martes, 30 de julio de 2013

QUÉ SIGNIFICA PUBLICAR UNA CARTA EN LA NACIÓN







Estela de Carlotto, titular de Abuelas de Plaza de Mayo, se mostró "dolida" por la dura carta que le dirigió el productor y director teatral Carlos Rivas en la edición de hoy de LA NACION y defendió su apoyo a la reforma de la Justicia, que impulsó Cristina Kirchner.

"Asombrada, pero dolorida a la vez. Qué bueno hubiera sido que toque el timbre de nuestra casa y le habríamos dado las explicaciones, coincidentes o no, que tenemos para hacer estos actos visibles de una política de derechos humanos", afirmó Estela, en una entrevista con Radio Continental.

La presidenta de Abuelas de Plaza de Mayo criticó al director teatral por haber publicado una carta en este matutino. "Está muy desinformado. Todo esto es producto de una ira que tiene este hombre, no sé qué fantasía habrá tenido, a lo mejor se habrá creído que soy la Virgen María y soy Estela de Carlotto, una luchadora con errores y virtudes, junto a todas las Abuelas que hace 35 años luchamos para que él y sus hijos no sufran nuevamente un atropello y que le roben el día que se le antoje a esta gente que escribe en ese diario dónde el publicó en contra de esta democracia que estamos construyendo entre todos", afirmó.



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Recordemos que el director de LA NACION, Bartolomé Mitre, afirmó en un reortaje en Brasil que en la Argentina no había una democracia sino una dictadura de votos.

Recordemos que el director de LA NACION, Bartolomé Mitre, junto al CEO de Clarín, Héctor Magnetto, están acusados de delitos de Lesa Humanidad por complicidad con la dictadura genocida en la apropiación de la empresa Papel Prensa.


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Clarín, La Nación, La Razón: Papel Prensa y los vínculos con la Dictadura genocida...





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Carlos Rivas escribió un texto, que hizo llegar a LA NACION , donde contó por qué no pudo leer una carta de apoyo a la nueva edición del ciclo Teatro por la Identidad en la sala en la que se presenta una obra que él dirige...






Indignado por un episodio que tuvo lugar días atrás en la sala en la que se representa una obra que él dirige (Love, love, love), el autor, reconocido director y productor teatral, hizo llegar a LA NACION el siguiente texto...
«Nunca fui peronista. Ni creo que lo sea alguna vez. Nunca fui kirchnerista, y tampoco me veo allí en el futuro, si es que esta facción política tuviese algún futuro. No milito ni milité orgánicamente en ninguna organización política. Me sentí más o menos interpretado, a lo largo de casi 40 años, con lo que hoy se da en llamar "centroizquierda", algo parecido a las socialdemocracias. Fui a la Plaza a apoyar a Alfonsín. Fui a apoyar la elección de Cámpora. Fui a la cárcel de Devoto a reclamar la liberación de los presos políticos. Fui a muchos lados. Y también fui a la ESMA en aquel famoso acto de principio de gestión de Néstor Kirchner, apoyando la recuperación para las organizaciones de derechos humanos de esa vergonzosa institución militar que manchará eternamente la historia argentina.

»Me gusta ser argentino, a pesar de las innumerables razones (pobreza y corrupción estructurales, represión, discriminaciones) que la práctica política y social de instituciones varias me han ido dando a lo largo de mi vida, para empujarme a sentir vergüenza más de una vez.

»Pretendo ser un artista y colaborar con mi obra a la construcción de una conciencia comunitaria más solidaria, justa, equitativa y de signo nacional. Desde hace más de 40 años voy de teatro en teatro actuando y dirigiendo obras que me alimenten en la comprensión de la vida humana y sus misterios. No soy político. Pero no soy estúpido, creo. Sé que mis actos públicos (a través del teatro) constituyen un acto, también, de naturaleza político-social. Bienvenido sea, pero esencialmente soy un artista (lo pretendo) del teatro argentino.

»Admiro la lucha de la Madres de Plaza de Mayo en los "años de plomo". Admiro la lucha de las Abuelas y la altísima dignidad con la que buscan a sus nietos. Admiré (y quisiera que ella me permitiera seguir haciéndolo) a la señora Estela de Carlotto, con un énfasis que tuve el honor de transmitirle personalmente pocos meses atrás, cuando tuvo la deferencia de responder a una invitación nuestra y asistir a una función de la obra Love, love, love , que dirijo. Aunque aborrezco las actitudes "cholulas" y huyo de ellas como de la peste, le pedí que me permitiera tomarme una foto a su lado para mostrársela a mi hijo, con orgullo.

»Hace unos días me piden que se lea al público una carta apoyando la nueva edición del ciclo Teatro por la Identidad al finalizar la función de nuestra obra, como es costumbre en todos los teatros de Buenos Aires. Decenas de veces lo hicimos en otros espectáculos y yo mismo, en persona, fui el encargado de leerlo alguna vez. Siempre lo hice muy entusiasmado, como un acto que me obligaba moralmente y a la vez me enaltecía.

»Pero esta vez, con enorme dolor, no pude, Estela. La encrucijada moral en la que usted y su organización me encerraron no me dio alternativa. De ahí el motivo de esto que hoy me siento compelido a expresarle.

