesores eclesiásticos: el Cardenal Caloide y el Capellán Cartier.

Ahora es otro tipo. “Ahora soy El Nigger, y así firmo mis correos electrónicos. Me gusta esa palabra norteamericana despectiva, que para mí es revitalizadora. Acá no tiene el mismo valor: acá están ‘los negros de mierda...’ (sonríe). Hay un blog espectacular de un colectivo político cultural que se llama así: Negros de Mierda (http://lapopulartambien.blogspot.com/), a quienes les mando mis saludos”.

–En lo “General”, usted terminó siendo común a casi todo: es músico, compositor, cantante, actor de cine, de televisión y de teatro, diseñador gráfico, ilustrador, dibujante y ahora también escritor (en 2005 se editó Témpera Mental, un libro de cuentos, y trabaja en el siguiente: Humano 0 Humano)... Nadie sabría por dónde comenzar. ¿Por dónde comenzaría usted?

–Yo soy músico, ahí arranco; ésa es mi raíz. Cuando terminé el Pellegrini –algunos ex compañeros amigos ahora son neurólogos o economistas (sonríe) y vienen a visitar al “negrito quilombero”– y después de hacer la colimba, entré en la Escuela Belgrano de Bellas Artes; por eso llegué a director de arte de El Expreso Imaginario. Pero antes ya había sido guitarrista de Patada de Mosca y luego vinieron Expreso Zambomba y Edy y La Foca, y mi café concert con parrilla: El Goce Pagano (en Córdoba y Fitz Roy, que ya no existe) y lo que ya todos saben después. Yo soy músico.

Lo que “todos saben después” podría empezar a contarse ahora y terminaría de contarse en Navidad. Fontova fue personaje señero del rock y la música popular subterráneos de fines de la dictadura e icono sarcástico del resto de los ’80, pero su talento partió en mil diagonales creativas. En 2004, por ejemplo, se largó a hacer zarzuela en el teatro Avenida (La corte de faraón, en su momento prohibida por Franco en España: “Es que José, el personaje bíblico, tenía una garompa que todas las egipcias se lo querían comer crudo... Claudio Gallardou supo que me crié con el canto lírico y me llamó: ‘¡Esto lo tenés que hacer vos!’, me dijo. Y hacer una zarzuela o una ópera no es joda, porque tenés que cantar a viva voce, con una sinfónica y sin micrófono...”).

Y Fontova hizo de José. También reemplazó a Daniel Rabinovich en la gira española de Les Luthiers (Grandes hitos). Hizo un programa de radio junto a Pedro Saborido y Coco Sily en La Red: Código de barras, por el que ganó su segundo Martín Fierro (el primero lo había obtenido por su trabajo televisivo con Jorge Guinzburg).

Con casi una decena de discos editados y otros tantos trabajos en pantalla chica (que suman casi una veintena con su labor actual o en progreso en cine) y décadas de historia musical, hace un par de años dedicó cinco meses al tranquilo escenario de Clásica y Moderna, en la Ciudad de Buenos Aires. (“Me mandé al toro yo solo, con la violita. Y fue otra cosa. Ahí no hubo estilo que valiera: fue todo. Canciones italianas, canciones antiguas españolas, folklore, rocanrol, blues, jazz; lo que se me cantara”) Algunas de todas estas cosas (incluso los textos inéditos de su nuevo libro) están en su blog COMANDO AMELIA (“por Amelia Vence”).

No le importa que se puedan copiar o bajar. “No tengo ninguna compañía, soy independiente”, dice. Lo más reciente fue 2004: Negro, y lo demás que hace ahora “son gustos, que no tienen continuidad, como actuar” (“No podría ahora hacer una obra de teatro, que me demandaría los mismos días que tocar”). 2004: Negro tuvo como invitados a, entre otros, León Gieco, Skay Beilinson, Lito Vitale, Peteco Carabajal, Liliana Herrero, Martín González, Esteban Morgado, Daniel Melingo, Liliana Vitale, Daniel Maza, Gerardo Gardelín, Martin Bianchedi, Juan Belvis, Hugo Newman y Lalo Mir. “Y después lo presentamos en el teatro Alvear, a cinco pesos la entrada... (carcajada). ¡Eso sí que es lindo, tomá!” Lo que sigue será Extracto de Fontova, espectáculo con pronta fecha de estreno.

–En su caso, nunca hubo resistencia ni compromiso sin humor. ¿Por qué?

–Porque mi vida es así. Se ve que hay una composición genética que me obliga a buscarle a todo la vuelta del humor: el humor es vasodilatador. Como me dijo una vez un gaucho: “¡Negro, si no te reís, morís!”. Obviamente que no soy un tarado que se ríe de todo, porque hay cosas que me ponen muy triste y me agarran unas depresiones de la hostia. Pero fíjese que el humor es algo tan prohibido en la historia de la humanidad que cualquiera puede encontrar historia de lo que se le dé la gana: de las polleras, de las peinetas, de boludeces; pero no existe la historia del humor, y estoy seguro de que también los caldeos deben de haberse cagado de risa. Pero no existe una historia del humor, y cuando hace un par de años hice una serie de Café Cultura, dirigida por Pepe Nun –unas charlas llamadas “El sistema y el humor”– hablábamos de que, curiosamente, al humor no se lo toma como algo “serio”, valga la paradoja. Pero es muy serio el humor.

–También está el club de “los ofendidos por el humor”.

–Y, sí, a mucha gente el humor la ofende. Pero no la tengo en cuenta: no pueden ser mis amigos. Heredé el humor de mi madre, quien fue el personaje más loco que conocí en mi vida: María. Cuando yo tenía 10 años, mi viejo, que era un salteño duro, un bajo lírico que hablaba todo así (pega el mentón al cuello) me quería llevar al dentista... y no había forma. Terminó llevándome mamá, pero en la esquina le dije: “No, no voy a entrar”. Y mi vieja replicó: “Ah, ¿no vas a entrar?” Y en plena tarde, en Barrio Norte, se levantó la pollera en la vereda, se agarró la cholga, y gritó a la gente: “¡¡Señor, mireeee...!!”. Y yo: “¡Mamá, qué hacés! ¡¡Entremos ya!!” (risas). Impresionante, lo que me hizo hacer. En enero había que prepararse para los Reyes Magos y la “alimentación” de los camellos: los fardos de pasto, los baldes de agua... Y el Día de Reyes yo encontraba mis regalos junto con restos de pasto; baldes vacíos volcados, secos, y bosta... ¡por lo cual no me quedaban dudas de que por ahí habían pasado los camellos! Como vivíamos cerca de plaza Lavalle, que por entonces estaba llena de mateos... ¡ella traía bosta de la plaza y llenaba el living con bosta! Mi vieja fue lo más importante de mi vida.

–Por cierto, una recurrente en usted es una valoración suprema de lo femenino.

–(Se ríe.) Sonia Braguetti, sí... (Peor es nada, 1989). Menos mal que no llego a desbarrancarme en la grosería. Pero es cierto. La alabanza de lo femenino, por empezar, es la alabanza a mi vieja. Y después, por ejemplo, el Tío Cucurucho, el hermano de mi mamá: José María, un musicólogo muy serio abocado al compositor brasileño (Heitor) Villa-Lobos: era gay, al igual que su secretario Reinaldo, estudioso de Beethoven. Pero no eran “Carmen Miranda”; eran tipo Dick Bogard en Muerte en Venecia, “señores” putos. Y cuando mis viejos no me podían llevar al zoológico, me llevaba Reinaldo. Eso siempre fue algo muy natural para mí, desde niño. Soy heterosexual, pero desde niño siempre vi la homosexualidad como una alternativa más de esta vida. Y siempre me gustó hacerme el trolo (Eleva la voz para que escuche Gabi, su compañera). “¡Señora, ¿quién lava los platos acá?!”

–Disculpe, pero lavar los platos no es “de trolo”.

–No, es que no soy yo quien los lava: lava “Delia”. Delia tiene su vida, su marido Beto...

–Y está Clarita, su guitarra.

–Ahí está (señala una criolla reposando sobre su estuche). Con Gabi la saludamos antes de irnos a dormir, y le damos un beso. Para mí la mujer fue todo lo contrario de lo que la significó el sistema humano: siempre se la denostó, el Concilio de Trento llegó a decir que la mujer era un ser inferior, y para mí es todo lo contrario: ¡andá a bancarte que te salga una persona de adentro por la ura!

–Usted utilizó la “ura” (su peculiar traducción de una expresión santiagueña, aplicada al órgano sexual de la mujer) como emblema de su “campaña electoral” de los ’80. Y resulta que conseguimos una Presidenta mujer... ¿Visionario?

–(Risas.) Es la primera vez en mi vida que siento un compromiso político. Y es con los Kirchner. Siempre fui un descreído que estudiaba a Mijail Bakunin: “El anarquista colabora, pero no obedece...” Sin embargo, acá se dio algo que a muchos nos despertó la conciencia política por primera vez en nuestras vidas, y ya de grandes. ¿Qué pasó? No sé. Pero creo que a los pibes les sucede lo mismo: la buena juventud es más pila; la conciencia social de la buena juventud es maravillosa. Analizando la cuestión: está Cristina, ¿y después qué hay? Nada. No hay alternativa. Sin embargo, por primera vez no votaremos al mal menor, sino al bien prometedor, con logros muy claros.

–¿A qué le tiene miedo?

–A la mala justicia que condena a inocentes y absuelve culpables y a la vieja inseguridad de toda la vida... no a la exageradamente inventada en los últimos tiempos.

Gloria Guerrero

Una especie de chamán

Es la segunda vez que Horacio Fontova trabaja con el director Fernando Spiner.

En Aballay, el hombre sin miedo (estrenada el jueves pasado en Buenos Aires), el Negro personifica a El Cordobés.

“Es como una de las viejas historias gauchescas de cuchilleros –cuenta–, pero más bien resulta un western de acción, rodado en paisajes maravillosos –Amaicha, Tucumán– que serían la envidia de John Ford. Pablo Cedrón, el personaje principal, es un actorazo. Yo hago de una especie de chamán, con todas mis lanas sueltas... Es un verdadero placer trabajar con Fernando; llevó a pasear esta película por Europa y se ganó bastantes premios. Creo que a la gente de acá le va a gustar mucho, porque es un cine absolutamente nuevo. Hacía falta”.

Fontova está trabajando en dos nuevos proyectos: Metegol, de Juan José Campanella, película basada en “Memorias de un wing derecho”, cuento de Roberto Fontanarrosa, y Anima Buenos Aires, un largometraje de animación de varios artistas producido por Caloi en su tinta.

Pero hay más: el Negro es padrino del Centro Cultural de Atlanta.

BELGRANO, LA PELICULA

2011-06-20T13:47:00.001-03:00

El largometraje dirigido por Sebastián Pivotto y protagonizado por Pablo Rago, Pablo Echarri y Valeria Bertuccelli tendrá su estreno en la TV Pública este lunes a las 22.30, luego de haber recorrido el país con multitudinarias proyecciones gratuitas y al aire libre.

"Belgrano" es una producción conjunta de la TV Pública, Canal Encuentro, la Unidad Bicentenario y Cien Bares, con el apoyo del Ente Cultural de Tucumán, el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) y la Universidad de San Martín. Fue rodada, principalmente, en la provincia de Tucumán.

Allí, los actores representan momentos históricos de nuestro país, como la Jura de la Bandera, el encuentro entre el General Manuel Belgrano y el General José de San Martín y la posterior batalla de Tucumán.

Con guión de Juan Pablo Doménech, Marcelo Camaño y el asesoramiento de Javier Trimbolli, la película busca reflejar la vida de uno de los próceres más destacados de la Argentina.

El telefilme refleja el período histórico entre 1812 y 1820 desde la propia perspectiva de Manuel Belgrano y apuesta, de la mano del director del telefilme Sebastián Pivotto, a “quitarle el bronce” y recrear una imagen más humana.

LABURANTES POR LA LEY DEL ACTOR

2011-06-02T23:03:00.001-03:00

Seguimos realizando estos videos en los que las muestras de apoyo de nuestr@s compañer@s se multiplican.

Agradeceremos que tod@s los que puedan ayudarnos a difundirlos lo hagan.

Cuanto más instalada en la sociedad esté esta necesidad, más próxima será la concreción de su solución, que no es otra más que la promulgación de la Ley del actor.

AAA

Asociación Argentina de Actores

EL PUNTERO DEL 13

2011-05-16T19:01:00.001-03:00

Julio Chávez es ahora El Gitano, el personaje protagónico de El puntero, el unitario que canal 13 estrenó a las 22 horas del domingo. Ya no es el neurótico de clase media que interpretó en Tratame bien, sino un puntero político de un barrio indeterminado, pero que indefectiblemente es del Gran Buenos Aires.

En una entrevista con Perfil, el actor habla de la nueva propuesta del Grupo Clarín, que a pesar de su buena voluntad (y cierta ingenuidad) es una bolsa de malas noticias acerca de las condiciones en que se desarrolla la política en ciertos sectores de nuestra sociedad.

¿Qué busca el grupo de Héctor Magnetto y Ernestina Herrera poniendo este unitario de claro tinte antipolítico en el año electoral? Viniendo del Grupo Clarín que hace 10 años entorpece la búsqueda de verdad sobre la identidad de Felipe y Marcela, que se apoderó de Papel Prensa en complicidad con la dictadura, y que no acata la Ley de Servicios de Comunicación Audiovisual... suponemos que nada bueno.

—Cuando me citó Adrián para hablarme de El puntero, lo que más me interesaba no era el puntero en sí. Para eso están los libros, lo que dicen del clientelismo y de los punteros. No me interesa mi espacio de pensamiento para eso. Me parecía un hombre con sus contradicciones, un tipo que tiene buenas intenciones pero malas ejecuciones. Este hecho de tener una idea positiva y una ejecución dudosa lo emparenta con cualquier ser humano. Es un ser complejo y muy básico. Muy sanguíneo, muy temperamental. No es un gran ideólogo, es un hombre de acción. Es un tipo que cree en las mejoras de la gente con la que se comprometió. Recibe coimas porque, si no, no puede hacer su trabajo. Es de los que dicen: “Si no entrás en la trenza, no podés ejecutar”. Eso, claro, habría que verlo. La coima la recibe, y no es que la dona a una institución benéfica.

—El canalla suele justificar sus acciones en “no tuve otra opción”, ¿no?

—Sí, pero en ese sentido yo me siento muy canalla también. Todos nos levantamos todos los días y hacemos cosas que si las pensamos no están bien, y creemos que es la única opción. Y nos acostamos con miles de facturas.

—¿Es un personaje violento?

—No particularmente. Lidia con un mundo un poco animal. Se piensa o se pega. Cuando ya no se puede pensar, se pega. Es un mundo muy duro. El Gitano tiene cocainómanos alrededor, él mismo es un ex cocainómano. Y después es un hombre muy afectuoso. Es una de esas personas que creyeron en ciertos ideales, entraron al sistema y cayeron en un engaño. Creen que el que les da una caja de pan es bueno. Y eso le pasa a este puntero y a mucha gente, porque hay personas que pueden elegir a determinado gobernante para cuidar su propia quinta. ¿Cuál es la diferencia con la caja de pan?

—¿Alguna vez te comprometiste políticamente?
—No, yo tengo un compromiso con el arte. Comprometerme con la política es una deuda personal.

—¿No te interesó nunca al grado de comprometerte o no te interesó nunca al grado de no informarte?

—No milité. Una cosa es la práctica política y otra el pensamiento político. Al militar uno se aleja del pensamiento, y yo me siento emparentado con los espacios puros de pensamiento. No entiendo sobre qué está sostenido el poder. Cuando grabamos El puntero estamos en contacto con barrios muy carenciados, y eso me pone en jaque de una manera muy personal y muy particular. Ver esos barrios carenciados, a mí, me genera muchas preguntas, me inquieta. ¿Qué es esto? ¿Qué se hace con esto?

—“El puntero” se estrena en un año electoral. ¿Tuviste eso en cuenta cuando te hicieron la propuesta?

—Estoy absolutamente involucrado en un programa de ficción con cero tendencia. Lo del año electoral es cierto, quizás alguien diga “qué piolas”, pero sería como que yo le dijera “qué piola” al tipo que cuando llueve sale a vender paraguas.

—No te lo preguntaba en el sentido del oportunismo comercial, sino en el de la estrategia política, tomando en cuenta que se va a emitir por El Trece, que pertenece al Grupo Clarín, que está enfrentado con el Gobierno…

—Desde mi punto de vista, es una ficción casi naif. Soy sumamente ignorante y quizás no me doy cuenta de algo. Yo no estoy involucrado ni interesado en esa lucha. Ni informado. Tengo otros intereses. Me gusta la gente que piensa, que se dedica a pensar y a ser consecuente con lo que piensa, tenga un aliado o ninguno. A mí no me pasa que tenga que elegir entre el Grupo Clarín y el Gobierno. Sería de una enorme pobreza que el programa se hiciera o se interpretase como parte de esa pelea. Te digo más: a este puntero no le da el pinet para ser un corrupto groso. No es un tipo que se terminó de integrar al sistema; es alguien que se quedó a medio camino y lo atropelló un coche. Yo conozco enormes personas que mantienen esa pasión política. Mi propio padre, hasta el último día de su vida, seguía puteando porque Frondizi lo había traicionado. Cada vez que surgía la palabra Frondizi, veías en su cara que había sido un gran amor que terminó en desilusión. En la pasión política se establece identificación hasta en el fracaso, lo cual me parece conmovedor. Es sentirse parte de algo.

—¿Vos de qué sos parte?

—Del arte y la actuación. Cuando me reúno con mis contemporáneos o con otros que ya han muerto… El otro día agarré un libro de Pessoa, lo leí y me di cuenta de que ese era mi partido. Es lo que me hace pensar qué es ser un humano. A veces miro de reojo a los pensadores de la política…

—¿Cómo es para tus ritmos de trabajo darte cuenta de que un proyecto que iba a ir una vez por semana, por decisiones estratégicas del canal va a ir dos veces por semana?

—No me altera en lo más mínimo porque nosotros tenemos un ritmo de trabajo de diez horas diarias de lunes a viernes. Eso no se va a modificar. Si llega a pasar que se atenta contra mi gusto por el trabajo diré: “Muchachos, hay que parar un poco”. Pero no creo que pase. La programación es una selva que no conozco. No altera mi forma de trabajo, y si lo alterase estaría muy atento a que no me perjudicara. Si yo siento que me perjudica en el servicio que ofrezco… Yo establezco un acuerdo de prestar un servicio, y si alguna cosa se modifica yo puedo exigir que me den una mano para poder prestar mi servicio con la calidad que creo que debo prestarlo.

—¿La televisión afectó tu modo de trabajo? Te lo pregunto porque los actores suelen quejarse de los tiempos televisivos…

—Estoy lejos de pensar eso. Puedo entender que hay personas que tuvieron experiencias de mierda en televisión, pero también conozco personas que tuvieron experiencias de mierda en el cine y en el teatro. No digo que la televisión sea buena. No es ni buena ni mala. Voy a hablar de los actores: es muy fácil echarle la culpa a la televisión. De repente te dicen: “Vos viste cómo es la tele”. Agarraría a la raza de los actores y les diría que a veces no es tan así, porque a veces no vienen con la letra estudiada, no marcan el libreto, estudian en el set, no traen una puta idea, un puto regalito al set. Es como el puntero, que termina diciendo: “Qué querés que haga, si otra cosa no se puede hacer”...

CARLOS TRILLO

2011-05-09T17:54:00.001-03:00

Nació el 1 de mayo de 1943. Comenzó su carrera profesional en 1963. Un año después se transformó en colaborador de la revista Patoruzú semanal, hasta 1968. Escribió para Ediciones García Ferré episodios de los personajes "La familia Panconara, una familia muy rara", "El topo Gigio" y "El hada Patricia" y colaboró con el programa de televisión "El Club de Hijitus", además de realizar trabajos de locutor junto a Carlos Marcucci, Eduardo Belgrano Rawson y Alberto Broccoli, en Radio Municipal.

Satiricón fue el próximo destino de Carlos Trillo, en el año 1972, y ya comenzaba a codearse con los dibujantes Oswal, Horacio Altuna y Lito Fernández. En 1975 pasó a la revista Mengano, donde colaboró desde el número uno con Altuna y realizó "Un tal Daneri" junto a Alberto Breccia. Con el hijo de Alberto, Enrique Breccia, comenzó a abrirse al mercado internacional con "Alvar Mayor", publicada íntegramente en la revista Skorpio de Argentina y también en Italia, España y Francia.

Junto a Altuna fue el creador de la popular tira cómica "El Loco Chávez", un periodista que cuenta de una manera particular los vaivenes socio-económicos por lo que atravesaba el país. La tira se publicó diariamente en el diario Clarín entre el 26 de julio de 1975 y el 10 de noviembre de 1987.

Otro de los personajes emblemáticos de Trillo fue "Las puertitas del Sr. López", un oficinista cobarde y sumiso que ingresaba a mundos imaginarios al traspasar la puerta del baño. La publicación apareció por primera vez en la revista de cuentos de ciencia ficción El Péndulo en octubre de 1979, y luego en la revista Humor a partir de 1980. El cómic, realizado durante la dictadura militar, alcanzó tanto éxito que fue llevada al cine en el año 1988, y obtuvo el Gran Premio en el Festival Chaplín del Humor, en Vevey, Suiza.

Ya en el año 1982, Carlos Trillo publica "El último recreo" en la revista española "1984". En Argentina la serie comenzó en Superhumor, que publicó tres episodios, para continuar en Fierro, a partir del número 7.

El "Negro Blanco", junto al dibujante Ernesto García Seijas, representó la continuidad de "El Loco Chávez" en las páginas de Clarín hasta septiembre de 1987. Desde el 28 de abril de 2002, el guionista publicó en el mismo periódico "CaZados", junto a O´kif.

Y junto a Jordi Bernet realizó "Clara de noche" que se publica semanalmente en el suplemento "No" de Página/12. Clara es una prostituta con un perfil de mujer liberal, muy atractiva e independiente.

Carlos Trillo falleció este fin de semana en Londres, donde estaba de viaje familiar con su esposa, la escritora Ema Wolf.

Página 12

UNA LUZ EN LOS BARRIOS

2011-04-16T20:18:00.004-03:00

APROPIADORES Y PROPIETARIOS

2011-04-06T22:32:00.000-03:00

Algunos son apropiadores. Ustedes, en cambio, son propietarios. Propietarios de su trabajo, de sus estudios y de las horas que dedican a su vocación, les dijo la presidenta Cristina Fernández a los actores que ayer participaron de la inauguración de la nueva sede de la Sociedad Argentina de Gestión de Actores Intérpretes (SAGAI).

“Ustedes no presionan para quedarse con las cosas de los demás sino para que les reconozcan las cosas propias. Es la diferencia entre ser apropiador y ser propietario, ustedes son propietarios, otros... Bueno, dejémoslo ahí”, señaló la jefa de Estado en una alusión elíptica a la directora del diario Clarín Ernestina Herrera de Noble, investigada por la justicia por presunta apropiación ilegal de dos menores durante la dictadura militar.

En la nueva sede, ubicada en Marcelo T. de Alvear y Paraná, y rodeada de actores y actrices, la presidenta recordó que la entidad controla el correcto reparto de los derechos del intérprete, a través de un sistema informático y destacó la lucha de los actores para que esos derechos fueran reconocidos. También recordó que la lucha por el reconocimiento de los derechos a los actores “al igual que SADAIC, data de la sanción de derechos intelectuales, en 1933, que muchos la sabían de memoria, pero no la cumplían”.

Durante su mensaje, la presidenta destacó que fue el ex presidente Néstor Kirchner, quien en 2006 firmó el decreto que reconocía el derecho de los actores a su imagen. “El decreto le sacó algunas de las canas que tenía, por algunas presiones, pero él se emperraba con las cosas, cuando consideraba que eran justas, cuando había un derecho en el medio”, contó la mandataria. De todas maneras, reconoció la importancia de que los actores hayan sostenido la lucha por la reivindicación de sus derechos: “Las cosas no vienen porque sí. No es la omnipotencia del que está ocupando un lugar de poder, ustedes lucharon por el reconocimiento.”

En el acto, la presidenta estuvo acompañada por el ministro de Economía Amado Boudou, el secretario general de la Presidencia, Oscar Parrilli, el secretario de Cultura Jorge Coscia, el presidente de Sociedad Argentina de Gestión de Actores Intérpretes Pepe Soriano y el secretario general de la entidad, Jorge Marrale.

Pepe Soriano recordó que desde 1933 muchas generaciones de actores esperaron una respuesta a los derechos de la labor artística. “Esa respuesta la obtuvimos después de 73 años, cuando Néstor Kirchner firmó el decreto que hizo lugar nuestros derechos”, contó.

El encuentro de los intérpretes con la presidenta se convirtió en una foto que conjugó el prime time televisivo y la cartelera porteña. Pablo Echarri, Nancy Duplaá, Mercedes Morán, Juan Leyrado, Jorge Marrale, Federico Luppi, Hugo Arana, Osvaldo Santoro, Paola Krum, Joaquín Furriel, “Coco” Silly, Daniel Aráoz, Julieta Díaz y Alejandra Darín, entre otros actores, asistieron al acto para conocer la nueva sede.

Según Soriano, la Sociedad recaudó el año pasado 18 millones de pesos, de los cuales una parte se destina a la fundación, la que se ocupa de pagar pensiones por fallecimiento y subsidios a actores que se encuentran en mala situación económica. “Estamos trabajando para cambiar la vida de los actores”, enfatizó el actor.
Soriano acompañó a la presidenta en el recorrido por las instalaciones de la entidad. En ese momento hubo lugar para los elogios: la mandataria felicitó al actor por el buen gusto con el que se refaccionó el edificio.

Tiempo Argentino

PRODUCCION DE CONTENIDOS

2011-03-17T20:28:00.000-03:00

El Incaa presentó en Canal 7 la Unidad de Fomento a la producción de contenidos para televisión, Internet y videojuegos, que será la encargada de organizar concursos para realizadores de contenidos en todo el país. La ceremonia incluyó la presentación de un video con los inicios de las primeras transmisiones televisivas y el lanzamiento de la TV digital.

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Allí pudo verse desde el discurso de Eva Perón de 1951 hasta el discurso de la presidenta Cristina Fernández el día de la presentación de la Ley de Medios. El secretario de Medios y Comunicación, Juan Manuel Abal Medina, resaltó la importancia de que la Argentina produzca su propia ficción “que representa nuestros sueños” y advirtió: “Así como la Argentina no debía ser soñada desde afuera, como ocurría hace algunos años, tampoco debe ser soñada desde Buenos Aires”. Al acto asistieron los actores Andrea del Boca, Marta Bianchi, Víctor Laplace, la presidenta del Incaa Liliana Mazure, el titular del Sistema Nacional de Medios Públicos, Tristán Bauer, y representantes de los gremios.

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El Incaa promoverá "la aparición de nuevas voces y la federalización de los contenidos audiovisuales digitales", aseguró Lucrecia Cardoso, gerenta de Acción Federal del organismo, con motivo del lanzamiento de un ente que fomentará la producción.

Cardoso explicó que el organismo pretende rescatar el "enorme capital simbólico que tienen los numerosos realizadores que hay en el país" y que, a través de esos concursos, contarán con el respaldo del Estado para concretar sus producciones.

"Los egresados de las carreras de cine terminan viniéndose a Buenos Aires a producir. Nos interesa que elaboren contenidos que reflejen la idiosincracia de cada región, que se federalicen los contenidos", propuso la funcinaria.

La Unidad de Fomento tendrá 3 programas: uno destinado a productoras con antecedentes en la materia; otro para televisoras de carácter público y comunitario; y una tercera para productoras sin antecedentes.

"Ya hubo una primera edición de este programa y se presentaron alrededor de 500 proyectos. Esa edición tuvo un presupuesto ejecutado de 75 millones de pesos", puntualizó Cardoso.

El Incaa realizará los concursos pero la Unidad de Fomento a la producción audiovisual se financiará con fondos aportados por el Ministerio de Planificación Federal.

"En Argentina existe una enorme capacidad para contar historias, ya sea en formato de ficción o documental. Ahora se afianzará la posibilidad de llevarlos adelante".

En forma simultánea, pero ya en el plano del desarrollo industrial de los contenidos, el Incaa avanzará la implementación de subsidios a proyectos que sean elegidos por concursos organizados por la entidad.

Con esa modalidad, el Estado subvencionará a los proyectos elegidos con un monto económico, que será el equivalente al valor de las cargas sociales de los actores y técnicos involucrados.

El programa destinado al fomento de nuevas voces en el mapa audiovisual, como el orientado a la industria ya desarrollada, convergerán, según Cardoso, para otorgarle al Estado "un nuevo lugar" en la promoción de contenidos.

"Se trata de un paso más en la consolidación de un camino hacia la recuperación de la palabra pública", concluyó la funcionaria.

LA NOCHE DEL TÍO OSCAR

2011-03-03T14:06:00.001-03:00

El momento fue inolvidable. En 1972, uno de los mejores actores de la historia, Marlon Brando, supo de boca de los organizadores que iba a ganar el Oscar al Mejor Actor, por su inolvidable papel en El padrino, de Francis Ford Coppola. Brando, un actor estupendo en los años 50, había sido elegido por Coppola para ese papel contra la opinión de todos los productores del film, y todos los de Hollywood, que estaban seguros de que su carrera había naufragado para siempre durante los años sesenta, en buena parte por su decisión de cobrar fortunas por interpretar papeles que le importaban un bledo.

Como el personaje de Don Corleone lo había traído de retorno a las Grandes Ligas, los productores de aquella ceremonia de la Academia pensaron que Brando haría el papel del hombre en problemas redimido por la industria, del perro salvaje por fin amaestrado. Se equivocaron feo: envió a la ceremonia a una actriz cuyos ancestros eran indios sioux, Sacheen Litleefeather, que se despachó en cadena mundial contra el modo en que el cine y la televisión estadounidenses narraron el exterminio de los antiguos dueños de aquel suelo y rechazó la estatuilla que, igualmente, intentaron entregarle. Mientras tanto, el galardonado disfrutaba del momento... en una reserva indígena. A Brando, que ya había obtenido un Oscar en 1952 por Nido de ratas, no lo invitaron nunca más. Tampoco hubiese ido, con certeza. Ya no tenía nada que ganar.

La última vez que a Brando, que murió en 2004, le preguntaron si se sentía el mejor en lo suyo contestó textualmente: “El mejor actor vivo del cine se llama Sean Penn”. Ese mismo año, Penn ganó el Oscar a la mejor actuación por su tarea en Río místico, una notable película de Clint Eatswood. A la hora de agradecer el premio, en uno de sus típicos gestos rebeldes heredados del protagonista de Último tango en París, Penn pronunció unas breves y significativas palabras. “Si hay algo que los actores saben bien es que, así como no existen las armas de destrucción masiva, no existe una mejor actuación”, dijo.

Era el momento en que el presidente George W. Bush intentaba convencer al mundo sobre la existencia de armas químicas en Irak, buscando justificar la invasión disfrazada de justicia, los negocios convertidos en política internacional, la matanza de civiles como inevitables daños colaterales. Pero el desafío de Penn no quedó allí. La Academia recibió para el año siguiente una instrucción muy clara del Departamento de Estado: de allí en adelante la televisación de cada ceremonia se concreta con un leve diferido de 60 segundos. Es decir, el tiempo exacto para censurar en el caso de que a algún otro actor se le ocurra meterse en temas candentes para la política interna de los Estados Unidos.

Eso es normal hoy en los grandes acontecimientos, sobre todo luego de que a una de las hermanas de Michael Jackson, Janet, se le viera durante segundos un pecho, durante su afiebrada performance en vivo durante el entretiempo de una final de Superbowl, que miraban en directo cien millones de espectadores. Susan Sarandon y Tim Robbins agradecieron cuando vinieron hace cuatro años al Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, estar en un país en que se podía decir en voz alta lo que se pensaba, sin temor a censuras o represalias. Y en que la televisión, si transmite algo, no se toma un tiempo para diferir la emisión y censurar aquello que no le convenga. O al menos, eso parece. En Estados Unidos a los actores que suelen opinar en público sobre temas políticos les dan premios muy de vez en cuando. Por las dudas, ellos, como el resto, tienen apenas 45 segundos para hablar cuando están en escena. Y, por las dudas, a todos los nominados les envían a sus casas, semanas antes, un DVD que contiene un simulacro de entrega, con reloj incluido, para que vayan practicando la síntesis verbal.Ya se sabe, sólo la organización vence al tiempo.

La ceremonia de los Oscar, la de esta noche (domingo 27 de febrero de 2011) es la número 83, puede verse como una fiesta de millonarios observada por gente común que se fija más en los vestuarios que en las dotes artísticas, una gran transmisión televisiva en que una industria se premia a sí misma destacando a sus íconos de taquilla, una muestra del poderío de la imposición cultural estadounidense al resto del mundo o una triste velada decadente de una élite autoconvencida de su propia importancia, pese a que ya casi no tiene historias nuevas que contar. Pero también es, con toda certeza, una ceremonia bizarra recontra atractiva. El que busque actos de justicia artística, si es que existen, en una fiesta de características como éstas saldrá defraudado: los Oscar son los premios del negocio del entretenimiento a sus tótems del último año calendario. Así ha sido desde aquel día de 1929 en que se entregaron por primera vez las estatuillas que a partir de 1931 se conocerían con en nombre actual, luego de que la actriz Margaret Herrit exclamara al ver la que le tocaba que era muy fea, pero le daba ternura porque le recordaba a un tío suyo, llamado Oscar. Si su abuela hubiera bautizado al hermano de su padre con el nombre de John, hoy hablaríamos de los Premios John.

La lista de grandes que no ganaron jamás un Oscar como mejor director es larga, pero baste señalar que incluye a Orson Welles, Federico Fellini, Alfred Hitchcock, Howard Hawks, Akira Kurosawa, Ridley Scott, Ingmar Bergman, Stanley Kubrick, Charles Chaplin, Quentin Tarantino y David Lynch.

Lo mismo pasa con actores y actrices de renombre y prestigio, entre ellos Judy Garland, Greta Garbo, Richard Burton, Liam Neeson, Harrison Ford, Deborah Kerr, Barbara Stanwyck y Eleanor Parker.

A su vez, en verdaderos dislates vinculados con las reglamentaciones han ocurrido hechos como que Charles Chaplin obtuviera ¡en 1973! el Óscar a la mejor banda sonora por Candilejas, una película que había sido realizada ¡en 1952! pero que recién entonces se había estrenado en Los Angeles. En la época del lanzamiento inicial del film aún estaba en su apogeo un fenómeno político interno llamado por la historia La Era del Macartismo. Y Chaplin había sido una de las obsesiones centrales de la caza de brujas desatada por el senador Joseph Raymond McCarthy, con su vasta red de influencias políticas y una fijación con el universo del cine.

En cambio, el bueno de Walt Disney, que fue clave en la política de comunicación de los intereses internacionales estadounidenses sobre todo en los años ’40 y ’50, resulta para la historia el hombre favorito de la Academia con más 60 nominaciones y 26 Oscar ganados. Quien dude sobre este punto puede leer (o releer) el aún interesante ensayo Para leer al Pato Donald, publicado en 1972 por Ariel Dorfman y Armant Matellart, cuando la semiótica era apenas una palabra difícil y Salvador Allende gobernaba Chile.

El ciudadano, la obra maestra de Welles, no ganó el premio en 1941, y una y otra vez ha sido considerada la mejor película de todos los tiempos. De la que ganó ese año, Qué verde era mi valle, se acuerdan sólo los fanáticos de John Ford.

El inglés Alfred Hitchcock no consiguió ningún Oscar al mejor director pese a haber rodado más de 60 películas, muchas de ellas en Estados Unidos, cinco de las cuales le posibilitaron estar nominado en ese rubro, entre ellas Rebeca (1940), La ventana indiscreta (1954) y Psicosis (1960). Cuando se dieron cuenta, le entregaron un Oscar honorífico.

La leyenda negra de los premios cuenta con episodios de película, como aquel en que el actor Jack Palance estaba tan borracho cuando le tocó entregar en 1993 el Oscar a la Mejor actriz secundaria que convocó a recibirlo a Marisa Tomei, nominada por Mi primo Vinny, en lugar de la actriz cuyo nombre tenía ante sí. El galardón era para otra integrante del quinteto que completaban Judy Davis, Vanessa Redgrave, Joan Plowright y Miranda Richardson, pero no hubo forma de volver atrás la situación. Palance le dijo luego a sus amigos que había decidido hacer su propia voluntad porque era una afrenta al honor estadounidense que las otras cuatro actrices fueran inglesas. La Academia no rectificó la decisión de Palance. No quiso afectar la seriedad de sus galardones.

Carlos Polimeni

TEATRO EN BARRACAS

2011-02-23T20:28:00.003-03:00

GONZÁLEZ Y PERSINCOLA...

EL SÁBADO 26 DE FEBRERO, A LAS 21 HORAS, EN EL PASAJE ICALMA 2047, EN BARRACAS

ES APTA TODO PUBLICO

Y NO HACE FALTA COMPRAR ENTRADAS

LOS DESAGRACIADOS PIERDEN PÚBLICO

2011-02-17T12:59:00.000-03:00

La gracia que pierde la gracia termina en ridículo. Y ya no tiene gracia que Elisa Carrió haya dicho intrigantemente que el multitudinario funeral de Néstor Kirchner lo organizó Fuerza Bruta. Y que no fue espontáneo. Le faltó decir que el muerto se murió a propósito como parte del diseño del espectáculo. Cuando un comediante desesperado por recuperar un éxito perdido apela a recursos indecentes está más perdido que el éxito.