»Al llegar al teatro donde se representa nuestra obra con la intención de leer vuestra carta, me encontré en la puerta misma de nuestra sala (dentro del teatro, no en la calle) con un grupo de legítimos adherentes de Abuelas repartiendo al público que se retiraba el periódico oficial de su organización. En la primera plana estaba una gran foto suya junto a la señora Gils Carbó, apoyando la exótica y tendenciosamente bautizada "democratización de la Justicia". Había también otros titulares de primera plana acusando a la Corte Suprema de la Nación de atentar contra actos legítimos de gobierno, por el solo hecho de cumplir con las funciones a las que la Constitución (con la que este gobierno fue elegido) la obliga. En mi barrio no estaba bien visto ir corriendo los arcos en medio de un partido. Imposible para mi conciencia ética ser cómplice de semejante autoritarismo encubierto, contra el que traté de luchar durante toda mi vida. Con la carta de Teatro por la Identidad en la mano, a punto de leerla, me sentí violentado ideológicamente. Víctima de una encerrona fáctica que pretendía obligarme a convertirme en Drácula si la leía o en Frankenstein si no lo hacía.

»Pero aun había agravantes éticos más repugnantes a mi conciencia. Esto ocurría el día en que la presidenta de la República pretendía que se aprobara el pliego del general Milani, mientras una madre de desaparecidos de La Rioja lo acusaba de responsabilidad en la desaparición de su hijo conscripto.

»Todo esto, además, estando en plena campaña electoral.

»¿Cómo no leer al público la carta que apoya el noble objetivo de ayudar a la recuperación de hijos de desaparecidos? ¿Cómo leerla sin estar implícitamente apoyando acciones netamente partidizadas por una organización que (a mi juicio) jamás debió abandonar su misión de reclamar desde ese lugar de dignidad ética, que no es propiedad de ningún gobierno, cualquiera sea su signo político?

»Decidí no leerla: no quiero ser parte obligada de la campaña electoral del gobierno nacional. Y pedí que si alguno de mis compañeros de trabajo en el teatro quisiera hacerlo, aclarase al finalizar que no todos los integrantes de la compañía coincidían con esta acción. Debatimos, y se concluyó que no la leeríamos. Así fue. Por primera vez una compañía en la que yo participo no adhirió a lo que siempre habíamos adherido con el corazón.

»Tristeza, congoja, desazón. Dolor profundo. Angustia. Noche de pesadillas en mi cama.

»Decidí escribir este doloroso texto para explicarme. Decirles a mis amigos, a mi hijo, por qué "traicioné" la noble búsqueda de Estela de Carlotto a pocos días de fotografiarme con ella.

»Ayer vi un cartel de la campaña política del Gobierno: "En la vida hay que elegir". Por debajo del afiche creí ver chorrear el pegamento del autoritarismo.

Elijo la duda. No es pragmática y trata de eludir la soberbia de los necios».




Raro que un tipo ta progresista, dizque de "centroizquierda", publique una carta abierta a las ABUELAS en un diario manchado de sangre.

Raro que un tipo tan admirador de la altísima dignidad de las ABUELAS no quiera colaborar en encontrar los 400 nietos que faltan.




miércoles, 17 de julio de 2013

LEY DE DOBLAJE YA




Tal como anunció ayer la presidenta Cristina Fernández de Kirchner, hoy fue reglamentada y publicada en el Boletín Oficial una ley que establece que todos los contenidos audiovisuales que se emitan por televisión deberán estar doblados al castellano neutro por actores y locutores argentinos.

    «También, ayer, he firmado dos instrumentos: uno que es el envío de un proyecto de ley, bajo el número creo, si mal no recuerdo, número 932, al Honorable Congreso de la Nación, para precisamente equiparar las autorías nacionales, para fundamentalmente que el teatro nacional, los autores nacionales, sus traductores, cuando sean autores extranjeros, y cuando son extranjeros los que lo hacen, pero que tienen cinco años de residencia en el país, tengan los mismos derechos y la verdad que es una cosa muy importante, al igual que poner en vigencia – algo que era letra muerta, en la Argentina – y que era la Ley y la obligación de doblaje nacional, de todas las series. Porque de acá creo que es bueno hacer una distinción, porque esta ley data del año 1988, si mal no recuerdo, su decreto reglamentario, pero nadie lo hacía cumplir. Y la verdad que yo que he sido legisladora, durante muchos años, uno puede sancionar maravillosas leyes, pero si no está la voluntad política del Estado –representada en su máxima expresión– de que esas leyes se cumplan… raro que nadie puso una medida cautelar, che, por eso. Raro, se les perdió, se les escapó a algún juez, porque la verdad debieron haber puesto alguna medida cautelar para hacer cumplir las leyes que benefician a los argentinos, pero parece ser que las cautelares están solamente para impedir que se cumplan las leyes que benefician a los argentinos...»

Según indica en la norma en su artículo 9, "la programación que se emita a través de los servicios contemplados por la citada ley (en referencia a la ley de Servicios de Comunicación Audiovisual), incluyendo los avisos publicitarios y los avances de programas, debe estar expresada en el idioma oficial o en los idiomas de los Pueblos Originarios, previéndose asimismo una serie de excepciones al respecto".

Y agrega que "la televisación de películas o series, debe realizarse en idioma castellano neutro, respetándose el uso corriente de dicho idioma en nuestro país, pero garantizando que el mismo resulte comprensible para todo el público de la América hispanohablante".

Respecto de las excepciones, se toman en cuenta las planteadas en la ley de Medios que contempla:

a) Programas dirigidos a públicos ubicados fuera de las fronteras nacionales;

b) Programas destinados a la enseñanza de idiomas extranjeros;

c) Programas que se difundan en otro idioma y que sean simultáneamente traducidos o subtitulados;

d) Programación especial destinada a comunidades extranjeras habitantes o residentes en el país;

e) Programación originada en convenios de reciprocidad;

f) Las letras de las composiciones musicales, poéticas o literarias.

g) Las señales de alcance internacional que se reciban en el territorio nacional.

El Decreto 933/2013 firmado por la jefa Estado reglamentó la ley Nº 23.316 sancionada por el Congreso en 1986, pero hasta ahora nunca aplicada. Además, se basa en la ley de Servicios de Comunicación Audiovisual.