Hoy la propia espontaneidad de la “desagraciada” Carrió está en descrédito. A su vez Mauricio Macri, por más que no pare de hacer y decir gracias, no merece que alguna de ellas se remarque. Cuando se tragó el bigote postizo de su imitación de Freddy Mercury alcanzó el punto desde el cual cuanto más quiere hacer reír más vergüenza ajena causa. Si la risa es fácil es que el disparador no es complejo. Al conocerse algunas de las declaraciones de su inspirador Jaime Durán Barba, se verá que aquello es cierto. El laboratorio de gracia del PRO es modesto; pero el basural de consecuencias desgraciadas nunca para. La Ciudad es un banco de pruebas que remite a Shakespeare cuando escribe acerca del cuento contado por un idiota lleno de sonido y de furia. Hoy esta ciudad es ese cuento contado por un idiota sin Shakespeare. Hay público para todo. Lo que a unos divierte a otros deprime.

¿Quién es más eficaz en uno y otro sentido, Capusotto o Santo Biasatti?

Diariamente están los chistes informativos y de opinión de Marcelo Bonelli; que por más afán que ponga en acentuar su natural caricatura opositora, son obvios. Para él todo inflaciona, hasta la humedad y la temperatura. Lo más duro es hacer chistes sin querer y ser objeto de la risa de los otros. A Cobos, por más que se lo estire, no le da el cuero para superar la desorbitada gracia con que celebró aquel voto no positivo. No supo darse cuenta que aquella caravana festiva a Mendoza, desmesurada de mito campestre, fue un mal chiste y él un mal cómico. Es que la impensada comicidad de sí mismo luce igual que el orgasmo fingido. De Narváez no logró que su exitoso “Alica-alicate” no se fuera desafilando hasta convertirse en un chiste viejo. Ya hoy Tinelli no lo subiría más a su espectáculo. Los Duhalde hasta hace poco no paraban de hacer reír y llorar a la platea, pero últimamente lucen como actores que desde el escenario miran con melancolía cómo se les va yendo el poco público que habían conseguido. Lástima, hasta el cartel francés van a ir perdiendo si los resultados de las encuestas no los auspician. Duhalde que pudo quedar en algún umbral menor de la Historia, pero ser historiado, se ha arriesgado a apostar a la prehistoria y al olvido.

La gracia tradicional del radicalismo -sin contar la de De la Rúa, insuperable en toda la gama- ha quedado en candidatos cuyas máscaras tan limitadas y correctas sólo causan alguna gracia en reuniones clásicas de familia. No logran ni de casualidad un espectador joven de piercing o una adolescente de tatuaje en los glúteos. Advertidos del síndrome, se autoexigen contra natura inclinarse de urgencia hacia el centro y a la izquierda. Pero se han ido tanto a la derecha, y han hecho tanto para sobarla y ser sobados por sus medios, que no van a llegar a tiempo a retrotraerse. Para izquierdizarse levemente van a tener que copiar aunque sea un mendrugo del kirchnerismo. Aunque para copiar, tengan que reconocer resignados el recurso imitativo. Pero es que no pueden atreverse siquiera a la copia para no perder el soporte de los medios dominantes que los apoyan. Y, como sigan apoyados y anotando en la libreta esos favores de época, van a llegar a las elecciones endeudados con ellos hasta la quiebra.

Ese endeudamiento involucra a todos los opositores, incluyendo a las sectas redentoras. Leí un graffiti por ahí que me dio pena: parodiaba aquella frase de Sartre cuando dice que si los judíos no existieran, los antisemitas los inventarían. El graffiti dice: “Si el PO no existiera el capitalismo lo inventaría”. Y si, claro. Es como la papita para el loro. También si la tapa del diario La Nación no existiera, WikiLeaks la inventaría. Como soporte para intrigas contra gobiernos populares es el medio más confiable. Disculpen esta gracia adolescente. Aseguro que no es corrupta ni inflacionaria, y no es inseguridad, como la cadena de males que inspira a la gracia opositora. Es que estoy dulce: acabo de leer todas las encuestas acerca de la intención de voto que destacan las óptimas chances del Gobierno. Todas no: porque las de “Poligarquía” las salteo. A sus encuestadores se les nota el tesón por producir alguna gracia antikirchnerista abusando de la fantasía estadística.

Ah, quien acaba de perder su última y agónica gracia aeronáutica es el director de cine y ex piloto Enrique Piñeiro. Un diagnóstico mundial de expertos, difundido desde Alemania -Jacdec- califica a Aerolíneas Argentinas en el puesto octavo entre las diez líneas áreas más seguras de las miles que operan en el mundo. Pensar que Enrique Piñeiro se la pasó sembrando el terror desde hace una década. Sus propaladores mediáticos lo entrevistaban día y noche, porque cada radar que él denunciaba como inútil, cada avión a estrellarse les servía como oposición al Gobierno. Es probable que haya obtenido beneficios porque el género rinde, y él llegó a ser primera figura del entretenimiento. La mayor gracia del ex piloto -igual que la de la Carrió- es que cuanto más catástrofes predicen más seguro está el público.

Tampoco Carlos Reutemann recuperará el cetro de hipotético y gracioso aspirante a la presidencia abstracta en continuado. Cada vez que vuelva a salir a escena a dudar sobre sus dudas, su gracia será previsible. Desunido o unido con los malos o con los buenos, Reutemann no conseguirá, ya no sólo conservar su antiguo lugar de “casi”, sino que se tendrá que ir conformando con menos. O mucho menos. Si se lo mira en relación a sus atributos políticos lo que ya obtuvo lo excede.

Es lo que pasa en el amor con ciertas famosas parejas: ahí está Shakira en brazos del futbolista español Gerard Piqué. Y está Antonito de La Rúa, quien deberá resignarse a no poder repetir aquella gracia afortunada que desde Colombia le proveyó de fortuna. Hay azares, hay suertes que suceden una sola vez en la vida. Y hay gracias que se hacen más gracia y hay otras que se desgracian para siempre.

Ahí está la exención a los jueces a pagar impuesto a las ganancias. Desde siempre que están exentos graciosamente. Son intangibles. Como los curas son célibes. Todos los ciudadanos son iguales ante la Ley salvo que unos son menos iguales que otros. No hay que perder las esperanzas. Algunos de los ministros de la Corte Suprema están dispuestos a ceder el privilegio. Con “acordar” una acordada bastaría para anularlo. Producirían un hecho memorable de ampliación de la ciudadanía. Más improbable sería que un día de éstos, voluntaria y unánimemente, los más de 20.000 jueces en ejercicio, pasaran por la ventanilla con su mejor gracia a pagar motu proprio lo que la AFIP no puede exigirles. Eso sí que es gracioso.

¡Y dale con la gracia! Es que hay mucha y hay poca o no hay nada. Es un don, como todos, repartido desigualmente. Un caso es el de Felipe Solá, despilfarrador de su gracia y apostador empedernido en pérdida creciente. Todavía está a tiempo y a lo mejor recupera unas fichas.

A algunos protagonistas políticos les pasa lo mismo que a las actrices y actores que de tanto pasar por el quirófano pierden todos los gestos y movimientos de las facciones. Hay actrices que cuando actúan y quieren demostrar un estado de ánimo ya no se sabe si están vivas o si están muertas pero con los ojos abiertos. Se dice que hay directores de cine de Hollywood que cuando las tienen que dirigir las hacen actuar solamente en escenas donde no tienen que expresar ningún sentimiento. Y aun así quedan falsas. También les pasa a los políticos. Que si abusan de tantos cambios de rumbo y de objetivos -y dejan que les diseñen la imagen creativos fantasiosos-, acaban perdiendo la identidad de origen. Y ya no son -no sólo de derecha o de izquierda o de centro- sino que no son nada político. Ni apolítico.

Y está ese contraste entre el oficialismo que acrecienta la dinámica de su militancia, y la oposición que se ha se ha ido desganando. Desagraciando.

Igual que la virginidad o la castidad que una vez usadas no se recobran, la gracia que se perdió no vuelve. Y por más que se renueven comediantes e incorporen a graciosos, los elencos opositores no podrán superar los anacronismos de sus libretos.

Es lo que está en su naturaleza.

Como está en la de ciertos políticos su propio encantamiento. La mejor gracia que oí dice que hay un candidato varón encantado consigo mismo.

Es fácil acertar de quién se trata.

Orlando Barone

¿Por qué en la Argentina hay radios que sólo pasan canciones en inglés?

2011-02-13T15:32:00.000-03:00

En 1982, en pleno conflicto con Inglaterra por la Guerra de Malvinas, la dictadura que encabezaba Leopoldo Fortunato Galtieri prohibió por decreto la difusión de música extranjera en una medida insólita, demagógica y patriotera que generó un cambio muy fuerte en las programaciones de las radios argentinas. La medida, que duró apenas unas semanas, y en cuya lógica Los Beatles y los Rolling Stones eran voceros de Margaret Thatcher, originó un efecto impensado: disparó el boom del rock nacional, cuyos intérpretes jamás habían sido difundidos en paridad de condiciones por las emisoras desde su aparición, a mediados de los ’60.

Los que vivieron aquella época tumultuosa y contradictoria recordarán de qué manera extraña en las mismas radios que antes los censuraban sin decirlo comenzaron a sonar temas, intérpretes y hasta discos completos que, por mucho tiempo, habían juntados polvo en los anaqueles de lo que no se programa. Sin la música en inglés, cuya difusión era respaldada económicamente por los sellos multinacionales, con publicidad paga y de la otra, de repente las radios argentinas parecían, en lo artístico, radios argentinas. Radios obedientes a una dictadura que tenía una serie de 300 temas prohibidos por el Comfer.

A casi 30 años de aquellos hechos, un extranjero que llega a la Argentina buscando escuchar por radio las novedades o las grandes clásicos de la música nacional, muchos de cuyos intérpretes tienen reconocimiento mundial, se encuentra con una sorpresa importante. Salvo que tengan apoyo explícito de la hoy decadente industria discográfica, los intérpretes argentinos casi no suenan en las radios argentinas. Es mucho más fácil encontrar en una radio nacional un tema de Shakira que uno de Adriana Varela. Se programa muchísimo más a Coldplay que Atahualpa Yupanqui. Las canciones de una tonta y pasajera estrellita televisiva como Selena Gómez rotan en las emisoras con una continuidad que nunca tuvo en vida Mercedes Sosa. Hay colmos, como radios prestigiosas del espectro de la FM porteña (Aspen 102.3, Blue 100.7 o la Metro 95.1) que no pasan música en castellano. Sólo pasan música en otros idiomas, salvo circunstancias muuuuuuuy especiales. Para sus propietarios, gerentes de programación, y aún para sus locutores, conductores y periodistas, este proceso, que llaman de segmentación del público, es natural. Si hay gente que las consume, las programaciones tienen sentido. El viejo truco de sus colegas de televisión, que justifican sus barrabasadas de programación afirmando que le dan al público lo que el público quiere. Dicen: así como hay radios que sólo pasan música en español, nosotros sólo pasamos música en inglés. Very good. En el interior, encontrar radios de FM con personalidad local definida es raro. Todas parecen seguir un modelo con sede en Buenos Aires, cuando no son, en rigor, repetidoras.

Argentina construyó durante mucho tiempo argentinos que desprecian lo propio y santifican lo ajeno. Argentinos que dicen con desprecio “este país”, en lugar de “mi país” o “el país”, encontrando siempre razones válidas. En el rubro del consumo cultural, millones de personas dijeron durante años que no veían cine argentino porque les parecía berreta, que no leían literatura latinoamericana porque les resultaba inferior a la europea, que no estaban dispuestas a pagar por una ópera si era de un compositor nacional, porque nunca estaría a la altura de una de Verdi, que preferían La Paloma a Mar de las Pampas, en una extensión de la preferencia sobre Palermo Viejo frente a Barracas.

Ese comportamiento snob, superficial y ante todo inculto, perdura en el tiempo porque está alentado por factores de poder económico que los propios consumidores desconocen. Hay muchos jóvenes que escuchan una radio, por ejemplo Rock & Pop 95.9 o Mega 98.3, sin saber que detrás de cada una de ellas hay negocios, acuerdos y pactos con productores de espectáculos que predeterminan las líneas generales de programación. La gente consume, entonces, productos cuya difusión está en estricta relación con el dinero que gana la empresa que los promueve, sin que pesen para nada las calidades artísticas. Durante años, Rock & Pop promocionó los espectáculos que organizaba Daniel Grinbank porque Daniel Grinbank era su propietario, o el gerente de los nuevos dueños (que además, aunque sea un detallecito, violaban las leyes argentinas porque acumulaban emisoras aprovechando la inacción del Estado). Cuando el empresario se peleó con sus ex socios, a los que denunció además como vinculados al narcotráfico en México, Rock & Pop hacía como que no sabía que tocaban en Buenos Aires ¡¡¡los Rolling Stones!!!

¿Habrá en China chinos que digan que aman el cine, pero sólo ven cine extranjero? ¿Habrá en Inglaterra ingleses que escuchen canciones pero sólo si están interpretadas en otros idiomas? ¿Existirán en Estados Unidos lectores que detesten la literatura estadounidense? ¿Existirán en Francia emisoras de radio que no pasen, salvo accidente, temas de artistas franceses? Está claro que el gusto por el arte no puede imponerse, pero también que si hay difusión extrema para ciertos artistas o géneros y ninguna para otros, es imposible que el público pueda conocer y disfrutar de valores que son de interés artístico central. Salvo honrosas excepciones, las radios masivas no pasan hoy a Larralde, Goyeneche, Yupanqui, Pugliese, Aquelarre, Mercedes Sosa, Spinetta, Cuchi Leguizamón, Gardel, La Camerata, Cafrune, Edmundo Rivero, Moris, Piazzolla, Alma y Vida, Suma Paz, Floreal Ruiz, Ginastera, Troilo, Los Trovadores, Dino Saluzzi o Eduardo Falú, entre muchos grandes de verdad, privando así al público de recordar o conocer a artistas, canciones y obras que están clavados en el corazón de la cultura nacional y popular.

En AM, cuando un tema va por los 90 segundos, operadores, productores y hasta gerentes artísticos se ponen nerviosos. ¡Hay que hablarle encima o pasar a la tanda comercial, o a otro asunto porque del otro lado, suponen, la gente se aburre! Del otro lado, en rigor, miles de oyentes braman por la falta de respeto que significa no dejar que termine un tema de tres minutos. Pasa todos los días. En las FM, salvo las especializadas, como La Folklórica 98.7 o FM Tango 92.7, la enorme mayoría de lo que se programa, por “criterio artístico” (en realidad, muchas veces comercial), pertenece a una visión de la Argentina como una colonia artística anglosajona. Para colmo, algunas de las que pasan música en el idioma propio parecen, la mayor parte del tiempo, emisoras de Miami.

Es insólito para una sociedad madura que tenga que venir el Papá Estado a poner las cosas en su lugar con los contenidos artísticos, para que lo nacional tenga el mismo respeto que lo importado, en un país con una cultura musical más que notable. Pero si no lo hace el Estado, que tiene una Ley de Servicios de Comunicación Audiovisual (Ley 26.522) en aguas de borrajas, y no por su culpa, ¿quién lo hará? No lo harán aquellos que difunden con pasión de conversos a Daddy Yankee, Amy Winehouse y Lady Gaga, todos artistas interesantes, pero jamás pasaron, ni por equivocación, un tema de María Elena Walsh. Salvo el día que se fue al cielo, o al infierno, de los artistas.

Carlos Polimeni

TV DIGITAL ABIERTA x 13

2011-02-06T13:21:00.000-03:00

Se suman 4 nuevas señales a la TV Digital Abierta

Con Tateti, Video Éxito, Argentina HD y Suri TV ya son 13 los canales que se pueden recibir de manera gratuita por el Sistema Argentino de Televisión Digital Terrestre.

La Televisión Digital Abierta dejó de ser un proyecto para ser una realidad que llegará a millones de argentinos en forma gratuita sin tener que pagar un abono mensual para poseer un servicio de cable o de televisión satelital privada.

A los 9 canales que ya se emiten (Encuentro; Paka Paka; Incaa TV; Canal 7, Gol TV; Vivra; CN23; C5N y Telesur) se le incorporan 4 nuevas señales que desde el fin de semana están dentro de la plataforma de TV Digital gratuita para que el espectador pueda disfrutar.

Las nuevas señales que ya se están emitiendo en periodo de prueba son (señal infantil); TatetiVideo Éxito (canal de música); Argentina HD (canal de turismo argentino); y Suri TV, el canal que une los pueblos originarios, con transmisión de programas de Paraguay, Chile, Bolivia y Ecuador.

fuente tda

EL LAMENTO DE PABLO SIRVEN

2011-02-05T17:03:00.000-03:00

La batalla cultural que se viene librando en nuestro país desde hace siete años acerca del periodismo, va inclinando el combate hacia el desenmascaramiento de los pretendidos medios independientes, portadores de una pretendida objetividad ahora cuestionada.

Pablo Sirven es un periodista dedicado a la crítica de los espectáculos y que últimamente incursiona en temas más generales siempre fiel a sobreactuar la línea editorial de su medio.

Tiene varios libros publicados como “Breve historia del espectáculo en la Argentina”, “La mirada incandescente” y algunos en coautoría, entre otros con Carlos Ulanovsky como “ Siempre los escucho” y con éste último y Silvia Itken “ Estamos en el aire”.

El lamento de Pablo Sirven, su desgarro profundo, está reflejado en su artículo en la tribuna de doctrina del 29 de noviembre bajo el título de “El nuevo periodismo militante” donde escribió : “Tal fue la salva de escupitajos conceptuales que han mantenido sobre la expresión "periodismo independiente" que hoy ya son pocos los que se atreven a seguir usándola”. No fueron los escupitajos conceptuales Pablo, los que inclinan el terreno: es la flagrante mentira lo que está siendo triturada. Pero dejemos que el escriba mitrista diferencie al periodista independiente del militante.

“Pero no les alcanza: ahora van por más. Ya hace rato que expresan su ateísmo en torno a la existencia de la objetividad y su afán por descentrar de manera bastante grosera la postura apartidaria que procuran tener los "periodistas profesionales" en el ejercicio de su actividad, en contraposición con quienes se vienen reivindicando con orgullo como "periodistas militantes".

¿Cuál sería la diferencia entre un "periodista militante" y un "periodista profesional"?

El primero antepone su ideología a la información, a la que interpreta a través de aquélla. Cualquier noticia debe servir, antes que nada, a la "causa". Lo demás se descarta o minimiza. Esto sucede, hasta las últimas consecuencias, en los regímenes totalitarios donde se publica exclusivamente aquello que es útil al gobierno y se silencia por completo a los que no se disciplinan verticalmente al "pensamiento único".

” El "periodista profesional", aunque tenga ideología, de todos modos tratará de dejarla a un lado y procurará abordar la noticia sin preconceptos, tratando de mostrar sus múltiples matices y contradicciones. Naturalmente, se trata de una persona y como tal no está exenta de pasiones y puede equivocarse. Por otra parte, se expresará dentro de los márgenes de la política editorial de la empresa periodística donde se desempeña”.

Es difícil encontrar un periodismo más militante que el desarrollado por el diario La Nación desde su fundación, precisamente uno de los medios que posa como emblema del periodismo independiente. Su fundador Bartolomé Mitre fue el representante de los comerciantes del puerto de Buenos Aires que resultó triunfador en los 60 años de guerras civiles. Fue el que arrasó con los caudillos norteños como Felipe Varela y el Chacho Peñaloza. Sus coroneles como Sandes, Irrazábal, Paunero, fueron adelantados en sus crueldades a los que practicaron los esbirros del terrorismo de Estado en la dictadura establishment militar de 1976 a 1983.

Una anécdota contada por Miguel Hernández en su libro “Vida del Chacho” y recogida por Vicente Massot, colaborador de La Nación y justificador del terrorismo de estado en su libro “Matar y morir” aclara con precisión los tantos:

“A las cinco de la tarde, poco más o menos, el dueño de los llanos de la Rioja, Ángel Vicente Peñaloza, y todos sus jefes y oficiales, se presentaron en el campamento de Rivas. Con ellos estaban Bedoya y Recalde, los enviados de Paunero. Peñaloza entregó sus armas y todos los prisioneros que tenía. Antes de hacerlo, el caudillo riojano preguntó a los mitristas si los habían tratado bien. Le contestó un coro: “¡Viva el general Peñaloza!... Entonces, como era lógico, el Chacho reclamó sus prisioneros. Ningún jefe del ejército nacional se animó a confesar que habían sido fusilados sin juicio ni misericordia”.

Como la historia es una película y no una mera sucesión de fotos, no puede extrañar que mucho años después los herederos de Mitre instigaran y justificaran el terrorismo de Estado. Es en ese escenario, Pablo, que tu pecho se inflama de entusiasmo cuando aludís a la ética, la moral republicana, a la democracia, al estado de derecho y a la división de poderes.

Mitre fue el que condujo los ejércitos de la Triple Infamia que destruyó al Paraguay después de perpetrar un genocidio. A la finalización de la guerra, el regreso del ejército triunfante fue la causa de un gigantesco brote de fiebre amarilla. Al poco tiempo el general que comandó las fuerzas vencedoras fundó el diario La Nación, que sería el guardaespaldas de sus infamias.

Escribió y falsificó la historia oficial, que fue la que testimonió la visión de los triunfadores en las guerras civiles. Su coherencia política es irreprochable: crítico de los gobiernos populares, apoyó los golpes de 1930, 1955, 1966, y 1976. En cambio, en el terreno económico su discurso más que centenario abdicó ante sus intereses privados. Predicador de la libre competencia, no tuvo empacho de tener con Clarín, el monopolio de Papel Prensa. Antes que asumiera Néstor Kirchner, uno de sus máximos directivos, Claudio Escribano le presentó un pliego de condiciones que debía cumplir bajo apercibimiento que de no hacerlo, su gobierno no duraría un año. El santacruceño hizo lo contrario a lo intimidado y La Nación inició una cruzada para castigarlo, abdicando de las más elementales prácticas periodísticas para hacer realidad aquella promesa.

Con esta historia: ¿dónde está el periodismo profesional que define Pablo Sirven? Es ese profesionalismo el que omite la muerte de Perón entre los acontecimientos relevantes en el libro editado por Planeta, en el año 1998 llamado “La Nación: los grandes sucesos del siglo a través de sus primeras páginas” prologado por José Claudio Escribano cuya primera frase dice: “La primera plana es la gran vidriera de un diario.”

¿No es precisamente la quintaesencia del periodismo militante que siempre ejerció La Nación?

Hugo Presman

LA INFANCIA EN LA NUEVA LEY

2011-01-19T12:39:00.002-03:00

Curiosamente, el artículo 17, capítulo 2, de la Ley de Servicios de Comunicación Audiovisual, que refiere a la conformación de un “Consejo asesor del audiovisual y la infancia” no ha despertado polémica. Nada por aquí para agregar, nada por allá para quitar. ¿Habrá pasado de largo porque total es para chicos, género menor en el que no vale la pena detenerse?

La esperanza de un país se mide por la propuesta que tiene para la infancia, decía la doctora Silvia Bleichmar. De modo que la sola enunciación de este artículo es un paso a celebrar por la especificidad de contenidos y formatos que requiere la franja, territorio propio de 3 a 12 años.

Ahora es el momento de potenciar la función “del 17”, sus efectos, sus alcances. No sólo para que no descansemos en la formalidad de su enunciado sino para que genere una discusión profunda en torno de la relación Infancia/Medios de comunicación/Cultura y su expresión en los diferentes sectores sociales. Sobre todo para quienes aún piensan que la ideología no interviene cuando de los pequeños se trata.

Habrá que interrogarse: a qué están expuestos los niños hoy, qué presiones pesan sobre ellos, qué cercos los oprimen, cuáles son los consumos culturales a los que acceden y les atraen. La TV, al igual que Internet, ocupan un lugar en la vida, el tiempo, el ocio y hasta la soledad. Es necesario estudiar, investigar, cómo niños y niñas se implican y transitan la experiencia de ser espectadores, cómo resuelven la circulación veloz de estímulos, qué efectos producen en ellos la saturación, qué esfuerzos les requieren, cómo hacen conexión, lazo, anclaje. Qué les queda y qué hacen con lo que les queda.

Qué modelos de vida y qué valores instalan los medios, la publicidad, los programas, tal vez para ponerlos en cuestión.

Los canales abiertos –básicamente los privados– fueron monitoreando con su programación hasta lograr que los niños se asimilaran a propuestas adolescentes. Cabe preguntarse: En esta corrida, ¿qué ganaron? ¿cuánto perdieron?

Será necesario ofrecer mucho más que el impacto visual. Contenidos que instalen preguntas, curiosidad, que promuevan búsquedas, que pongan en acción.

El artículo 17 no hace ni más ni menos que contemplar, reconocer derechos. El derecho de niños y niñas al humor y el entretenimiento creativo e inteligente, el derecho a entrar en contacto con una oferta cultural variada que signifique apertura a otros escenarios, al cruce de lenguajes artísticos a través de una gama amplia de géneros y contenidos. La TV es en muchos hogares la única ventana al mundo y una cuidadosa programación infantil impacta directamente en la familia. No es la escuela, pero desde ahí también es posible construir ciudadanía infantil; promoviendo la participación, la opinión, el respeto a la diversidad cultural, la mirada federal.

Es importante hablar de programación y no de suma de programas. No se trata de una sucesión arbitraria de “sueltitos”, flashes fragmentados, secuencias aisladas. Diseñar una programación implica darle unidad estética, artística y conceptual; darle identidad. Algo semejante a lo que hace un chef cuando entiende que la suma de ingredientes secos requiere algo que ligue porque, de lo contrario, se desintegran.

Diseñar una programación implica diversificarla contemplando una amplia gama de intereses para cada etapa evolutiva. Implica aportarle recursos tecnológicos, estéticos, narrativos y comunicativos que la hagan atractiva, dinámica, actual. De este modo será también posible formar desde temprano en la cultura audiovisual.

Un Consejo Asesor podrá articular con los ministerios de Educación y de Desarrollo Social, reforzando las políticas públicas, tomando conocimiento de necesidades y prioridades.

Nuestro país cuenta con recursos humanos para dar este salto. Pero es necesario promover el encuentro generacional para que quienes tienen camino transitado puedan pasar la posta. Hacer entonces una convocatoria democrática, plural, en la que dialoguen teóricos y hacedores para traducir en hechos este magnífico tramo de la ley de medios (ley 26522: de Servicios de Comunicación Audiovisual).

Mirta Goldberg
Conductora de Caminos de Tiza,
columnista en Visión 7,
asesora y libretista de programas infantiles.

ARTÍCULO 17.- Consejo Asesor de la Comunicación Audiovisual y la Infancia. La autoridad de aplicación deberá conformar un Consejo Asesor de la Comunicación Audiovisual y la Infancia, multidisciplinario, pluralista, y federal integrado por personas y organizaciones sociales con reconocida trayectoria en el tema y por representantes de niños, niñas y adolescentes.

Su funcionamiento será reglamentado por la autoridad de aplicación de la ley. El mismo tendrá entre sus funciones:

a) La elaboración de propuestas dirigidas a incrementar la calidad de la programación dirigida a los niños, niñas y adolescentes;

b) Establecer criterios y diagnósticos de contenidos recomendados o prioritarios y, asimismo, señalar los contenidos inconvenientes o dañinos para los niños, niñas y adolescentes, con el aval de argumentos teóricos y análisis empíricos;

c) Seleccionar con base en un modelo objetivo de evaluación, los proyectos que se presenten al Fondo de Fomento Concursable previsto en el artículo 153;

d) Propiciar la realización de investigaciones y estudios sobre audiovisual e infancia y de programas de capacitación en la especialidad;

e) Apoyar a los concursos, premios y festivales de cine, video y televisión para niños, niñas y adolescentes y los cursos, seminarios y actividades que aborden la relación entre audiovisual e infancia que se realicen en el país, así como los
intercambios con otros festivales, eventos y centros de investigación internacionales, en el marco de los convenios sobre audiovisual y cooperación cultural suscriptos o a suscribirse;

f) Promover una participación destacada de la República Argentina en las cumbres mundiales de medios para niños, niñas y adolescentes que se vienen realizando en distintos países del mundo de manera bianual y apoyar las acciones preparatorias que
se realicen en el país a tal fin;

g) Formular un plan de acción para el fortalecimiento de las Relaciones del Campo Audiovisual que comprende cine, televisión, video, videojuegos, informática y otros medios y soportes que utilicen el lenguaje audiovisual, con la cultura y la educación;

h) Proponer a los representantes del sector ante el Consejo Consultivo Honorario de los Medios Públicos; i) Promover la producción de contenidos para niños, niñas y
adolescentes con discapacidad;

j) Elaborar un Programa de Formación en Recepción Crítica de Medios y Tecnologías de la Información y las Comunicaciones, a fin de:

(1) Contribuir a la capacitación y actualización de los docentes para una apropiación crítica y creativa del audiovisual y las tecnologías de la información y las comunicaciones, en su carácter de campos de conocimiento y lenguajes crecientemente articulados entre sí.

(2) Formar las capacidades de análisis crítico, apreciación y comunicación audiovisual de los niños, niñas y adolescentes para que puedan ejercer sus derechos a la libertad de elección, de información y de expresión, en su calidad de ciudadanos y de públicos competentes de las obras audiovisuales nacionales e internacionales.

(3) Apoyar la creación y el funcionamiento de redes de niños, niñas y adolescentes en las que sus participantes puedan generar acciones autónomas de análisis y creación de sus propios discursos audiovisuales e instancias de circulación de los mismos, como parte inescindible de su formación integral
y de su condición de ciudadanos.

(4) Aportar a la generación de condiciones de igualdad de oportunidades para el acceso a la información, conocimientos, aptitudes y tecnologías de la información y las comunicaciones que posibiliten la superación de la brecha
digital y promuevan la inserción de los niños, niñas, adolescentes y jóvenes en la sociedad del conocimiento y el diálogo intercultural que ella reclama.

k) Monitorear el cumplimiento de la normativa vigente sobre el trabajo de los niños, niñas y adolescentes en la televisión;

l) Establecer y concertar con los sectores de que se trate, criterios básicos para los contenidos de los mensajes publicitarios, de modo de evitar que éstos tengan un impacto negativo en la infancia y la juventud, teniendo en cuenta que una de las
principales formas de aprendizaje de los niños es imitar lo que ven.

NOTA artículo 17

La incorporación de preceptos sobre la protección de la infancia y la adolescencia mediante un ámbito de consulta dentro de la Autoridad de aplicación guarda consistencia con la propuesta formulada por 10 PUNTOS PARA UNA TELEVISIÓN DE CALIDAD para nuestros niños, niñas y adolescentes

BELGRANO (LA PELÍCULA)

2011-01-08T13:02:00.002-03:00

En la videoteca de Sebastián Pivotto conviven joyas del cine como Amarcord y Dersu Uzala con tanques hollywoodenses como La Guerra de las Galaxias o Indiana Jones. Esa alianza entre la calidad y lo popular es justamente lo que también resalta en la amplia producción televisiva de este hijo pródigo de Pol-ka, fanático del cine de género y de ciclos como Sábados de súper acción o Cine Fantástico.

Pivotto empezó su carrera a los 23 años, en 1994, como asistente de cámara en el piloto y primer año de Poliladron y su inquietud obligó al director Jorge Nisco a convertirlo en asistente de Dirección al poco tiempo. Un año después dirigió la telenovela Carola Casini.

Pero la consagración televisiva llegó con la dirección de Padre Coraje, la exitosa historia que además de ganar el Martín Fierro de Oro como mejor producción televisiva de 2004 se quedó con el mérito de recuperar la telenovela clásica de época contando su amor prohibido en un mundo corrupto. Luego llegaron Botineras, Mujeres asesinas, Vientos de agua, Amas de casa desesperadas, Valientes, la reciente Alguien que me quiera y el debut cinematográfico con el film de acción La Leyenda, en 2008.

A fines de 2009, Sebastián Pivotto fue el hombre en el que Campanella confió para narrar en imágenes la vida para nada fácil de Manuel Belgrano.

Belgrano es la segunda película de Pivotto y cuenta con el protagónico de Pablo Rago con quien ya había trabajado en su ópera prima, La Leyenda. Con Pablo Echarri como San Martín y Valeria Bertuccelli como María Josefa Ezcurra, la historia está centrada en los últimos diez años de vida (1810-1820) del creador de la bandera argentina, una década crucial y revolucionaria para nuestra historia. Esta segunda apuesta –la primera fue Revolución. El Cruce de los Andes– de distintos medios y organismos públicos, con participación de productoras privadas, contó con la supervisión y producción general de Juan José Campanella.

En esta entrevista, Pivotto repasa el proceso de filmación y la vigencia que la figura del prócer mantiene para entender nuestro presente.

–¿Cuáles fueron las particularidades y desafíos que afrontó al realizar una película de reconstrucción histórica?

–Principalmente, hacer el personaje de Belgrano. Había una gran responsabilidad por parte mía y, de todo el equipo, de tratar de ser lo más fiel al espíritu de Belgrano, no tanto a la historia en sí, ya que íbamos a hacer una película casi de ficción pero documental. Nuestro objetivo era encontrar el espíritu que Belgrano transmite o ha transmitido a lo largo de todos estos años. Y tratar de llevarlo a un lugar más humano, reconocido para el espectador de hoy, no esa cosa acartonada o de bronce, donde los héroes del pasado de la historia argentina parecen un derrotero de virtudes sin defectos y que todo lo que hacían era moralmente bueno. Obviamente que hacer una película de época es muy difícil porque demanda mucho tiempo de estudio, de realización, de trabajo, desde el vestuario y decorados hasta un gran cuidado de todo lo que es de época, que no se vea amenazado por nada, por el momento en el que vivimos ahora.

–¿Qué redescubrió de Belgrano como personaje de la historia y de la historia misma de la Argentina a partir de la realización de la película?

–No sé si descubrí algo, ya que yo he estudiado mucha historia, y Belgrano es mi prócer favorito, pero es cierto que hay algo que tenía más en cuenta en mi juventud y que lo tenía un poco relegado, y es darnos cuenta de que la revolución fue hecha por gente muy joven, que eran hombres comunes y corrientes solamente afectados por un momento increíble de la historia, un momento de quiebre, una visagra de la historia argentina. Y descubrir que muchas de las acciones de Belgrano que fueron conflictivas en su momento, podrían volver a ser conflictivas hoy también. Y hay una gran cantidad de hechos o escritos de Belgrano que hoy tienen una gran incidencia o son modernos para la época o todavía hoy minan sus consecuencias.

–¿Qué idea de Belgrano tiene aún hoy vigencia?

–Por ejemplo, las ideas económicas, educativas. Hay un detalle que muy poca gente sabe, la idea revolucionaria, hasta ese momento compartida con otra gente como San Martín o Güemes en el momento del Congreso de Tucumán de 1816, que era nombrar una monarquía Incaica en las Provincias Unidas del Sur. La sola idea de que la Argentina y las provincias que correspondían a esa región fueran gobernadas por un descendiente de Incas, para la época era revolucionario. Y hoy, de alguna manera con la presidencia de Evo Morales, podemos ver algo de eso. Ese volver a los pueblos originarios, ese volver a que los gobiernos sean de la gente originaria de América latina.

La película, con guión de Juan Pablo Domenech y Marcelo Camaño y el asesoramiento histórico de Javier Trimbolli, contó con un presupuesto de un poco más de 4 millones de pesos y la participación de 500 extras. Sobre la realización, Pivotto cuenta: “Estuvimos filmando en Tucumán y en Buenos Aires, Capital y Provincia. Con respecto a la producción, fue muy compleja, teniendo en cuenta que teníamos muy poco tiempo de planificación y de rodaje, pero la verdad es que tuvimos un equipo maravilloso en todas las áreas y ayudó a que pudiéramos realizar en poco tiempo este largometraje”.

Belgrano tuvo un estreno distinto al de alfombra roja: fue presentada en funciones al aire libre y con entrada gratuita en distintos puntos del país –Rosario, Plaza de Mayo, San Miguel de Tucumán, Luján–, que convocaron a más de 20 mil espectadores. Si bien todavía no existe una grilla confirmada de proyecciones, se sabe que podrá verse en Cosquín en enero y en febrero en los Espacios Incaa de todo el país, y que también paseará por La Plata y Vicente López. En la web oficial de la película, www.belgranolapelícula.com.ar, puede consultarse el cronograma, el cual será actualizado con nuevas proyecciones.

Pivotto se muestra entusiasmado por la forma popular y participativa en que su película llegó al público: “Me parece maravilloso; en un momento se habló de estrenarse la película comercialmente y, finalmente, no se hizo. Me parece un acierto que una película que se hizo principalmente para proyectarse en televisión, tenga la posibilidad de proyectarse al aire libre, para todo el mundo que quiera y desee verla. Es una muy buena manera de contribuir a los festejos del Bicentenario. Ofrecer un producto que ojalá ayude a que la gente se preocupe por la historia argentina, por Belgrano. Además, de lo que significó estar rodeado de tanta gente y sentir la tensión y los recibimientos o como la gente se emociona, la verdad que fue muy fuerte”.

–Viniendo de la producción audiovisual comercial, ¿cómo fue esta experiencia de trabajar con medios de gestión pública?

–No vi grandes diferencias, toda la producción fue llevada adelante por 100 Bares Producciones, la productora de Campanella, junto a la ayuda del Canal Encuentro y la Televisión Pública. Lo que sí hubo fue un gran entusiasmo y una gran responsabilidad por parte de todos para que la película estuviese a la altura del personaje que retratábamos, había una gran pasión atrás del proyecto. Lo otro que sentí es una gran libertad. En ese sentido, no hubo discusiones o pelea de egos o problemas que tienen que ver con proyectos televisivos o publicitarios de cualquier índole.