La intención de la normativa y su aplicación es "la defensa de nuestra cultura e identidad nacional, circunstancia que se garantiza a través de la actividad desarrollada por actores y locutores que posean nuestras características fonéticas".




sábado, 6 de julio de 2013

1.000 x EL CINE







Mil personalidades del sector audiovisual firmaron un documento en defensa del trabajo para productores, directores, actores y técnicos de cine y televisión, con el objetivo de sostener las políticas públicas y audiovisuales del Estado nacional luego de las denuncias que se ventilaron en los últimos días.

"Gracias a los subsidios a la producción (audiovisual), hoy se generan más de 100.000 puestos de trabajo al año en el país para productores, directores, actores y técnicos de cine y televisión, generando la industria audiovisual más poderosa de Latinoamerica", expresa el texo.

El comunicado, encabezado con el título "Apoyamos y defendemos las políticas públicas y audiovisuales del Estado Nacional", lleva más de 1.000 firmas y se da a conocer cuatro días después de que en su programa "Periodismo para Todos" Jorge Lanata intentara sembrar sospechas sobre una de las políticas públicas más efectivas de los últimos años.

Los actores Alfredo Alcón, Pepe Soriano, Mercedes Morán, Cecilia Roth, Darío Grandinetti y Pablo Echarri; los realizadores Luis y Lucía Puenzo, Ana Piterbarg, Jorge Nisco y Bruno Stagnaro y los productores Bernarda Llorente, Esteban Mentasti, Hernán Musaluppi y Verónica Cura, son algunos de los firmantes de la larga lista de adherentes y promotores de esta declaración pública.

También acompañan el documento distintas entidades del sector como la Cámara Argentina de Exhibidores Multipantallas, la Cámara Argentina de Productoras Pymes Audiovisuales, el Consejo Federal de la Televisión Pública, la Cámara Industrial de Productoras de Animación, la Asociación de Realizadores Integrales de Cine Documental, Directores Independientes de Cine, Proyecto Cine Independiente, la Asociación de Productores y Directores de Cine Documental Independiente de Argentina, entre otros.

El documento agrega que "2.000 empresas productoras de cine y televisión, de las cuales el 40 por son de las provincias de todo el país; 150 largometrajes al año, 50 cortometrajes, 2000 horas de producción para televisión, con más de 290 premios internacionales en los últimos 4 años", son el resultado de una política oficial efectiva que apunta a la industrialización y el fortalecimiento de la industria audiovisual en el país.

En este sentido, los firmantes agregan: "Agradecemos a nuestra Presidenta, Dra. Cristina Fernández de Kirchner, la decisión política de apoyar, subsidiar e impulsar a todo el sector, con enorme respeto a la diversidad, la libertad de expresión y la participación de todas las voces".




jueves, 27 de junio de 2013

EVITA EN EL TEATRO EN LA HOGUERA





Un icono es un signo que mantiene una relación de semejanza con el objeto representado. Eva Perón es “una” mujer; Evita es “esa” mujer, el icono. En la mayoría de las ficciones que se han elaborado sobre ella, se tiene la sensación de estar viéndola. Dicho de otro modo: el dispositivo ficcional apunta a hacerle creer al espectador que es Evita quien está allí. Que la actriz está en lugar de. Que es icono de otro icono, que sería Evita. Por eso casi todas las Evita, en cine y en teatro, tienen rodete y cabello rubio. En Eva Perón en la hoguera, unipersonal sobre el poema de Leónidas Lamborghini, Cristina Banegas no busca imitar a esa figura, aunque hable en primera persona. La obra nace de una ausencia o, mejor dicho, de una presencia irremplazable. Lo que hay de Eva es sólo una parte.

Muchas veces, cuando el teatro revive a seres, lo explicita. Victoria Moréteau, por ejemplo, al encarnar a Alfonsina Storni (en Alfonsina y los hombres) explicaba que ella era la poetisa, que había vuelto de la muerte. Al interpretar a Marx, Carlos Weber contaba al principio que él era el sociólogo y que le habían concedido un permiso especial para volver a la vida. Banegas actúa en Eva Perón en la hoguera como si fuese una médium, como si Evita, desde alguna parte, hablara a través de ella. Lo que se pondera en esta puesta no es la falsa sensación de la presencia de Eva, estrategia que sigue siendo efectiva porque cualquiera que la admire no podría desear otra cosa que su resurrección. En esta obra lo que está en primer plano es la palabra de Eva –releída por Lamborghini y luego por Banegas–, y en este punto la actriz ofrece un trabajo inmejorable.

Vestida íntegramente de negro, Cristina Banegas lo dice casi todo sin desplazarse, desde el centro de un escritorio del que cuelga la bandera argentina, y a veces su rostro queda oculto detrás de un enorme micrófono que oficia también de iluminación. Saborea cada palabra de ese texto roto, posmoderno en su forma (aunque de 1972); permite que el público celebre la sutileza de la poesía. Cada palabra tiene su propio peso. Cada corte –lo que en el texto serían los guiones y los puntos que lo fragmentan, generando un curioso contrato de lectura–, también. En los últimos años, Banegas viene profundizando su relación con textos literarios –como en Molly Bloom, adaptación del Ulises, de Joyce–, y aquí se nota su búsqueda: la de ser una escultora de la palabra. Ella toma lo que está escrito y no lo modifica, ofrece otra cosa. No inventa, descubre.