–Con la nueva Ley de Servicios de Comunicación Audiovisual, ¿cree que las productoras y realizadores del país van a tener más oportunidades?

–La Ley está respaldando esto. Ahora, creo que va a ser un proceso lento, sobre todo porque vamos a tener que aprender a convivir con esa Ley y hay que sacarle el mejor provecho posible. Posiblemente haya producciones de mayor o menor calidad con mayores o menores presupuestos, pero sí, la Ley apunta a eso.

–¿Cómo ve el futuro cercano de nuestro país?

–Mi deseo es que nuestro país pueda hacer lo mejor. Lamentablemente, tenemos tanta gente que hace lo peor. No puedo negar que yo estoy en la franja de los que tienen mucha esperanza todavía, pero hay frustrados, decepcionados por todo lo que sucede en la Argentina. Aunque también, de pronto, suceden cosas buenas. Lo puedo sintetizar en una frase: Argentina cuando necesitó un San Martín lo tuvo, y lo tuvo en el momento justo y preciso. Ojalá tuviéramos más Belgranos, si hubiera más Belgranos la Argentina sería un país más grande y maravilloso. Ojalá que nosotros y los gobiernos entendamos que tenemos que llegar a hacer causa común, un bienestar común y ahí veremos. Creo que hoy estamos un poco mejor, pero tenemos mucho camino por recorrer todavía.

por
Pablo Perez

NÉSTOR Y LOS DD. HH.

2010-12-21T20:56:00.000-03:00

Este miercoles estaremos realizando la Jornada Homenaje:
Néstor y los Derechos Humanos
en el Espacio Para la Memoria (EX ESMA).

Primero, a partir de las 11, la última visita-charla guiada del año al Museo de la Memoria, que han venido realizando los compañeros de la Comisión de Trabajo por la reconstrucción de la Memoria.

La comisión es abierta y está conformada por compañeros trabajadores del Ministerio de Planificación Federal, Inversión Pública y Servicios de las distintas áreas de la secretaría.

( http://www.obraspublicas.gov.ar/comision_web/index.php )

Luego, a las 14, en el Salón Alicia Eguren, del Archivo Nacional de la Memoria, realizaremos un acto donde repasaremos la tarea del Gobierno de Néstor Kirchner, en materia de DDHH.

Proyectaremos videos, recordaremos momentos históricos de aquella gestión, leeremos documentos de las agrupaciones, escucharemos a Alejandro Sandoval, nieto recuperado 84, ponerle cuerpo y voz a la parte de la historia que le tocó vivir; y también seguramente el testimonio de algún otro compañero presente en el lugar. También despediremos el año los integrantes del Frente Todos Unidos Triunfaremos.

Los que puedan hacer la visita serán bienvenidos.

Los que no lleguen, pueden venir al acto a las 14.

Organizan:

AGRUPACION PERONISTA DESCAMISADOS
ADN NACIONAL Y POPULAR
MOVIMIENTO PERONISTA BLOGUERO
JUVENTUD DE OBRAS PÚBLICAS
CONVOCATORIA NACIONAL NESTOR KIRCHNER

ESQUINA NÉSTOR K

2010-12-03T15:55:00.000-03:00

Acto Homenaje

Inauguración
de la
ESQUINA
NÉSTOR KIRCHNER

Sábado 4 de diciembre – 18.30 horas

Martín Rodríguez y Pedro de Mendoza
Ciudad de Buenos Aires

Con la presencia de:

Juan Carlos Dante Gullo - Diputado Nacional
Martín García - Presidente de Télam / Agrupación La Oesterheld
Francisco Tito Nenna - Legislador Ciudad Buenos Aires
Alejandro Sandoval - Nieto recuperado 84

Organizan:

ADN Nacional y Popular
Agrupación Peronista Descamisados
Peronismo 26 de Julio
Colectivo de Fotógrafos La Rebelada
Movimiento Peronista Bloguero

ME PREGUNTO...

2010-11-25T16:51:00.000-03:00

A esta altura, ya sabemos que la mayoría de los que trabajamos en publicidad estamos de acuerdo con el pago del casting. Sin embargo, hay algunos (pocos) que no lo están y presentan argumentos para respaldar su postura, con los cuales yo no estoy de acuerdo, pero respeto todas las opiniones y me parece que son tan válidas como la mía, aunque sean totalmente opuestas.

Ahora bien, si ellos están tan convencidos de que no se debe pagar el casting y sostienen tan firmemente sus argumentos, yo me pregunto, cuando se implemente definitivamente el casting pago (que creo que estamos muy cerca de que suceda) y ellos vayan a los castings y tengan que firmar la planilla o el contrato de casting...

¿lo van a rechazar? ¿Van a seguir sosteniendo tan firmemente su postura de que no corresponde pagar el casting y no van a aceptar cobrarlo? ¿O simplemente van a disfrutar, una vez más, de los beneficios que lograron otros colegas que pusieron el cuerpo, corrieron riesgo de exponerse ante las productoras, perdieron chances de filmar por no entrar a un casting apoyando la medida, o dedicaron horas de su tiempo para participar de las reuniones en Actores, mientras ellos se dedicaban a criticar desde afuera, como los Muppets (quizá recuerden los dos viejos que criticaban la obra desde el palco)?

Escribo ésto para que reflexionemos entre todos y los que todavía no lo hacen, se replanteen su actitud. No digo que cambien su forma de pensar, pero al menos que se involucren y vengan a las reuniones a exponer su punto y a escuchar los de los otros, para después votar y hacer lo que dice la mayoría, como en toda democracia. Pienso que, si en la votación no "gana" una medida que yo propuse, tengo que aceptar la más votada y acatarla. Así funciona un sindicato. Todos aceptan lo votado por la mayoría, aunque no estén de acuerdo. Pero, si ni siquiera vas a una reunión a votar, después no andés despotricando contra el sindicato, porque la conducción hace lo que los actores le decimos que tiene que hacer. Votamos una medida, ellos la llevan a cabo. Decidimos por amplia mayoría paros sorpresivos en los castings, ellos van con los inspectores y paran.

La única manera de mejorar nuestras condiciones laborales es DESDE ADENTRO.

del sitio [artearriba]

PAMELA DAVID SEXO Y BILLETERA

2010-11-20T12:22:00.003-03:00

"Hay dos personas que se quieren muchísimo y decidieron que el amor se terminó... Les agradezco infinitamente a los medios porque siempre me ayudaron, pero en este momento me hace mal tocar el tema".

Lágrimas (¿de cocodrilo?).

"La separación es algo absolutamente normal, Pame, no lo tenés que tomar así", la consoló Alejandro Fantino, "vamos a una pausa y volvemos con Animales sueltos".

A poco de separarse de su esposo, el basquebolista Bruno Lábaque, Pamela David está iniciando una relación con el empresario mendocino Daniel Vila.

"Una denuncia ante la Administración Federal de Ingresos Públicos (AFIP) sostiene que el ex ministro menemista José Luis Manzano y su socio, el empresario mendocino Daniel Vila, cometieron infracciones a la Ley Penal Tributaria "y lavado de dinero de Manzano" por más de 400 millones de dólares "obtenidos ilícitamente durante su paso por la función pública".

La presentación de Bernardo Martín Rutti pivotea sobre el prodigioso crecimiento del grupo Vila-Manzano en materia de comunicaciones, compra de cables, medios gráficos y radios, en el país y en el exterior. El denunciante aportó, asimismo, las rutas empleadas para la supuesta evasión y el presunto lavado. Según Rutti, los capitales depositados en el exterior reingresaban al país a través del Citicorp Banco de Inversión. Se sospecha con sólidos fundamentos que algunas de estas operaciones estarían incluidas en la documentación que tuvo en cuenta el subcomité del Senado norteamericano que investiga el lavado de dinero. La pista podría haber sido seguida a través de Seabrook, una sociedad de Manzano domiciliada en Montevideo, cuyo apoderado es Nicolás Martín Becerra (hijo del procurador general de la Nación) y que habría operado con el Federal Bank...

La panelista del programa “Animales Sueltos”, que conduce Alejandro Fantino por América, ¿encontró el amor? en uno de los hombres más poderosos y millonarios del país. O es simplemente por necesidades mutuas. Un cambio de favores. Yo te levanto el rating de tu degradada figura empresarial monopólica y vos me pagás el retoque de las tetas de silicona porque me tengo que hacer el mantenimiento anual. Además, los hilos de oro que me puse en el culo, para levantarme los gluteos, me salieron 40 lucas y me quedé sin un mango.

Angustiada, la piba dejó al joven, bello y pobre padre de su hijo porque se acabó la pasión. ¿La guita te levanta la libido, Pame? ¿Cuántos orgasmos tenés con el Dani?

¿Entonces era verdad? ¿Biyetera mata galán?

Aunque tanto Pamela como su ¿nuevo novio? no quieren hablar del tema, el viernes 30, la flamante pareja de ¿enamorados? viajó a Miami, Estados Unidos, para disfrutar de unos días de descanso y diversión en las paradisíacas playas de South Beach.

Se alojaron en el exclusivísimo y por demás caro Hotel W de South Beach, ubicado al 2201 de la avenida Collins.

"La separación es algo absolutamente normal, Pame, no lo tenés que tomar así"...

SIN ROSTRO

2010-11-15T20:39:00.002-03:00

Se sentó como todos los día, y tipeó la contraseña para revisar los mensajes en el correo electrónico. Había muchos en la bandeja de entrada pero fue directo a uno que le llamó la atención.

Murió Pachi Armas. QEPD, pensó. Requiem aeternam dona ei Domine / Et lux perpetua luceat ei / Requiescat in pace / Amen. Sonó en su pensamiento como una música suave de órgano de tubos. No lo conocía, pero le sonaba el nombre. Lo buscó en internet. Es un actor argentino que hizo teatro, cine y televisión. No encontró una sola foto. Siguió buscando y cada vez que entraba a un sitio nuevo se encontró con retazos de la nota anterior, párrafos calcados, poca imaginación. Los diversos escribas cortaron y pegaron y repitieron lo que el primero dijo y todo se uniformó en 50 palabras, más o menos. Toda una vida en 50 palabras. Y ninguna foto. Una muerte anónima que ni rostro tiene.

¿Cómo puede ser que nadie consiga una foto de este compañero actor que se fue en silencio, sin pompa ni honores? Una foto. Su imagen para recordarlo y tenerlo presente en la memoria. Resulta increible en estos tiempos mediatizados que se pueda morir así, sin los 15 segundos de presencia ubicua, como tanto mamarracho que invade nuestras retinas, día tras día.

Michelangelo.

¿POR QUÉ PARAMOS?

2010-11-14T17:30:00.001-03:00

Rama PUBLICIDAD

El miércoles 3 de noviembre los actores y actrices reunidos en nuestro sindicato decidieron realizar esta medida gremial que se llevó a cabo a partir del lunes 8 de noviembre.

Es necesario aclarar que recién se iniciaron las paritarias que deberían haberse cerrado a más tardar en agosto. Las mismas fueron demoradas por la cámara de productoras, que ofrecen un ínfimo aumento en los cachets mínimos de publicidad.

Por otro lado, los actores somos citados a castings que, en su mayoría, son masivos: 100, 200 y hasta más personas convocadas en un día, para que los creativos de la agencia de publicidad decidan, luego de ver el casting, si la actriz tiene que ser de 25, 35 o 50 años... ¿Para qué solicitar un rango de edades más acotado, si tienen cientos de actores gratis y con todo el tiempo a su disposición, que les sirven para completar su proceso creativo?

EL CASTING ES UNA PRUEBA DE TRABAJO

La propuesta del casting pago no surge como una fuente de ingreso para los actores, sino como una forma de eliminar este abuso y recuperar el respeto hacia nosotros como trabajadores.

El clásico argumento en contra es: "nunca se paga una búsqueda laboral". Es cierto, cuando uno va a buscar un trabajo convencional, no cobra por eso, pero si la empresa decide tomarlo unos días a prueba, eso sí se paga. Cuando los actores vamos a un casting, actuamos frente a la cámara, lo cual constituye un trabajo. Nosotros trabajamos actuando. El casting masivo es solamente un negocio para las castineras, que cobran por día de casting, y para la productora, que le cobra al anunciante ese costo más su ganancia.

ACLARAR PARA QUE NO OSCUREZCA

Los que se niegan a pagar son las cantineras, los representantes y las productoras, que lo único que tienen que hacer es trasladar el costo al que pone el dinero: el cliente.

Ellos dicen: los clientes le descuentan las Pruebas de Trabajos a ellos

Nosotros decimos: den un paso al costado y nosotros discutimos con los clientes. Pero no aceptan

Ellos dicen: el servicio (Publicidad para el extranjero) no viene más

Nosotros decimos: que paguen la prueba de la publicidad que se trasmite en la Argentina y después veríamos qué hacer con el servicio. Y se negaron.

Ellos dicen: ¡el servicio no viene más al país!

Nosotros decimos: ese mismo argumento lo utilizaron en el 2007, cuando el salario de un protagónico pasó de $ 600.- (por dos días) a $ 2.100 por día. Y no se fueron.

Ellos dicen: no se pueden pagar porque piden $ 100

Nosotros decimos: es un valor que estamos dispuestos a discutir y que esperamos una propuesta razonable. El objetivo principal es que la prueba sea paga.

Ellos dicen: no se paga porque no se puede instrumentar

Nosotros decimos: igual contestación dieron con las segundas pruebas (callback). Y hoy se pagan.

Ellos dicen: no habría “caras nuevas”, solo trabajarían unos pocos conocidos.

Nosotros decimos: hay miles de actores que nunca trabajaron en publicidad y que ése sería el trabajo de los representantes de ver a los buenos actores que no hayan trabajado en publicidad para garantizar las caras nuevas.

No dicen que miraron para otro lado cuando denunciamos el maltrato que sufrían los actores y actrices en las castineras, pero ahora que pedimos que se paguen se preocupan y reconocen que todo esta mal y prometen que lo van a ordenar.

Ahora, como estamos en el medio del conflicto, reconocen que tendrían que darnos aumento, pero no dicen que el 8 de agosto era el plazo paritario para dar aumento y durante tres meses la Cámara no se dignó a contestarnos.

LAS CONQUISTAS LABORALES SON FRUTO DE LA UNIDAD , LA LUCHA Y LA ORGANIZACIÓN. LAS MEDIDAS GREMIALES SON LA HERRAMIENTA MÁS EFECTIVA PARA GANAR MÀS Y MEJORES DERECHOS.

CONSEJO INTEGRAL

REUNIÓN URGENTE

MIÉRCOLES 17 de NOVIEMBRE,
a las 15

Ante la situación que está viviendo la rama Publicidad, los/as invitamos a debatir las medidas tomadas (y a tomar) con las pruebas de trabajo, aumento salarial y otras cuestiones en el marco de las paritarias.

Los/as esperamos. Gracias

PIQUETES Y CAOS DE TRÁNSITO

2010-11-08T19:39:00.000-03:00

PUBLICIDAD

PARO DE PRUEBAS DE SELECCIÓN (CASTING)

En la reunión plenaria realizada el 3 de noviembre, se resolvió llevar adelante un paro de pruebas de selección (casting) a partir del lunes 8 de noviembre de 2010.

La decisión fue fruto de los debates que se realizan con compañeros de la rama por el tema de las paritarias y ante la respuesta negativa de la Cámara de abonar los castings.

SECRETARIA GREMIAL
ASOCIACION ARGENTINA DE ACTORES

ASOMBRADO

2010-11-07T21:59:00.000-03:00

Un país lo hacen los corazones de las personas, son almas que se mueven todas juntas y organizan el consenso y el disenso, con expresiones de alegría y de necesidad, es la vida misma.

Se encargan las almas fogosas, como en este caso, de darle formato a la política nueva. Con Kirchner se va lo que se dice el auténtico peronista moderno.

Hoy falta un hombre del cual pendían, -como colaborador de su esposa, como adalid del partido- muchas decisiones políticas importantes, pero también faltará lo que todos intuimos que era el alma mater, la persona que había acomodado los melones en la carreta después del 2001, como fuera. El que apoyaba a su esposa en su gestión de gobierno, te guste o no, lo hayas querido o no.

Como argentino no tengo más en este momento que ponerme a disposición de todo lo bueno, de todo lo útil que se haga, para aportar.

Pero la presidenta deberá contar, indefectiblemente, con el apoyo de todos, por una cuestión práctica: van a salir a relucir los miserables, los codiciosos, los ambiciosos.

Ahí los vamos a ver a todos, porque más allá de los errores y los aciertos, como humano, no podemos negar, como argentinos, que Kirchner dejó todo en la cancha.

Esta vez, esta noticia que fue tan impactante, tal vez haga que apoyemos un modelo (el democrático) en lugar de buscar ventajas,- que iluso soy-.

Que la moderación, que la dan los años de democracia en un país, el respeto, por sobre todas las cosas al ciudadano y a los que elegimos los ciudadanos como nuestros funcionarios y representantes, sea mutuo.

Seamos nosotros los que llevamos adelante esta Argentina que sobrevive a todo. Campeones universales del caos. Me enorgullece el corazón apoyar en vez de destruir, desde mi lugar, y lo que yo te digo a vos me lo digo a mi primero.

No podemos dejar que de nuevo nos vaya mal, no podemos dejar tantas de nuestras riquezas abandonadas.

Ya entendimos que si no hay nadie, no hay nada, y por eso trabajaremos como ejemplo de altruismo y orgullo.

No me importan las banderas: me importa la pérdida de un engranaje que hacía fuerza en contra de algo, cuando las fuerzas se juntan a favor de algunos, dueños de la bicicleta.

La fuerza del piñón-corona, lo que hacía andar una maquinaria política perfectible, como es la política y las cosas que hacemos los hombres.

Es una rarísima sensación de vacío, pero debemos apoyar a la presidenta, porque es así como nos debemos al aparato democrático.

Mas allá del político, es el esposo y primer colaborador de la presidenta, quien, por supuesto, demostrará entereza, firmeza, y nos sorprenderá.

Por favor, subtenauta, tome literalmente mis palabras, todo lo que se dice en momentos como estos debe ser lo más justo que nos den los corazones.

Muchas gracias señor, usted dió todo al servicio público.

Usted trabajó hasta morir, eso me enorgullece, y lo envidio, señor.

De esa manera vale la pena.

Triste y absorto como vos, un abrazo de Casero.

ALFREDO CASERO

CORREO: "Hoy me hice kirchnerista"

2010-11-05T15:26:00.001-03:00

Hoy me hice kirchnerista

Cuando llorás por alguien perdés por un momento la razón. Es porque tus razones se hicieron sentimiento.

Hice diez horas de fila sin saber bien para qué. Los velorios me fueron siempre algo extraño, así que no fue ese el fin. Ni siquiera era la necesidad imperiosa de apoyar a Cristina, ya habrá tiempo para eso y es mas probable que ella nos termine dando fuerzas a nosotros.

Fueron diez horas de caminar despacio, de cantar consignas, de aplaudir situaciones. Iba descubriendo, de a poco, mi objetivo ahí. Era una demostración, era ganar la calle, era estar, era decir que somos muchos, era catársis.