Son sus manos las que expresan, su cuerpo el que se balancea, su mirada la que por momentos se clava fija en el público. En esta obra, la palabra tiene música. Banegas es una Eva frenética. Esta Eva está varias veces a punto de llorar. Cuando habla Juan Domingo Perón, la actriz cambia la voz, y el público descubre la modificación y ríe. Aunque laten distintas sensaciones en lo breve que es el espectáculo, la obra es más bien oscura. Está atravesada por el dolor, por ese dolor genuino que Evita sentía ante cualquier injusticia, tal como dejó sentado en La razón de mi vida. En Eva Perón en la hoguera no hay datos biográficos. Banegas es la ideología de Eva, inseparable de su sentir, haciéndose carne.

El contexto de una obra, su lugar y su fecha, no puede quedar fuera de ningún análisis. Banegas estrenó esta puesta en 1994, con dirección de Iris Scaccheri. “Sabíamos que ese fantasma (el de Eva) sobre el fondo del menemismo era un fantasma furioso”, contó la actriz. Ahora, en otro momento político, aquel fantasma parece pedir no olvidar lo esencial, reivindicar la transgresión, correr la línea de lo posible. Y también habla con furia, aunque hayan pasado casi dos décadas del estreno de esta pieza. “Todo eso por lo que Eva luchó sigue ocurriendo”, le dijo la actriz a este diario. “La injusticia, los pobres y la necesidad de fortalecer la justicia social siguen existiendo. Es una palabra presente la de Eva. Está viva y es actual. Es de ahora y de mañana.”

Las funciones de Eva Perón en la hoguera son de entrada gratuita, ya que se dan en el marco de un homenaje a la política y actriz organizado por la Casa del Bicentenario, que incluye otros espectáculos. Al de Banegas le quedan dos viernes. Hay que retirar las entradas una hora antes, el mismo día. Cuando esta cronista vio la obra, muchos espectadores quedaron afuera, porque la sala tiene capacidad nada más que para 80 espectadores. Un punto en contra es que la sala no es específicamente para teatro y las butacas están todas al mismo nivel. Por momentos se ve muy poco. Un punto a favor es que la obra es íntima y cercana y se cubre de resonancias políticas debido al espacio en el que ocurre, que se inauguró para la reflexión de las transformaciones políticas, sociales y culturales producidas en la Argentina en los últimos 200 años.



miércoles, 26 de junio de 2013

VUELVE EL GAUMONT





El histórico cine Gaumont, donde funciona el Espacio Incaa Km 0, reabrirá sus puertas el lunes próximo, 1 de julio a las 18.30, luego de ser comprado y restaurado por el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (Incaa).

Con más de 100 años de historia, el Gaumont se encuentra ubicado en la Avenida Rivadavia 1635, justo frente a la Plaza del Congreso, y es la sala inaugural del programa Espacios Incaa, dedicada al cine argentino y por la cual pasan medio millón de espectadores al año. El acto de reapertura se llevará a cabo luego de que se recuperaron y pusieron a punto las salas, las pantallas y los proyectores del clásico cine. En la ceremonia estará presente la presidenta de ese organismo, Liliana Mazure. Las obras de restauración comenzaron en abril pasado, luego de la aprobación de la ley de protección estructural en la Legislatura porteña, en julio de 2012, y de que el Incaa comprara la histórica sala en febrero de 2013.









domingo, 2 de junio de 2013

GELMAN: «Bucean los poetas para encontrar lo que no tiene nombre todavía...»








Desde su casa en México, el autor de Poemas de Sidney West, cuenta cómo fue escribir su reciente libro «Hoy», luego de conocerse la sentencia contra los asesinos y torturadores del centro clandestino de detención Automotores Orletti.

Juan Gelman dijo, hace muy poco, que “en poesía el tema es lo de menos; mientras sea poesía, puede hablar de cualquier cosa”.

Tomando esa frase como disparador, sumando a ella la reciente aparición de su libro «Hoy», escrito luego de conocerse las condenas a los asesinos y torturadores del centro clandestino de detención conocido como Automotores Orletti, nos contactamos con el Premio Cervantes en su casa de México y cruzamos mails –cruzar mails con Juan Gelman es divertirse con los contratiempos informáticos, casi una manera de sentirlo charlar del otro lado de la mesa– para realizar esta entrevista...




–A lo largo de su producción poética, ¿qué cosas quedaron afuera todavía, como materias pendientes de resolver a la hora de sentarse a escribir?

–Uno no se sienta a escribir para resolver materias pendientes. La única materia pendiente cada vez es el poema, la expresión de lo que la imaginación encuentra en la vivencia.

–En contrapartida, entonces, ¿qué temas le fueron más afines?

–En mi opinión, y vuelvo a lo que dispara esta entrevista, el único tema de la poesía es la poesía y por eso puede hablar de todo.

–Y en cuestión de palabras, ¿cuáles son esas, principales, profundas, que aparecen como caballitos de batalla o como decidoras de algo que quiere escabullirse?

–Depende del tono de lo que se está escribiendo. La música de los versos de amor no es igual a la de los versos del desamparo.

–Su último libro –ateniéndose, antes o después de su lectura, al texto de contratapa (“Los textos de Hoy fueron escritos después de las sentencias condenatorias a los asesinos y torturadores de Automotores Orletti”)–, ¿puede leerse como una consecuencia? Señaló que en el juicio de Automotores Orletti dictaron perpetua a uno de los culpables del asesinato de Marcelo y que, mientras algunos jóvenes que no habían vivido la dictadura saltaban de alegría, usted no sentía nada, ni odio, ni alegría. Y continuó diciendo que al preguntarse el porqué de esa reacción, decidió escribir “para explicarme qué había pasado”. ¿No lo atemorizó ese “no sentir nada”, cómo se repuso de esa sensación o, mejor dicho, de esa ausencia de sensación?

–No, no me atemorizó, más bien me abrió la pregunta de por qué era así. Habían pasado 35 años del asesinato de mi hijo Marcelo y de mi nuera María Claudia y del robo de mi nieta en los que sentí muy hondo el dicho mexicano: “Justicia tardada, justicia negada”. Néstor Kirchner puso fin a esa situación de impunidad y también pasaron años antes de que se condenara a algunos de los victimarios. El tiempo no desgasta la voluntad de justicia, pero ya era cosa cantada. Para explicarme por qué no sentía nada empecé a escribir los primero textos de Hoy.

–¿Cuándo decidió quitar los primeros textos, los que pensó –como dijo– que eran periodísticos? Y, dicho esto, ¿cuándo y cómo apareció el tono poético?

–Los primeros textos eran, en efecto, periodísticos, crónicas, testimonios, pequeños relatos que no me decían mucho. En medio de ellos surgió el primer texto poético y por ahí se fue el resto.

–¿Qué sintió al descubrir que “ese” y no otro era el tono indicado?

–Que la necesidad de expresión me llevaba por ese camino y no por otro.

–Señala en el texto XXVI que “la relación entre las cosas y la palabra que las nombra no rinde...”, ¿cómo seguir, entonces, escribiendo, desde qué otra relación?

–Podríamos decir, como se usa tanto ahora, que es una cita fuera de contexto, que no indica para nada que no se pueda escribir. Pero la relación de la palabra con la cosa material o inmaterial que nombra es un gran espacio de lo invisible mudo donde bucean los poetas para encontrar lo que no tiene nombre todavía.

–En el mismo sentido, dos textos después (XXVIII), dice “necesitan que secuestro / tortura / asesinato / sean palabras sin materia, distraídas...”. Esa distracción, ¿se puede corregir sólo desde la poesía o, mejor aún, es corregible, qué materia debe aplicarse para lograrlo?

–Creo que los padres y la enseñanza pública deberían oxidar las palabras que disfrazan los hechos. Vivimos en una época en que el recorte de las conquistas obreras se denomina “flexibilización laboral”. Orwell estaría encantado.

–“El único mensaje que se puede dar a quien ame a la poesía es que lea a los grandes poetas de su lengua: definitivamente, esa es la mejor universidad”, dijo. ¿Con qué grandes poetas argentinos –que usen además, si considera que lo hay, un idioma argentino– armaría esa universidad? ¿Sería definitiva?

–La escritura de Raúl González Tuñón, Juanele Ortiz, Paco Urondo, Mario Trejo, Oliverio Girondo, Coco Madariaga, Enrique Molina, Olga Orozco, Edgar Bailey, Joaquín Gianuzzi, Roque Dalton, Antonio Cisneros, Alejandra Pizarnik, para mencionar sólo a los que se fueron, y la de tantos otros son una universidad inapreciable, maestros de quienes se aprende mucho para encontrar la propia voz. Pero no me refería solamente a la poesía argentina (¿o es que en realidad sólo hay una poesía en lengua castellana?), sino a la de toda América latina y España, de Pablo Neruda a Antonio Machado, de César Vallejo a José Angel Valente, de Jorge Boccanera a Federico García Lorca.

–Si me permite el atrevimiento de robarle una pregunta del texto XCV, pregunto: ¿Con qué bondad se mata a la injusticia?

–Permito, nomás. Ahora bien, ¿por qué no inventamos algo?

–Muchos lo imaginamos, quizá por una visión del siglo XIX, escribiendo sentado a una mesa en su casa, cuaderno y lapicera. Pero, en realidad, ¿dónde escribe, cómo, rodeado de qué elementos?

–No soy tan viejo, che. Escribo de noche, en una pieza del departamento que convertí en mi estudio. Allí hay una biblioteca y libros dispersos por todas partes, algunos cuadros, dibujos que me regalaron mis nietos, ceniceros (a granel). Fumo mucho cuando escribo y uso una computadora. Pero lo que más necesito es la noche, su silencio, la abolición del mundo.

–Dice en el poema CXXXVI, “se muere en arrabales de sí mismo, altos fuegos preguntan qué es un padre y se apagan cuando empiezan a oír”, y un poco después, en CXLIII, “en el miedo a la muerte la muerte no vale la pena”. ¿Es posible el exorcismo ante la muerte, es condenable, poetizable –perdón por el término–, esperable o definitivamente un término que atestigua en toda su brutalidad aquella relación a la que hacía mención entre palabra y cosa?

–Bueno, me parece que vivir con miedo a la muerte es morirse antes de tiempo. La muerte es el “Mal” último y no hay exorcismo que la pare. Por lo demás, Borges decía que si se supiera qué pasa después desaparecería el 99 por ciento del arte en el mundo. ¿Quiso decir que el arte y la palabra existen contra la muerte? Tal vez.

–Hay poemas dedicados a su hijo Marcelo, sobre todo, pero también a Miguel Briante, a Antonio Cisneros, a Chavela Vargas, a Mario Trejo, entre otros. ¿Son pedazos que le faltan y de allí la consecuencia de nombrarlos para volverlos a reunir o es un grito hacia lo irremediable?

–Bien decís que son pedazos faltantes de uno mismo que sólo pueden llenar los recuerdos, malos o buenos. Les dedico poemas cuando alguno de ellos me visita ese día por alguna razón particular.

–¿Puede imaginar a alguno de los condenados en el juicio de Automotores Orletti leyendo su libro?

–Ayudame, dale, ¿cómo suponés que lo harían?

–¿Hubo dolor, bronca, desasosiego en la escritura del libro?

–Proust opinaba que el que escribe es un desconocido que vive en el fondo de cada uno y que, llegado el momento, sale y escribe. No sé cómo la pasó “ése” cuando escribía los poemas de Hoy, mientras yo era feliz, porque el acto de escribir es una gran felicidad. Hay poetas que viven para escribir y otros escriben para vivir, como decía Marina Tsvetáieva. Creo que pertenezco a la última tribu.