No me quebré en toda esa amansadora de tiempo. Vi el llanto abrazado de pibes que no pasaban los veinte, vi llorar a viejos curtidos, vi ancianas secarse las lágrimas. Y no me quebré. Solamente al entrar a la Casa de Gobierno con el olor característico de las coronas, en esa cantidad innumerable, los altares improvisados escritos con birmoes y fibrones, pasar por el féretro, la Presidenta inquebrantable y tan humana al mismo tiempo, una señora, delante mío, entregándole la foto de su hermano desaparecido, su cuatro brazos abrazándose fuerte, con sentimiento, ver los pañuelos de las madres, los cuadros de los patriotas latinoamericanos enmarcando la situación, el Che, Sandino, Eva. Solamente en ese momento, decía, se me llenaron los ojos de lágrimas. Pero no me quebré. Salí despacio junto con quienes entré, es posible que la compañía nos haya ayudado.

Aunque quería, no me podía ir. La columna me dolía tanto como las piernas y los pies y sin embargo algo me retenía en la Plaza de la Historia. Habían pasado diez horas desde el principio de la fila, en la mañana de sol de Rivadavia y Bolivar. La noche ya estaba fresca y tenía ganas de estar en casa. Pero no me podía ir. La plaza seguía llena de gente suelta y organizada, de cientos de miles que, sobre todo, desmentían la idiotez del relato del clientelismo. Desmentían también el relato de la violencia y la crispación, con la tristeza de la pérdida y con la alegría de la esperanza. Ahí pienso cómo algunos se siguen atreviendo a hablar de las narices, los choripanes, los planes y otras fábulas. Entonces llegan mas banderas y carteles con fibrones. Me cruzo con amigos, que siempre fueron críticos y ahí están, reconociendo la polenta, la entrega, la Historia. Van a entrar, yo salí hace un rato. Me cruzo con compañeros de otras épocas, que ya entraron. Tengo que llegar a casa, estoy destrozado por dentro y por fuera.

Nunca dormí tan poco estando tan cansado. Camino al trabajo está Alem. Por esa avenida pasará el cortejo. No tenía previsto esperarlo. Mi colectivo cambió su recorrido y ya no sé por donde pasa, ni si pasa. Empiezo a ver gente acercándose, desde los balcones y las ventanas se asoman empleados y obreros. Algunos oficinistas. Ahora llueve, por momentos mucho. Un señor con los ojos vidriosos me dice que así tenía que ser, que fue igual con Evita y con Perón, que el cielo tenía que llorar también hoy.

Ya no me puedo ir. Sin paraguas ni piloto, mojándome y esperando a que pase. Entonces, otro encuentro amistoso, en un lugar del cual uno se imaginaba que sus círculos sociales segurían renegando. Acompañado, la espera se hace mas corta. A las diez horas de ayer, le sumo hoy otras dos horas de pie. No hay razonamiento para eso. Cada vez somos mas y apenas un cordón policial. Los árboles mojan mas de lo que cubren. Dicen que el auto saldrá a las 12 de la Rosada.
Es un luto muy raro. Hay tristeza, profunda, se siente a mi alrededor. Pero hay bullicio, energía, esperanza. En la otra vereda un flaco de unos 25 años llora en cuclillas. Incluso desde esta distancia, atravesando la avenida, se le ven los ojos rojos. De a ratos se para, y cuando se canta por el Pingüino o Andate Cobos, se olvida de sus lágrimas y grita con toda su alma. En eso llega su novia y se abrazan desconsoladmente, lloran juntos un ratito interminable. Ella tiene una bandera argentina al cuello, que le cubre la espalda, mojada, ambas.

Creo que el cortejo lo encabezaban unos caballos y los granaderos, pero casi ni me fijé. Estaba muy cerca y no le presté atención a eso. Solamente la vi a Cristina en el primer auto y a Néstor en el segundo. O tal vez estaban en el mismo. Fue un minuto, caían flores de todos lados, corría gente al costado de los autos, atrás, adelante, gritos de fuerza Cristina y gracias Néstor, llantos, mas flores, y pasó. Me quedé parado, desorientado, solo y rodeado por la multitud. Seguía lloviendo, estaba mojado, tenía frío. Me quebré.

Me quebré con un llanto inexplicable, triste, vacío. Veía a través de mi propias nubes alguna wimpala, banderas del Che, fotos de Evita, y la gente que se dispersaba de a poco. A una cuadra de ahí seguía llorando. Ya era otra la gente que miraba mi rostro y seguro no entendía.

¿Entenderá alguien? ¿Lo entiendo yo? Mi única explicación pasa por la pasión. Quienes vivimos con pasión por nuestros sueños lloramos a quién puso tanta pasión por concretarlos.

Y si hasta hoy era K, por convicción, por proyecto, por intransigente, por razones, por táctica, por estrategia, por ideología, por política, hoy me hice kirchnerista, por sentimiento.

Cuando llorás por alguien perdés por un momento la razón. Es porque tus razones se hicieron sentimiento.

Gonzalo Tomás Pérez

CON EL CORAZÓN ABIERTO

2010-11-05T09:41:00.000-03:00

Nunca una noticia argentina estuvo tan presente en los medios de comunicación universales como la muerte del ex presidente Néstor Kirchner. Esta vez me tocó escuchar la triste nueva en Italia, en el televisor del hotel, en el hall, en los cuatro bares que cruzo para llegar a la sala de cine. Los argentinos radicados allí llegaron para comentarlo, abrazarnos y llorar juntos.

Personalmente, tengo puntuales encuentros con Néstor.

En julio de 2003, apenas ganadas las elecciones, me llamó y me dijo: “Usen la Casa de Gobierno para hacer sus recitales...”. O cuando con Víctor y Serrat cantamos en la ESMA para empezar a exorcizarla, o cuando hizo bajar los cuadros de los genocidas y me llamó para cantar “La memoria” en La Perla, el campo de concentración de Córdoba.

... y no se fue al café literario cuando ganó Cristina.

Su pasión no lo dejó descansar. Y se prendió fuego como los grandes de la historia.

Allá abajo, chiquitos, quedan los reductos del odio.

Aunque todavía no están saldadas tantas deudas históricas, tenemos esperanza.

Respaldados y acompañados por una Latinoamérica saliendo de las sombras, apoyados por una fuerza sorprendente que fue germinando en las nuevas generaciones.

Creo que es la primera vez que tocamos esa esperanza con las manos junto a su amada, nuestra Presidenta.

Y aunque nos falte el primer escalón, ya podemos saltar al segundo, acompañando, estando atentos y alertas y con el corazón abierto.

León Gieco

La esperanza de un país distinto

2010-11-02T12:00:00.000-03:00

Señor Néstor Kirchner: “Usted cerró sus ojos para abrir los de millones”.

Así rezaban unas líneas escritas por uno de los cientos de miles de ciudadanos que fueron a despedirlo. Yo también fui uno de ellos, y aclaro que no soy peronista. No importa de qué lado de la privilegiada burguesía progresista se encuentre mi ideología. Lo que hoy nos importa es que usted con su lucha por una Argentina más inclusiva, justa, equitativa, soberana, latinoamericana y solidaria nos devolvió a muchos la esperanza de construir un país distinto. Un país con la dignidad de tener justicia, un gobierno que entendió que sólo con la plena vigencia, los derechos humanos, económicos y sociales se puede construir una verdadera democracia.

Un gobierno que hizo muchos esfuerzos para incluir a los millones de argentinos que fueron expulsados del sistema “democrático” por reiterados e inescrupulosos gobiernos, que prefirieron no entender que mientras haya un solo niño que se muera de hambre la democracia es la más peligrosa de todas las mentiras.

Hoy no hay nadie que pueda negar su compromiso con los más pobres, como tampoco el trabajo que queda por hacer. Le criticaron sus formas, sus desplantes, su terquedad, su obstinación, en definitiva, su estilo: una alquimia de loco lúcido que sabe que para cumplir los sueños la política es el camino más largo. Y usted con la Presidenta apuraron el tranco porque el corazón apuraba y tenía sus razones. Mire si no las tenía. Animarse a romper estructuras enquistadas en el inconsciente colectivo. Animarse con el 22 por ciento de los votos a enfrentar a los poderes concentrados. Revalorizar la política para que deje de ser un manual del capital para ser una guía del trabajo. Enfrentar a los advenedizos de siempre que por un mango transan sus principios y a lidiar con los creadores de realidades virtuales. Bancarse la incomprensión y la descalificación por mantener sus convicciones, cuando la mayoría de los argentinos hemos entendido que debemos respetar todas las opiniones, porque sabemos que cuando las críticas son bien intencionadas y no esconden intereses espurios o destituyentes nos ayudan a crecer.

Su “incorrección” política fue lo que más me deslumbró. La vida sólo merece ser vivida cuando el miedo no es la guía de nuestros actos, sino el enemigo de nuestra pasión. Ojalá que su partida nos deje pensar a todos los argentinos que el futuro llegó hace rato y es un palo, como dice el Indio Solari.

Por eso debemos comprometernos y demostrar que ese futuro previsible, pronosticado por los encuestadores de la nada, por los opinólogos del sinsentido, por los “hombres de negocios”, por los futurólogos de su propia mezquindad no es real.

Sabemos que en todos los sectores de nuestra sociedad y de la clase política hay gente con buenas intenciones. Espero que todos comprendamos el mensaje del destino: si no somos capaces de construir un país más democrático, justo e igualitario para todos nuestros compatriotas, el mañana será una triste mueca del pasado. Aprovechemos este presente, que es el mejor que pudimos tener en muchos años. No lo desperdiciemos. Encontrémonos ya en la esquina de las coincidencias, porque mientras estemos entretenidos en disputas banales dejaremos escapar una oportunidad única. Está en todos nosotros la decisión, la historia está cansada de esperarnos. Miremos a los ojos a nuestros hijos y construyamos junto a ellos el presente continuo que es el único futuro que existe.

“Sólo quien ensaya lo absurdo conquistara lo imposible”, decía Unamuno. Néstor, siga ensayándolo donde esté. Porque los argentinos de bien, del signo político que sean, acompañaran a Cristina en estos días tristes.

Llueve en Buenos Aires. Y el dolor transita por sus calles.

Descanse en paz.

Claudio Villarruel
Sociólogo, productor de TV y ex gerente de programación de Telefe.

"¡Fuerza Cristina! ¡Fuerza a los millones!"

2010-10-30T13:46:00.000-03:00

Hay muchas tristezas argentinas, que me ha tocado vivir en España. En 2001, cuando el país se desplomó, estaba en Madrid, trabajando ya por aquí. Intentando alejarme de una Argentina que poco me gustaba hace años. Y seguía por aquí cuando Kirchner asumió el poder como presidente.

Se ha dicho mucho del peronismo, que siempre he intentado entender en su gran complejidad y variedad, con esos extremos tan rotundos. Y extrañamente, [el ex presidente Néstor] Kirchner en ese cóctel, tenía algo muy parecido a un presidente humano.

El primer presidente que recuerdo bien, después de la pesadilla videla, viola, galtieri (no merecen las mayúsculas), fue Alfonsín, radical. Empecé a aprender lo que era la democracia y también viví de cerca, mientras trabajaba en La Noche de los Lapices, lo difícil que le fue negociar con el poder de los militares y los grupos económicos que los seguían manejando.

Por eso, los extraordinarios logros del juicio a las Juntas, se vieron ensombrecidos por la ley de punto final, como parte de esa negociación.

[El ex presidente Carlos] menem, o Méndez (como también se le llama), terminó de asentar esa absurda "reconciliación nacional" con [el general, Martin Antonio] balza al frente y los supuestos militares "buenísimos". Los torturadores y todo el engranaje feroz, los perros de caza de la dictadura, estaban caminando entre nosotros, con una ley que, otra vez, los amparaba.

Menem siguió. Continuó negociando con lo peor de un sistema que deja afuera a casi todos. Lo veíamos aparecer exitoso, canchero y triunfador (como lo que más me desagrada de nuestra argentina identidad). Se vendió casi todo el país a bajo precio y con altas propinas para los mercaderes. Primer mundo, sostenido con veneno y mentiras millonarias.

Con la continuación de [el ex presidente Álvaro] De la Rua, el país colapsó a finales de 2001, cuando a Argentina le bajaron las acciones para seguir vendiéndola barata. Y en el 2003, después de varios presidentes en pocos años, Kirchner compitió con menem y fue declarado presidente de los argentinos.

Era el peronismo neoliberal de Méndez, contra algo que no conocíamos bien. Pero Kirchner, se parecía a algo más cercano. En su primer discurso como presidente, en Argentina lloraban de emoción y yo en España, también lloraba de alegría, por esas palabras tan humanas, que se hicieron carne política en los años que siguieron.

Todavía estaba el cuadro con la foto de videla en la puta ESMA (uno de los principales centros de tortura durante la dictadura). Kirchner lo quitó de ahí; museo de la memoria fue rebautizado. Sonriente. Cuando alguien ríe en esas circunstancias, parece que no tiene miedo. Ya no había miedo. El pingüino le hacia frente al león.

Aquel no solo fue un símbolo necesario, un gesto histórico. También fue para nosotros, los que nos habíamos maleducado en la dictadura, una concreción para empezar a saber más, porque su política de derechos humanos fue perfecta. Seguíamos aprendiendo de los 30.000 muertos con los que no pudimos hablar.

Después de eso, rajó a la policía, que todavía era la cómplice de la tortura; derogó las leyes de punto final y obediencia de vida. Y ahí se ganó el respeto de millones, como dice Mempo. Consiguió la recuperación económica, con un crecimiento del 8% anual. El campo, las exportaciones, el turismo, se recuperaron. Los científicos emigrados empezaron a volver porque se empezó a invertir en investigación, en educación, en cultura, repartiendo, por primera vez en años, las riquezas desde arriba, hacia los de abajo. Y así, la inclusión de otros millones; y así, el mejor momento económico argentino en décadas, reflejado esto también en el pago histórico de parte importante de la deuda externa.

Y eso es más humano. Quien diga lo contrario es porque, simplemente, tiene otros negocios. Negocios que les parecen más importantes que un mundo más humano y que se reflejan en lo que está ocurriendo con el sistema económico internacional en la actualidad, lleno de desigualdades.

Anteayer, la noticia me encontró en España, otra vez. Murió Nestor Kirchner, me dijeron. Y volví a llorar, pero ahora, con una tristeza nueva. Tristeza que va más allá de lo que tenemos justo al lado, por razones históricas que nos son familiares. Era una tristeza que uno comparte con otros. Una tristeza con ganas de luchar. Por seguir apostando a un país posible y a cosas positivas, que uno va a seguir apoyando, porque son buenas para TODOS.

Esta mañana acabo de llegar a Buenos Aires, amaneciendo con los millones de personas despidiendo sus restos. ¡La mayoría son jóvenes!

¡Fuerza Cristina! ¡Fuerza a los millones!

Leonardo Sbaraglia
es actor argentino.

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EL TIPO QUE NO ARRUGÓ

2010-10-28T23:42:00.000-03:00

Obviamente, esto no me genera nada dulce ni agradable. Es un golpazo porque era un referente político importante. En lo que a mí respecta, y por lo que he vivido, fue uno de los políticos más importantes de las últimas décadas. Cívicamente corajudo y con vergüenza política, capaz de enfrentar ciertas cosas con lenguaje directo, un poco a cara de perro, campechano, y a veces remando en situaciones muy complicadas, muy duras. Me impresionó mucho cuando hizo bajar los retratos. Me pareció una forma de simbolizar el inconsciente de un país de manera viril y frontal. Y eso me dio la pauta de que había algo ahí que tenía que ver con la decisión, con la ejecutividad, con ver las cosas con perspectiva. Cuando pidió que descolgaran el cuadro de Videla fue la primera vez que como habitante de esta Argentina en la que envejecí viendo presidentes cagones, cobardes, mentirosos y truchos, vi a un tipo que se puso los pantalones y dijo lo que tenía que decir. ¿Por qué? Porque él era el comandante en jefe de las Fuerzas Armadas. Vi en situaciones similares a presidentes como Alfonsín o De la Rúa arrugar hasta la médula. Kirchner era un animal político de verdad: tenía el instinto y la capacidad de piloto automático de navegar en medio de tormentas. No exagero nada, no soy nada afecto a las pleitesías políticas, pero de verdad desaparece un referente importantísimo de la Argentina, no solamente por el gobierno que hizo sino porque además en ningún momento dejó de plantear las cosas con la frontalidad con que podía hacerlo. Era capaz de conversar mano a mano, campechanamente, sin ningún tipo de solemnidad. No era un rasgo populista sino de llaneza intelectual y capacidad afectiva. Como hombre político, arrancó la primera magistratura con un delgadísimo porcentaje de votos, con aquella interferencia estúpida y canalla de Menem. Y con ese caudal de votos mínimo, sin embargo, muñequeó, manejó la cosa, se enfrentó al FMI, creó instancias de negociación realmente importantes. Supo plantear políticamente la no dependencia del Fondo, el quite de la deuda. Me da la impresión de que sabía qué quería y se basaba únicamente en el aprecio y en la confianza en la masa, en el público, a la manera griega. Es un momento en el que hay que estar muy atento, muy alerta y muy lúcido porque va a haber una avalancha catártica de canallaje político que va a decir de todo y utilizar esto como una manera de retrasar y negativizar el proceso. Es un momento duro y espero que su mujer tenga el ánimo, el coraje, la fuerza y hasta la capacidad de llanto para poder superarlo.

Federico Luppi

TANGOLPEANDO en ESPAÑA

2010-10-23T13:07:00.000-03:00

Los amigos actores y músicos de Tangolpeando estuvieron en el XLI Festival de Teatro de Molina de Segura, España, con su espectáculo CACEROLAS, entre el 01 de octubre al 09 de octubre de 2010.

Investigamos primero los objetos cotidianos que servían al ciudadano como instrumentos en sus reclamos callejeros. Profundizamos en la creación de personajes pertenecientes a la clase trabajadora del sector industrial. Nuestros personajes, trabajadores industriales argentinos, abordan desde sus puestos de trabajo y mediante sus instrumentos de protesta, las respuestas ciudadanas ante la historia argentina reciente: el descrédito de las instituciones, la burla de la clase política, la miseria de las provincias argentinas por la centralización porteña, las utopías surrealistas y los disparates de sus gobernantes, la diáspora familiar fruto de los exilios económicos y políticos, el desexilio como desencuentro entre el país imaginado y el real, la represión, la violencia… todas estas experiencias de vida contadas con el humor argentino: grotesco y disparatado, ocurrente e ingenioso, carnavalesco, tanguero, folklórico y sobre todo, mestizo...

TANGOLPEANDO, es un grupo argentino formado por
Gonzalo Morales: Bandoneón, arreglos y voz;
Gabriel Rovito: Guitarras, percusión y voz;
Leo Trento / Pablo Grande: Piano, percusión y voz;
Pablo “Lobo” Zepol: Bajo, programación y voz;
Miguel Mendonça: Batería y percusión.