Anticipo: 5 poemas de «Hoy»


XXVI
Hay furores en la clandestinidad de la experiencia, iras que embisten los arrimos de la melancolía. La naturaleza humilla la soberbia señoril, levanta mal su suerte en bancos de salvaje. El presagio común de la miseria vuelve a su posición. Alguien pregunta por las infraestructuras del horror como si los cisnes de Sor Juana no pudieran abrir ese misterio. Es el tiempo de las deserciones interiores. La relación entre las cosas y la palabra que las nombra no rinde y nubes de oro llueven muerte.

XXVIII
Las compasión tiene lotes estériles, necesitan que secuestro / tortura / asesinato / sean palabras sin materia, distraídas / retrocedentes / no pegadas a dictadura militar / a cuerpos vivos tirados al océano. Los inquilinos del no oír / antes / después / mercadean ansias oblicuas, desiertos negros, fugas. ¿Y qué hacer con las palabras otras / salvajerías del capitalismo / niños que mueren antes de su niño? / ¿Sabés tu saber, niño? Preguntaba Benn. Soportar las estaciones crudas / alumbran cuando pueden / dan animales vestidos de civil como si fuera tanto.

XCV
En la mano que disparó al enemigo hay restos de maldad. ¿Con qué bondad se mata a la injusticia? El pájaro que come flores mancha actos del tiempo / el mar no acepta amor que mal termina. El espíritu económico es carne de esclavitud violenta. Viola el paisaje que le fue rey de niño. Morirá sin honor cuando Beowulf vuelva a blandir su espada contra los fuegos venenosos / las primaveras malparidas / nadie en la sala de los nombres.

CXXXVI
Un cortejo de mendigos pasa pidiendo aprobación. La costumbre de etiquetar ensucia imágenes. La pobreza se instala en la estructura del delirio y ministros de las cosas vacunan a los locos. La máquina política aplasta provincias del espíritu. Se muere en arrabales de sí mismo, altos fuegos preguntan qué es un padre y se apagan cuando empiezan a oír.

CXLIII
En el miedo a la muerte la muerte no vale la pena. Los afligidos no interesan, ni los tullidos por amor, ni el portentoso ingenio de un verano. Importa la luz recibida en forma de entrañas para verse. La sensación del cuerpo que termina no vive en rincón cerrado, crea su doble en estaciones impalpables y las alícuotas de pena sin notario. Una calandria ordena el fracaso de un fósforo apagado.








miércoles, 29 de mayo de 2013

RESCATISTAS






La Televisión Digital Abierta presentó una nueva miniserie que será transmitida por la TV Pública. Es una muy interesante historia de vida de un grupo de rescatistas voluntarios y escaladores que se enfrentan, a diario, al peligro en la cordillera patagónica, rescatando personas y salvando vidas.

"Rescatistas” es la nueva miniserie de 8 capítulos protagonizada por Ivo Cutzarida, Gastón Ricaud, Leonardo Proverbio, Claudio Millalonco, Cecilia Clemens y elenco proveniente de las localidades de El Chaltén, Río Gallegos, El Calafate, Comandante Luis Piedra Buena y Pico Truncado. Fue dirigida por Martín Subirá.

Es una nueva producción surgida del plan de Fomento TDA impulsado por el Ministerio de Planificación Federal Inversión Pública y Servicios, y estará de martes a jueves a las 22.30 en la TV Pública.


En cada uno de sus capítulos, filmados en HD, se presenta "una mirada positiva sobre el encuentro conflictivo entre hombre y la naturaleza".

Ganadora del Concurso Series de Ficción Federales 2011, organizado por el Ministerio de Planificación Federal, Inversión Pública y Servicios en conjunto con el Incaa y la Universidad Nacional de San Martín.

La miniserie también estará disponible online en la plataforma de Contenidos Digitales Abiertos (CDA) www.cda.gob.ar, además de pasar a conformar el acervo del Banco Audiovisual de Contenidos Universales Argentino (BACUA).




“Rescatistas”



Elenco:

Ivo Cutzarida (César Vásquez).

Claudio Millalonco (José Rancuiche).

Leonardo Proverbio (Juan Manuel Farías).

Cecilia Clemens (Leonor Tressa).

Gastón Ricaud (René Chávez).



Equipo Técnico:

Dirección: Martín Subirá.

Producción: Ernesto Arcieri; Damián Rud; Carolina Aguer; Lorena Echeverri; Laura Gagliesi.

Dir. de Fotografía: Pablo González Galetto.

Arte: Sergio Rud.

Make up: Ana Passarelli.

Vestuario: Jochi Galí.

Sonido: Martin Vaisman, Paulo Gallego.

Mezcla Sonido La Pua - Gustavo Maciel.

Montaje: Martín Subirá.

Música: César Vernieri, 7 Venas, Ceferino Marino Chamoux, Leo Guzmán.

Cantidad de capítulos: 8.

Formato: HD.






miércoles, 22 de mayo de 2013

TEATRAZO EN VENADO TUERTO




BALANCE DEL ENCUENTRO NACIONAL EN VENADO TUERTO


Con una cifra que superó los 25 mil asistentes a las salas donde se desarrolló la programación, la 28ª Fiesta Nacional de Teatro dejó puestas destacables, que forman un nuevo mapa...