Bruno Rovito: Asistente de dirección
Gustavo Lista - Gabriel Rovito: Dirección actoral, diseño de luces y puesta en escena.

Mónica Yuste - Anita Lüscher: Producción ejecutiva.

TGP group: Producción general y creación

VEA EL VIDEO: Tangolpeando en MURCIA España. AMIGOS: Al final de este video sale la nota que nos hicieron para el show que dimos en Molina de Segura.

HAY un SAQUEO del DESEO

2010-10-18T23:03:00.001-03:00

Entrevista a
Pacho O´Donnell

El grito sagrado lo catapultó como historiador. Sin embargo, prefiere dejar ese título a los que estudiaron en la universidad, y él quedarse con el de escritor. Porque siente que, al igual que con el psicoanálisis y el teatro, llegó a la historia por rodeo. De ese trayecto hizo una virtud: firmeza en las convicciones, soltura para la escucha.

-Haber llegado tarde y fuera de la academia a la historia, ¿qué beneficios y qué perjuicios que le trajo?

-Para empezar siempre he sido un heterodoxo en todo lo que hice. En el psicoanálisis, en el teatro, en la historia. Quizás tenga que ver con una especie de conflicto básico de un problema en la figura del padre. Siempre me costó tener padres, entonces me tuve que erigir yo mismo en mi propio padre. Le tengo que contar una clave profunda mía, como confidencia, pero puede publicarla: tengo una absoluta convicción de que lo importante es lo que no se ve. Vengo de una familia burguesa que cuidaba muy bien las formas, pero como toda familia burguesa en la trastienda era un infierno de emociones, sensaciones, contradicciones. Mi posibilidad de no psicotizarme fue poder descifrar eso que no estaba a la vista. Y eso se incorpora como un eje vertebrador de lo mío. Lo que vertebra esas cosas distintas que hago es la fascinación de lo oculto. Me interesa el psicoanálisis porque verdaderamente coincido que es mucho más importante para nuestras actitudes en la vida lo que no sabemos de nosotros mismos que lo que sabemos; me interesa de la historia lo que no se ve, lo que no nos contaron, lo que nos escondieron; me fascina la arqueología (hice algunas expediciones); y el teatro porque ahí lo importante es la bambalina. En la historia digo que soy un historiador silvestre. Por eso como profesión pongo escritor. El papel de historiador le corresponde más a los que han estudiado para hisotoriadores, cosa que en mi época no había prácticamente en la universidad. Las ventajas han sido una libertad de moverme por fuera de los condicionamientos de la profesionalización de la historia. Y una ventaja profunda es que como no tengo colega, en el sentido de que las disciplinas humanísticas en su voluntad de transformarse en ciencias duras generan idioma, lenguajes, modismos, contraseñas, jerigonzos, etc, que de alguna manera definen esa identidad. Cuando un sociólogo, un psicoanalista, un historiador escribe, generalmente lo hace para un colega. Uno cuando escribe siempre tiene un interlocutor. Muchas veces inconciente. Escribo un texto y es como si escribiera una carta a alguien. No tengo un colega como interlocutor, tengo la gente. O sea lo que yo mismo soy: un intruso en el campo de la historia.

-Usted publicó en los 90, época donde el revisionismo no parecía tener mucha cabida.

-El revisionismo había quedado muy lejos de la superficie por distintos motivos. Quedó muy identificado con el peronismo, entonces cuando vino el golpe del '55 se echaron a todos los profesores de doctrina peronista y revisionista, en su mayoría, y hubo una captura de la historiografía oficial de todos los sistemas de poder. O sea que era muy difícil moverse por fuera de eso. Entonces cuando empecé estaba muy solo y muy atacado. Recuerdo que Luis Alberto Romero publicaba artículos donde me injuriaba. Me decía que era un tipo comercial. Inclusive pidió hacer la crítica de mi libro de Rosas en el suplemento de La Nación, y dijo algo que en principio me parece inédito en la sección crítica: dijo que mi libro era pésimo, creo que una palabra inédita en la crítica literaria elegante como suele ser la de La Nación. Creo que fue una especie de punta de lanza del sector más oficial de la historia de tratar de destruirme. La historia me gusta desde siempre, pero en algún momento empecé a descubrir que había ciertos personajes o circunstancias que se le habían escapado a la historia oficial. Justamente cuando publico El grito sagrado (que es mi tercer libro, antes había venido Juana Azurduy y después la biografía de Bernardo Monteagudo, que se va a reeditar el año que viene), en realidad me lo pide la editorial y no tenía nada. Entonces saco del cajón lo que serían los resultados de un vicio mío: recortar, escribir, fotocopiar aspectos de la historia que iba conociendo y que me sorprendían o me indignaban o me parecían desconocidos en la idea ingenua de que eran aspectos que se le habían pasado por alto a la historia oficial. Luego la gente me hizo ver que no eran olvidos, eran versiones o interpretaciones que habían sido dejadas afuera.

-Usted dijo que el trabajo de la historia oficial fue desarrollar, generación a generación, formas de pensamiento y de acciones en función de esa historia. ¿Dónde y en qué cosas se ve hoy ese mecanismo?

-Primero habría que definir qué es la historia oficial, la que se escribe al final de la guerra civil, que es una manera de la lucha de clases. El combate de La vuelta de Obligado es una manifestación de la lucha de clases. Por un lado está la oligarquía librecambista de Buenos Aires, aliada con los intereses de los imperios, y por otro lado está el pueblo, el populacho, la chusma, los federales, las provincias. La guerra civil es una guerra con un final anunciado. No podían perder los Unitarios. Tenían todo el dinero de la Aduana, el apoyo de las grandes potencias (sobre todo de Gran Bretaña), el apoyo de la mazonería (que en esa época era fundamental), y el federalismo tenía el coraje, la razón, la verdad, el carisma, pero carecían absolutamente de todas las otras cosas para hacer una guerra: dinero, armamento, conexiones internacional, etc. Cuando termina la guerra los que escriben la historia son los vencederos, que se rebautizan liberales, pero como suponiéndose ingleses, parte del liberalismo británico, aunque le copian el liberalismo económico pero no el político. Los liberales argentinos son autoritarios. Y la historia que escribieron es en defensa de sus intereses, para justificar el proyecto de Organización Nacional que ellos ponen en marcha. Es una historia que forma parte de un proyecto político, y tiene como estrategia manejarse con conceptos abstractos como civilización, progreso, etc., que son manejados como una contrapartida a la barbarie. El portavoz de la oligarquía portuaria, que es Sarmiento, define la Organización Nacional como alternativa dilemática entre civilización y barbarie. En la cual civilización era Europa y la barbarie aquello contra lo que habían peleado. Por eso creo que el interés que despierta esta pasión por revisar la historia es porque la gente siente que cuaja mejor su vida. Un elogio para mí fue cuando estaba haciendo la cola en un banco un señor me dice gracias a sus libros puedo leer mejor el diario todas las mañanas. Permite entender por qué hay peleas de cierto tipo, por qué pasan ciertas cosas hoy.

-Pese a la revisión histórica de los últimos años ante la disidencia aparece la crispación.

-Nunca he podido sostener un debate con Luis Alberto Romero y otros. Me han invitado a pelearme, han dicho cosas horribles mías en los medios. Creo que está naciendo una generación joven que está pudiendo hacer la articulación. Yo soy el péndulo: por ejemplo por momentos parece que tengo una posición muy antisarmientina, pero le agrego aquello que se ha ocultado siempre, que parece un educador suave, angelical, con guardapolvo blanco; y Sarmiento cuando tenía que imponer sus ideas podía mandar a degüello a quien se le diera la gana; era muy violento. Rescato cosas de la figura de Rosas, entonces parece que soy rosista. Y no, hago una visión más ecuánime, pero como todos han dicho lo malo... Está apareciendo una generación nueva de jóvenes que se está formando en las universidades, pero que me viene a ver, a conversar, y que de alguna manera están iniciando y logrando la articulación de lo bueno que tiene la historia oficial con lo bueno que tiene el revisionismo. Mi papel ha sido el de péndulo. Pero esa reacción que recibí con "El grito sagrado" es porque algunos historiadores de la vieja escuela oficial, creen que cuando uno cuestiona las bases de su doctrina, en realidad está amenazando con el alimento de sus hijos. Conciente o inconcientemente para ellos es muy claro que todo el edificio historiográfico (las cátedras, los empleos, subsidios, viajes, etc.) están basados sobre una concepción de la historia. Parecería que si uno cuestiona ese conocimiento se va a derrumbar todo. Y seguramente en el fondo hay una conciencia de que hay alguna fragilidad en eso.

-El país parecía venir en calma hasta que apareció la famosa 125, el primer intento desde el final de la dictadura de meterse con la renta extraordinaria el campo.

-La crispación en algunos casos estaría justificada porque son medidas que apuntan a una transformación profunda. Hay estamos hablando de reacciones de intereses afectados por medidas gubernamentales que tienen un eje transformador muy interesante. Y dentro de la tendencia o la vocación transformadora de este gobierno, lo interesante es que también lo ha ejercido en el campo de la historia. Le diría que la Presidente Cristina Fernández de Kirchner es revisionista. Aparte de que ella me consulta con cierta frecuencia y demás, el texto historiográfico del festejo del Bicentenario fue absolutamente revisionista. No sólo no estaban las figuras de Sarmiento y Rivadavia (con gran escándalo, y estaban los caudillos), sino que había una carroza en homenaje al combate de La vuelta de Obligado. Ese combate es un elemento clave en la interpretación de la historia. En la lista de patriotas argentinos que se incorporó en el salón de patriotas latinoamericanos se lo incluyó a Rosas; ella ascendió a generala a Juana Azurduy. Porque además la Presidenta sabe historia. Por eso el gran golpe, que me ha emocionado mucho, es declarar feriado el 20 de noviembre. Porque soy un apasionado luchador por La vuelta de Obligado desde hace muchos años. El combate, junto al cruce de Los Andes, son las dos gestas militares más extraordinarias de la historia argentina. Imagine que un paisito débil, aislado, recién nacido se opone al ataque de las dos grandes potencias del momento, Francia e Inglaterra. Finalmente capitulan, a los cuatro años Inglaterra y a los cinco Francia. Y los dos se van disparando los 21 cañones de homenaje a la bandera argentina que Rosas le exigía como condición sine qua non para firmar el acuerdo final. El otro día di una charla sobre La vuelta de Obligado ante más de 300 personas, y digo: sé que ustedes sabían que iba a hablar sobre La vuelta de Obligado, y me dijeron que iban a traer imágenes. Los organizadores me miraron. Y pregunté si alguien había traído alguna imagen. Y nadie levantó la mano. Saco un billete de 20 pesos y les digo: todos ustedes tienen una imagen de La vuelta de Obligado. Estuvo tan silenciado que ni siquiera sabían qué tenían en el bolsillo. No hay ninguna calle con el nombre de Rosas, Estanislao López, Chacho Peñaloza, Cacho Ramírez, o sea la guerra continúa. Esos siguen siendo enemigos imperdonables. Realmente fueron una amenaza muy fuerte contra el establishment. Es curioso que un proyecto de clase dirigente no haya tenido ninguna intención de incorporar a los vencidos.

-Ni siquiera por propio beneficio.

-Es cierto. Lo de La vuelta de Obligado es extraordinario, y se podría haber rescatado el heroísmo de esos tipos que con diez bombitas se opusieron a un ejército poderoso. Por eso la historia oficial todavía no puede digerir cómo pudo ser que el personaje más denostado de la historia haya recibido el mayor homenaje posible de su máximo héroe: San Martín le entrega su sable. Estamos muy acostumbrados a denigrarnos, como decía Jaure-tche. Somos una porquería, deshonestos, dejamos pasar oportunidades.

-"Somos el culo del mundo y se nos cagan de risa".

-Claro, claro. Hay como una cosa casi de tristeza. Entrar en contacto con las epopeyas que fuimos capaces es algo que hace psicológicamente bien. Somos un pueblo que puede estar orgulloso. En contrario de ese sistema incluso periodístico de darle ese baño de cinismo y negativismo y desesperanza, es importante reconocer lo que pasó y sentirnos orgullosos. Y pensar que volveríamos a ser capaces de hacerlo si llegara el momento.

-Pareciera que lo positivo sólo se ve en las situaciones límites pero no en períodos de calma.

-Ese es un fenómeno socio-político. Situaciones como las de las Madres de Plaza de Mayo, los desaparecidos, La vuelta de Obligado, el 16 de junio del 55 son momentos en que el conflicto de clases está muy evidente, donde los intereses dominantes se sienten tan amenazados que pierden los estribos, el disimulo. Y si tienen que matar, matan; si tienen que invadir, invaden; si tienen que desaparecer, desaparecen. Lo otro es la situación de una sociedad dominada, donde la vida social está marcada absolutamente por los intereses dominantes. Hoy el sistema de la dependencia es muy sutil, se ejerce sobre nuestras mentes. Lo que hay es un saqueo del deseo. Estamos inoculados para desear aquello que el sistema necesita que deseemos. De ahí la inquietud. Porque hay un distanciamiento muy grave de nuestro propio deseo. Deseamos comprar cosas que no necesitamos. Dejamos nuestra vida por cambiar los celulares. Hay una inquietud que es funcional al sistema. Si estuviéramos quietos el sistema no funcionaría. El sistema necesita que estemos inquietos y deseantes. Pero que estemos permanentemente insatisfechos. Porque lo que necesitan es que deseemos aquello que el sistema necesita que deseemos. Nos necesita inquietos, insatisfechos, disconformes. Crispados. Y ahí vamos a buscar formas vicariantes de satisfacción. De pacificación.

-La sensación es que nunca se puede tocar a la clase dominante porque enseguida alteran los ánimos. Eso genera mucha impotencia.

-Igual vale la pena. Una de las características del poder es que es invisible. Rosas es emblema del hombre poderoso: gobernó con la suma del poder público, 20 años, es la idea de El Poder. Rosas muere en Southampton, en la miseria económica, olvidado. Lejísimos. Esperando que los Anchorena le manden una carta. Ofendido. ¿Era Rosas el poderoso o es Anchorena que hacía negocios con Uquiza, que hará negocios después con Mitre, y con todos los que vengan? ¿Cuál es el poder? Sin dudas Rosas no lo era. ¿Menem, De la Rúa eran el poder? Eran máscaras. Una de las características más potentes del poder es que es invisible. Eso da la idea de que los movimientos populares no tengan otro destino que la derrota. Pero de todas maneras vale la pena. Alguna vez quizás la situación cambiea.

-Usted criticó el revisionismo que hizo el gobierno de los Kirchner sobre los 70.

-He vivido el exilio, la he pasado mal en los setenta, o sea que estoy absolutamente de acuerdo con que se imponga justicia. Lo que hace tiempo vengo diciendo es que no se diga dictadura militar. Es un gran error porque se indulta a todos los civiles necesarios para la dictadura. Pero también dije que hay una visión tuerta de darle todo el peso a los Montoneros: las personas que sufrieron en la dictadura fueron muchos más. Hubo exiliados, castigados, periodistas, dirigentes sindicales, estudiantiles que no eran montoneros. A raíz de la lucha contra la guerrilla urbana se aprovechó para eliminar todo aquello que molestaba para la instalación del sistema que se instaló. Falta una mirada más amplia de la época. Todos los argentinos que han quedado melancólicos, que han quedado afuera después de la diáspora y que no se animaron a volver, o no pudieron; toda una generación de argentinos con sus hijos extranjerizados o adaptados a otro país. Hay mucho drama que fue solamente el drama extraordinariamente imponente del secuestro, la tortura y la desaparición. Falta la incorporación a la historia de los 70 de todos los sectores que también fueron atacados y también sufrieron. Me sigue pasando de ir por la calle y recordar: ¿dónde está este tipo? Que era un crack, iba a ser un gran abogado, un gran pintor, ¿dónde está? Está el desaparecido real pero está el que desapareció por el miedo, se quebró, se fue afuera y fue otro, no lo que iba a ser acá.

-Hay mutilaciones que no se ven.

-Ha habido mucho sufrimiento. Y hay tipos que fueron vencidos, tipos que cuando me fui tenían una gran pasión revolucionaria y cuando volví eran capos de la especulación financiera. Gente a la que le rompieron el alma. Quizás toda esa gente merecería que se rompa un poco esa exclusividad dictadura-montoneros-montoneros-dictadura. Y no estoy harto.

Por Jorge Belaunzarán

LA BATALLA DE LA COMUNICACIÓN

2010-10-12T20:36:00.000-03:00

Te invitamos a la presentación del libro:

"La batalla de la comunicación"
De los tanques mediáticos
a la ciudadanía de la información.

de Luis Lazzaro

PANEL DE PRESENTACIÓN:

Eduardo Aliverti, periodista. Director de ETER
Agustín Rossi, Pte. Bloque FPV, HCDN
Néstor Busso, Pte. Consejo Federal de Servicios Audiovisuales.
Juan Manuel Abal Medina, Secretario de la Gestión Pública.
Gabriel Mariotto, Pte. Del Directorio AFSCA

Jueves 14 de octubre a las 19 horas.

Sala Olga Berg.
Asociacion Argentina de Actores
Adolfo Alsina 1762 - CABA - Argentina

"Esta vez no han venido con tanques, han sido acompañados por generales multimediáticos..."

(Cristina Fernández de Kirchner,
Presidenta de la Nación)

"Fox News lleva a cabo una guerra contra Barack Obama y la Casa Blanca... "

(Anita Dunn.
Directora de Comunicaciones de la Casa Blanca)

LA ESCENA FAVORITA

2010-10-04T10:24:00.000-03:00

Me gusta mucho el cine de Lina Wertmüller, varias de sus películas, pero me acuerdo especialmente de una, Pasqualino Settebellezze, quizá porque conocí circunstancialmente a su actor y quedé prendado de su trabajo. Hay en la película una secuencia que me pareció notable, por su valor etnocéntrico, que es la secuencia en la que la capo, aquella enorme mujer alemana, gorda tetona llena de músculos, y culo y piernas anchas y grandotas, lo obliga a Pasqualino a que le haga el amor en una especie de sillón-diván que tiene ella en su oficina, en el campo de concentración. Y él, trabajosamente, con todo el rechazo que eso le provoca, se sube a ella como escalando una montaña –es una secuencia que está muy bien filmada– y logra el cometido sobre ese enorme pedazo de carne, con bastante vergüenza interior.

Luego hay otra escena memorable. La mujer obliga a Pasqualino a hacer lo mismo varias veces. Y en un momento están evaluando un poco el sentido y fin de esta guerra tan terrible y ella dice: Ustedes, ignorantes, brutos gusanos mediterráneos, van a ganar el mundo justamente porque no tienen ideales ni tienen vergüenza ni amor propio, pero son el epítome de la condición real de la subsistencia, y así se subsiste en un mundo sin valores. Me pareció una especie de acto de contrición ideológica de parte de esta mujer; la definición exacta que tenían los arios, en este caso los nazis, del mundo mediterráneo.