Teatro-danza, murga, cabaret, clown, teatro de texto: hubo de todo en la 28ª Fiesta Nacional de Teatro, que cerró el domingo en la ciudad santafesina de Venado Tuerto. Ciudad de 80.000 habitantes que acompañó al evento federal con un entusiasmo que asombró a todos, especialmente a los teatristas independientes locales, quienes desde hace décadas trabajan para generar nuevas camadas de espectadores. Promediando la fiesta, las entradas se vendieron en su totalidad, y en muchos casos hubo que agregar funciones. Se calcula, por otra parte, que más de 25.000 personas pasaron por las cuatro salas donde se desarrolló la programación. Una grilla que expuso a las claras que continúan los altibajos en materia de formación y producción que diferencian a las seis regiones en las que se divide el país teatral, lo cual constituye un tema insoslayable de reflexión para que el Instituto Nacional del Teatro, organizador del evento, repiense sus políticas de apoyo a la actividad.

Una de las peculiaridades de este encuentro fueron las versiones libres de textos clásicos. Fue muy bien recibido el montaje representante de Santa Fe de El jardín de los cerezos, de Chéjov, con dirección de Edgardo Dib. Por su parte, resultó polémica para muchos la puesta de La casa de Bernarda Alba, de Lorca, por el grupo santiagueño Tucse, que dirige Luis Lobo, la cual debió hacer tres funciones la misma noche, por demanda de entradas. En clave fragmentaria, y subrayando su carácter experimental, Rojo Carnhe, con dirección de la sanjuanina Natacha Sáez, tomó del Hamlet de Shakespeare algunos personajes, en tanto que de Juan Moreira, un clásico de la literatura nacional, también se conoció una versión muy elogiada, Moreira Delivery, dirigida por Hernán Peña y Pablo Felitti, representando a Rosario. La libre reescritura de los mitos clásicos también fue abordada por dos espectáculos muy aplaudidos: Museo Medea, de Tucumán, con dirección y dramaturgia de Guillermo Katz, y Fedra en Karaoke, festivo montaje unipersonal dirigido por Valeria Folini y Juan Kohner, representantes de Entre Ríos. En registro opuesto, Yo culpable, con dirección de Mónica Leal, representando a Misiones, se inspiró en personajes de la Orestiada de Esquilo.

En cuanto a los autores nacionales abordados, se vio de los consagrados Javier Daulte y Daniel Veronese, Caperucita, un espectáculo feroz (por la provincia de Buenos Aires) y La noche devora a sus hijos (por La Pampa), respectivamente. Pero al igual que en otras ediciones, hubo muchos grupos que tomaron dramaturgias de autores de otras provincias. Tal es el caso de la compañía Ele Te de Chaco, que montó una elogiada puesta de Quienay?, del santafesino Raul Krieg. También los mendocinos de La Oveja Negra, que pusieron Contrainteligencia, del platense Nicolás Allegro, y los catamarqueños de la Escuela Provincial, que eligieron Freak Show, del tucumano Martín Giner. Claro que también hubo creaciones colectivas, como ¿Qué soñará Corbalán?, del grupo tucumano Teatro al Manubrio, o Nuestro Vademecum, obra de Los delincuentes, grupo que dirige en Córdoba Paco Giménez.

Si en los primeros días de la fiesta llamó la atención la espectacularidad de Nao, trabajo de títeres y objetos del grupo salteño La Faranda sobre el primer viaje de Colón, obra que hizo funciones en escuelas y pueblos vecinos, hacia la mitad del encuentro otro espectáculo recibió aceptación unánime, aunque muy especialmente por parte de los espectadores de mayor edad. Fue el caso de Qué me has hecho vida mía, obra representante de la ciudad de Buenos Aires, interpretada por María Merlino, con música en vivo de Joaquín Segade, escrita por Marcelo Pitrola y Diego Lerman. Con dirección de este último, el montaje es un racconto musical de la vida de la actriz Fanny Navarro, con múltiples referencias a historias del primer peronismo. Hacia el final, otros dos representantes de la capital del país fueron elogiados: Llegó la música, del grupo Colectivo Escalada, con dirección de Alberto Ajaka, y El centésimo mono, con dramaturgia y dirección de Osqui Guzmán.


desde Venado Tuerto




domingo, 19 de mayo de 2013

EL INSTANTE








“Hacer algo de pronto, sin estudio ni preparación”: la Real Academia Española (RAE) define de esta manera el verbo “improvisar”. E instala, así, la tradicional concepción algo peyorativa del término. Podría decirse que, en un principio, todo fue improvisación, y es en estas circunstancias que la definición de la RAE puede resultar apropiada: la improvisación como pulsión, como primer intento, como acto primitivo, infantil, urgente. La acepción se torna incompleta, si no errada, al referirse a su utilización en el arte, donde funciona como una pieza fundamental en la creación. Allí se recupera la noción de impulso como pensamiento vuelto forma desde el lugar de la experiencia. El arte se nutre de esos momentos de inspiración para luego convertirlos en producciones artísticas. En su intimidad, el artista prueba, juega, experimenta y, de esos intentos, surge finalmente la obra, aquella que, limada, retocada, maquillada y ensayada, llegará al público. La improvisación es un recurso habitual en la mayoría de los lenguajes artísticos: arcilla informe de ideas que va tomando forma a través de los pulidos y del camino transitado hacia la composición. Pero, ¿qué pasa cuando se lleva ese camino al escenario? ¿Qué ocurre cuando ese momento privado, velado, es expuesto al espectador? ¿Qué se hace, en ese caso, con la definición del diccionario?

¿Es verdad que quien se para frente al público sin partitura o libreto es alguien que “hace algo de pronto, sin estudio ni preparación”?

Existe una multitud de artistas consagrados a este tipo de prácticas. Artífices de espectáculos, performances, conciertos, shows, recitales en los que el sentido está puesto en esa búsqueda instantánea e inmediata. Donde la idea es moverse de esa zona de confort, asistir a lugares desconocidos, llegar al público de otra forma, relacionarse con los compañeros en un diálogo inesperado, exponerse a lo incierto desde ese lugar de tranquilidad y despojo que les brinda el dominio de la técnica, explorar los límites –los propios y los de los otros–, encontrarse en situaciones que escapan a la norma. Espacios en los que la lógica se revierte (o se pervierte) para dar lugar a otras lógicas. En los que el recorrido es el fin.