Es una secuencia que tiene una enorme cuota de patetismo y de rebajamiento, e impresiona toda la presunción moral de esta mujer que obligaba a realizar el acto sexual a este tipo al que por supuesto lo desmotivaba ese continente enorme de grasa, que con su cara rubicunda de chucrut y salchicha seguramente conseguiría pocos tipos en la vida.

Vi Pasqualino Settebellezze unos días después de su estreno y, como dije, había conocido a su actor, Giancarlo Giannini, en una presentación que se hizo aquí en Buenos Aires. Lo había traído la productora y se organizó una conferencia de prensa con un montón de gente interesante, pero ese día el traductor falló –no recuerdo por qué motivo–, y un tipo de la producción me llamó para preguntarme si yo, que hablaba italiano, no me animaba a ocuparme de la traducción. Le dije que sí y así lo conocí a Giannini, un tipo notable, con una gran simpatía y una especie de laxitud filosófica a la hora de hablar de su carrera: él decía de sí mismo: Esto es lo que hago, no sé si podré seguir siendo actor en el futuro, pero no tengo ningún tipo de posibilidad de creerme alguien importante, porque en general las películas pueden hacerlas veinte actores diferentes. Y creo que eso me condicionó para verlo con simpatía y con más “piedad” –no sé si ése es el término justo– cuando vi al personaje de Pasqualino en esa secuencia. Por entonces Giannini ya era conocido, ya había hecho varias películas importantes, y ya había trabajado con Lina Wertmüller en esa película en la que Sofia Loren tiene dos amantes, Amor, muerte, tarantela y vino. Era una época en la que el cine italiano se vendía como pan caliente: ese mismo día, hablando de tantas cosas, muchas intrascendentes, me dijo también: Estamos haciendo tantas películas para vender el modo de ser itálico, la famosa commedia all’italiana, que cada actor, cada guionista, cada iluminador pide cuantiosas sumas de dinero, que se le pagan, y cada vez queda menos dinero para hacer la película.

Con Giannini no nos volvimos a ver, pero el destino me puso en una disyuntiva de esas un poco patéticas años después, cuando Guillermo del Toro estaba por hacer Mimic, esa película de las cucarachas gigantes, con Mira Sorvino, y me llamó para hacer un personaje. Yo, que tenía un compromiso en España con un director holandés, me lo perdí, y ese papel lo hizo Giannini.

En cuanto a la película de Wertmüller –una directora que me gusta mucho, un ser humano importante, vamos–, es un film que volví a ver varias veces, una vez cada tanto, pero como vuelvo yo a rever los films que me gustan: no lo busco especialmente, así como no me gusta almacenar dvds ni vhs; no tengo pasión de cinéfilo coleccionista, me gusta ver las películas un poco por casualidad, tropezarme con ellas, y repetir cada tanto un acto ocurrido hace tiempo con una suerte de pátina de virginidad. Mantiene el interés vivo.

Me gustaría que se filmaran más películas como Pasqualino Settebellezze, más películas que vuelvan sobre aquellos temas y aquella época, no necesariamente hechas con rigor histórico o pautas veristas, pero sí que recuerden el pasado; porque creo que a veces olvidamos el profundo pozo en que cayó la humanidad en esa época. Cuando vemos los discursos de Hitler, o la efigie de Mussolini –como aparece en esa película reciente de Bellocchio, Vincere–, en el discurso de la Piazza Navona, con sus disparatados gestos de personaje de opereta, de la más horripilante estética, y la gente vibrando con eso, reaparece esa condición perversa, eléctrica, de locura. Me gustaría que el cine tocara más a menudo eso, porque, como decía Brecht, hablar del pasado ubicándolo en el algún lugar imaginario nos permite ver el presente con menos precaución, y verlo más a fondo. Y eso es lo que me pasó a mí al menos, con los discursos por la discusión del matrimonio igualitario, al escuchar las cosas que decían algunos de los opositores –diputados, senadores; gente con educación, con dinero, que podrían algún día presidir mi país–; cosas que forman parte de la historia del disparate humano en su más negra acepción. Cosas que nos hacen pensar que no estamos tan lejos de la irracionalidad de los tiempos de la Segunda Guerra, y que por momentos se parecen a la descripción que hizo esta gorda en Pasqualino: parecen bruti vermi mediterraneo, ¡podridos gusanos mediterráneos!

Así se subsiste en el mundo
x Federico Luppi...

Federico Luppi acaba de estrenar en cines la película Sin retorno, ópera prima del director Miguel Cohan, protagonizada por Leonardo Sbaraglia, Martín Slipak, Luis Machín y Ana Celentano.

Pasqualino Siete Bellezas

(Pasqualino Settebellezze, Italia 1975)

Escrita y dirigida por Lina Wertmüller y protagonizada por Giancarlo Giannini, Fernando Rey y Shirley Stoler, Siete bellezas sigue la vida de Pasqualino –un hedonista amoral, apodado “Settebellezze” por su fama de conquistador– a través de la Italia fascista. Cuando se desata la guerra, Pasqualino es liberado de la institución mental a la que fue confinado por asesinato, para poder servir al ejército. Pero, tras desertar, lo capturan los alemanes y lo mandan a un campo de concentración. Allí conoce a otro prisionero italiano, de convicciones anarquistas (Fernando Rey); y, como parte de su plan de fuga, seduce con sus ojos tristes –la marca de Giannini en esta película– a la jefa de la prisión que Luppi describe en esta página. Pero su estrategia se le vuelve en contra: la directora lo nombra comisario de su propio pabellón y lo obliga a seleccionar prisioneros para ser ejecutados, misión que cumple con la ayuda de sus amigos. A medida que avanza, el resto del relato se sume en una amargura cada vez mayor hasta desembocar en un final profundamente triste y desesperanzado.

Nacida en Roma en 1926, de ascendencia suiza y linaje aristocrático, Wertmüller hizo varias de sus películas más célebres, como Mimi metalúrgico, Amor y Anarquía, Noche de lluvia, Amor, muerte, tarantela y vino e Insólito destino, con Giancarlo Giannini, pero fue Siete bellezas la que la convirtió en la primera mujer nominada a un Oscar a mejor dirección. La película fue nominada también al Oscar a Mejor Actor, Mejor Película Extranjera y Mejor Guión Original.

POR UNA COMUNICACIÓN DEMOCRÁTICA

2010-09-28T09:56:00.000-03:00

LA COALICIÓN POR UNA RADIODIFUSIÓN DEMOCRATICA
A.R.B.I.A, LA CO.RA.ME.CO Y EL MPB

CONVOCAN A LA PLAZA

MARTES 28 17.00 HORAS PLAZA LAVALLE

Ante la perspectiva de que en pocos días la Corte Suprema de Justicia de la Nación, resuelva sobre la medida cautelar surgida del recurso de amparo interpuesto por el Grupo Clarín al Art.161 de la Ley 26.522 de Servicios de Comunicación Audiovisual; La Coalición por una Radiodifusión Democrática reafirma: que todos los sectores involucrados en la comunicación deben ajustarse a derecho y en los plazos previstos en la ley.

No es posible que los monopolios que aún conservan posiciones dominantes y más licencias que las permitidas por la ley, resistan su cumplimiento para preservar sus privilegios ilegítimamemente conformados incluso por sobre los límites de concentración que les daba generosamente la ley de la dictadura empeorada por decreto de necesidad de urgencia durante el neoliberalismo de los 90.

La cantidad de licencias previstas por la Ley 26.522 y la consecuente devolución de las usufructuadas durante décadas, son requisitos indispensables, para distribuir la palabra y garantizar la pluralidad comunicacional.

Esta garantía se hará efectiva con la participación popular, rasgo distintivo de todo el proceso que se llevó a cabo desde la elaboración de los 21 puntos, en el año 2004, hasta la sanción de la Ley 26.522, en el año 2009.

Es por ello que convocamos a las organizaciones populares y al conjunto de la sociedad a manifestarse una vez más, para legitimar la Ley.

TOMA DE SEÑAL EN DIRECTO DESDE LAS 16.00 HORAS EN PLAZA LAVALLE

WWW.ARBIA.ORG.AR

WWW.LACORAMECO.COM.AR

www.fmlaboca.com.ar/

Movimiento Peronista Bloguero

http://mpb1945.blogspot.com/

LA LEY DE MEDIOS ES PARA TODOS
PARA LOS MONOPOLIOS TAMBIEN
MARTES
28 DE SETIEMBRE DE 2010
A LAS 17 HS
TODOS FRENTE A TRIBUNALES

ABUELAS X EL NOBEL

2010-09-26T16:39:00.000-03:00

El juez español Baltasar Garzón, la senadora chilena Isabel Allende, el cantante Joan Manuel Serrat y la Selección Argentina de fútbol son algunos de los embajadores de lujo que impulsan la postulación de las Abuelas de Plaza de Mayo para el Premio Nobel de la Paz.

Convocados por la asociación civil Abuelas de la Paz, todos ellos brindaron su respaldo a la organización que preside Estela de Carlotto y abogaron por que el premio que el comité noruego entregará en dos semanas se lo lleve Abuelas “por su incansable tarea”.

La candidatura, impulsada por tercer año consecutivo por el senador Daniel Filmus, fue aceptada por el comité el 20 de abril. Desde entonces, decenas de artistas y personalidades que por su prestigio y trayectoria gozan de una fuerte visibilidad pública se sumaron a la iniciativa y comenzaron a oficiar como sus embajadores ante el mundo.

El arte

“Su causa es la mía”, manifestó Serrat en su carta de apoyo. “Su ejemplo, su compromiso y su trabajo incansable a lo largo de todos estos años han hecho posible no sólo rescatar y restituir a las legítimas familias a muchos niños secuestrados por la dictadura sino también mantener encendida en la sociedad, dentro y fuera de la Argentina, la llama de la conciencia que nos empuja a conocer la verdad”, escribió.

El músico catalán forma parte del Consejo de Notables que el mes pasado hizo su presentación oficial en el Senado argentino. En aquel entonces, el juez Baltasar Garzón –suspendido en su país por investigar los crímenes del franquismo– dio su apoyo a las Abuelas en un acto que compartió junto a la senadora Isabel Allende, la hija del ex presidente Salvador Allende; y el ministro de Seguridad, Justicia y Derechos Humanos, Julio Alak.

El madrileño Ismael Serrano también se manifestó a favor de la iniciativa. Las Abuelas –dijo– “forman parte de una asociación que lucha por la identidad y la justicia, contra el olvido y el silencio. Hubieran preferido no asumir el protagonismo que hoy tienen, pero terribles circunstancias las obligaron a tomar la responsabilidad que al día de hoy las ha convertido en indispensables referentes morales en todo el mundo”, expresó el músico. El autor de “Principio de incertidumbre” relató algunas de las charlas que compartió con Carlotto y con Tati Almeida, la referente de Madres de Plaza de Mayo, y luego confesó: “En cada encuentro trato de contagiarme de su arrebatadora juventud”.

“Aun hoy, hombres y mujeres nacidos entre el ’75 y el ’80, con dudas con respecto a su identidad biológica, siguen acudiendo a las Abuelas en busca de la verdad”, contó Serrano. “Tras el análisis de ADN, después de tantos años, vuelven a nacer al reconocerse en las fotos de los padres reencontrados que las abuelas siempre guardan como un tesoro”, concluyó.

Para el músico Miguel Angel Estrella, embajador argentino ante la Unesco, la acción de Abuelas es “una causa de amor y justicia para pacificar nuestra sociedad”. “Su acción humanista, valiente y de gran coraje ha contribuido no sólo a resistir una dictadura cruel, sino también a preparar el retorno a la democracia –escribió Estrella desde París–. Conquistada ésta, con nobleza e inteligencia ejemplares comenzaron las investigaciones sin pausas para llegar a los juicios de los represores, responsables de la desaparición de sus hijos y del robo de los nietos nacidos durante el cautiverio de sus madres.”

Apoyos locales

Uno de los respaldos argentinos más difundidos recibidos por Abuelas fue el del ex entrenador de la selección nacional Diego Maradona. Junto con el suyo, llegó el de todo el equipo celeste y blanco, que el pasado 24 de mayo desplegó una bandera en el estadio Monumental apoyando la postulación.

En los días previos a la Copa del Mundo, el ex DT recibió en Sudáfrica a Carlotto. Maradona, quien había conocido a la titular de Abuelas en un acto por el 1º de mayo en Cuba, expresó su respaldo a las acciones emprendidas por la organización. “Todos tenemos que estar con ellas”, expresó Maradona, antes de abrazarse con Carlotto en una imagen que recorrió el mundo. Ella prefirió aclarar que que “el mejor premio, siempre, es encontrar otro nieto”.

Otros apoyos locales fueron los de los músicos León Gieco y Gustavo Santaolalla, el rabino Daniel Goldman, el historiador Felipe Pigna, el periodista Pedro Brieger y el filósofo Ricardo Forster. En esa misma línea, Abuelas de la Paz organizó durante las últimas semanas juntas de firmas en distintos puntos del país, buscando darle un espaldarazo popular a la iniciativa. Hasta ayer se habían recolectado más de 12 mil adhesiones.

Las chances

Este año llegó a Oslo la cifra record de 327 propuestas de nominaciones. Se habló, por ejemplo, de una potencial candidatura del presidente de Bolivia, Evo Morales –que obtuvo el respaldo del ex Nobel de la Paz, Adolfo Pérez Esquivel–, pero hasta ahora los integrantes del jurado mantuvieron un fuerte hermetismo sobre los potenciales competidores de Abuelas. Todo parece indicar que, fiel a su estilo, el Comité que desde 1901 entrega los premios mantendrá en secreto la nómina final.

El ganador será anunciado en Oslo el viernes 8 de octubre y la ceremonia de entrega de premios tendrá lugar el 10 de diciembre, cuando se conmemore la muerte del sueco Alfred Nobel, ideólogo del galardón.

“Se lo merecen por muchas razones, no sólo por las históricas –expresó Filmus al justificar la iniciativa–. No sólo por haber peleado en épocas en las que el terrorismo de Estado imperaba en la Argentina, sino porque siempre han buscado justicia y memoria, y nunca la venganza ni la revancha personal”, agregó.

Argumentos similares brindó la organización Abuelas de la Paz. “Con su lucha infatigable se han transformado en uno de los principales paladines y símbolos del valor de la democracia y la paz en América latina, uno de los continentes más golpeados por las interrupciones del orden constitucional”, expresaron sus referentes. En menos de dos semanas se sabrá si finalmente llegó la hora de ese reconocimiento.

Página 12

ALBERTO ADELLACH

2010-09-20T17:20:00.005-03:00

Es uno de los dramaturgos argentinos más importantes que tuvo la Argentina. Obtuvo un Martin Fierro en 1975 y fue premio Casa de las Américas en 1981, entre otros premios, cuando vivía desde hacía varios años en el exilio, tras ser incorporado a una de las listas negras de la Dictadura cívico militar que destruyó el país a partir de 1976, y que durante una semana mantuvo en calidad de desaparecidos a dos de sus hijos.

Vivió en España y México, y finalmente en Estados Unidos, en donde murió en 1996, a los 63 años, de cáncer, sin haber regresado nunca a Argentina. Durante los 20 años de exilio prácticamente no escribió, porque había perdido su público.

En Nueva York logró terminar ‘Romance en Tudor Place’, cuyo personaje femenino principal es una Madre de Plaza de Mayo.

Se trata de una denuncia feroz de lo que estaba sucediendo en su país, un dedo acusador implacable que señala las desapariciones y por supuesto torturas y demás etcéteras que no creo necesario explicarles a mis compatriotas. En 2004, el Instituto Nacional del Teatro en Argentina publicó sus obras completas en tres tomos en un homenaje póstumo. No sé si también tardío, porque hace décadas que vivo en Estados Unidos y no puedo precisar si después de 1983 se montaron obras suyas en Argentina.

Ahora, a 14 años de su muerte, uno de sus trabajos, Sabina y Lucrecia, vuelve a ser montada en Nueva York. Una actriz es Johanna Rosaly, puertorriquena que en 1980 alcanzó gran éxito con una telenovela, ‘Cristina Brazán’. La otra actriz es Eva Cristina Vázquez, también puertorriquena. El estreno será el próximo 23 de septiembre en el teatro El Círculo y después de tres semanas será presentada en Puerto Rico en el teatro Victoria Espinosa.

Lo importante de esta información es que un autor argentino que fue forzado a exiliarse es recordado a casi tres lustros de su muerte, a gran distancia de su país.

Sería importante que alguien recogiera esta inquietud y revisara los trabajos de Adellach e intentara presentarlos otra vez a ese público que tanto él quería, que cuando dejó de verlo, sentirlo, escucharlo, y hasta olfatearlo, se quedó sin inspiración para continuar escribiendo, porque Adellach necesitaba a quien escribirle.

Rodolfo C. Quebleen
(New York, USA)

Rubens Correa

Homo dramaticus

Chau papa

Esa canción es un pájaro lastimado

Julia

Alberto Adellach comenzó a estrenar sus textos en 1966, a la vez que se destacó también como autor televisivo. Entre sus premios se destacan el correspondiente al Fondo Nacional de las Artes (1968) como autor de televisión, el del Centro Editor de América Latina (1969) por su “Breve historia del teatro argentino”, y el de Argentores y el Martín Fierro como mejor autor televisivo del año 1975.

Entre sus obras se destacan “Chau Papá”, “Sabina y Lucrecia”, “Historia de desconocidos”, “Por amor a Julia”, “Esa canción es un pájaro lastimado”, “Album de familia” y “Arena que la vida se llevó”.

Ya en el exilio obtuvo el Premio Casa de las Américas (Cuba, 1981), por una versión libre de “El rey Lear” de William Shakespeare, y el segundo premio del Instituto Nacional de Bellas Artes (México) en el rubro Teatro (1979) .

Su producción dramática fue representada en español, italiano, inglés, alemán, francés, portugués y polaco.

EN EL LUNA O EN CASA

2010-09-13T20:41:00.001-03:00

SALVADOR ALLENDE VIVE

2010-09-10T21:15:00.003-03:00

Yo pisaré las calles nuevamente

Yo pisaré las calles nuevamente
de lo que fue Santiago ensangrentada,
y en una hermosa plaza liberada
me detendré a llorar por los ausentes.

Yo vendré del desierto calcinante
y saldré de los bosques y los lagos,
y evocaré en un cerro de Santiago
a mis hermanos que murieron antes.

Yo unido al que hizo mucho y poco
al que quiere la patria liberada
dispararé las primeras balas
más temprano que tarde, sin reposo.

Retornarán los libros, las canciones
que quemaron las manos asesinas.
Renacerá mi pueblo de su ruina
y pagarán su culpa los traidores.

Un niño jugará en una alameda
y cantará con sus amigos nuevos,
y ese canto será el canto del suelo
a una vida segada en La Moneda.

Yo pisaré las calles nuevamente
de lo que fue Santiago ensangrentada,
y en una hermosa plaza liberada
me detendré a llorar por los ausentes.

Pablo Milanés
(1974)