Cuando se piensa en las temporalidades de las obras artísticas, de aquellas que requieren de una instancia de composición y otra de interpretación, es frecuente asignar dos momentos/sujetos de autoría: el de la creación y el de la puesta en escena. Cada instancia tiene sus particularidades, pero nadie duda de que, en uno y otro caso, se requiere de un saber previo, de teoría y entrenamiento, de un trabajo que redunde en el producto deseado, de una infinidad de elementos de la técnica y de la pericia que permitan llegar al resultado esperado. Podría decirse que en el único caso en que composición e interpretación se dan al mismo tiempo es en el caso de la improvisación. Es por eso que el término es frecuentemente reemplazado por expresiones como “composición en tiempo real”, o “composición instantánea”. Esa inspiración, ese impulso artístico que es luego intervenido y está generalmente desdoblado en dos instancias con sus tiempos respectivos, al improvisar se vuelven una sola que da lugar a una obra única, irrepetible, irremplazable, que tendrá un solo momento en el tiempo y el espacio.

Para tal fin, y contrariamente a lo que sobrevuela en el inconsciente colectivo como desprendimiento de esa primera definición de la RAE, es necesario mucho trabajo. Subirse a un escenario y encarar una improvisación es el resultado de un intenso entrenamiento, de horas de estudio y práctica, de una investigación exhaustiva de la herramienta con la que se trabaja, de una idea clara, concisa y elaborada de que lo que se ejercita es una búsqueda en un plano no explorado anteriormente, con la plena conciencia de que cada una de las variantes en juego son fundamentales y estructurales e intervienen de manera activa en la obra en formación permanente. Aquí, un puñado de artistas que se dedican a llevar a escena esos momentos, que viven profesionalmente esa práctica consciente de lo incierto, ensayan algunas definiciones y demuestran que, en esto de improvisar, no son ningunos improvisados.


Las estructuras y lo espontáneo

“La improvisación es una forma de transitar un lenguaje que uno maneja de forma que no haya ningún esquema, o eligiendo los esquemas a los cuales uno no va a recurrir, para dejarlo librado a la percepción artística del momento”, precisa sin titubear Santiago Vázquez, músico, compositor, arreglador, creador y director de La Bomba de Tiempo, el grupo de percusión que, desde hace siete años, se planta cada lunes sobre el escenario y hace vibrar a la Ciudad Cultural Konex (Sarmiento 3131, a partir de las 19). Fue con el fin de dirigir este grupo que Vázquez desarrolló un lenguaje de señas que permite organizar las improvisaciones de los diecisiete músicos que lo integran. Mediante la utilización de esas señas, el director se convierte en una suerte de DJ acústico, que crea una música de tambores y percusión al combinar y replicar las ideas que van surgiendo naturalmente en el grupo. Para él, la improvisación en la música se convirtió en un estilo de vida que lo llevó a explorar todos sus recovecos y a advertir las posibilidades que lo ayudan a extender los límites de esa práctica. El lenguaje de señas que se utiliza en La Bomba permite “ordenar” aquello que los músicos van tocando: cada intérprete improvisa con su instrumento, y el instrumento del director es, en este caso, la cuerda entera de percusión. Se trata de coordinar sin matar la espontaneidad. Es el límite lo que proporciona mayor independencia en el vuelo. Parece contradictorio, pero no lo es: “Es la búsqueda de consistencia en el sentido lo que determina los límites, que son algo internalizado en el sentido estético que se está generando. Esos límites se pueden estudiar y analizar, pero en el momento de la improvisación tienen que darse naturalmente. Simplemente son parte del mensaje”, explica Vázquez. “La improvisación deviene de una seguridad muy grande con el instrumento que te permite fluir sin algunos de los sostenes a los que generalmente se recurre.”


Vedado a actores egocéntricos

Desde los tiempos de la Comedia del Arte, la improvisación es una técnica, una disciplina con autonomía propia dentro de la actuación. Con veinticinco años de trayectoria en el campo de la improvisación teatral y diez años ininterrumpidos de su espectáculo Improvisaciones Mosquito, en cartel en el teatro El Vitral (Rodríguez Peña 344, los sábados a las 23), Fabio “Mosquito” Sancineto puede hablar desde un lugar privilegiado: el de la experiencia. Para él, la improvisación es fundamental para el actor desde el momento en que exige una absoluta horizontalidad respecto del prójimo: “No sólo te ayuda a zafar en ciertas situaciones sino que te enseña a no ser un egocéntrico en el escenario, a compartir el juego, a escuchar”. Para llevar este recurso al plano escénico, se requiere de un nivel de comodidad con la técnica y un conocimiento de las reglas que sólo se adquiere a través de un entrenamiento intensivo. “El improvisador debe tener la capacidad de armar una escena con conflicto, con desarrollo, con personajes bien definidos, a través del humor, o no. Tiene que poder crear una historia sobre el terreno, pero que ocurra de manera natural”, insiste Sancineto. Para él, tan importante como la conexión con los compañeros es la buena relación con el público que, al ser el que elige los temas y los estilos sobre los que se va a improvisar, es a la vez “artífice y colchón” durante el espectáculo. “Uno está trabajando sin red y ellos forman parte de lo que está pasando”, asegura. “Se genera un compromiso de colaboración en el espectador que no ocurre en otro tipo de puestas de teatro tradicional, en las que existe una barrera entre el público y el artista.” En ese sentido, subraya que “la improvisación tiene todo lo que sería beneficioso para una buena convivencia: escuchar al otro, decir que sí en los debates, llegar a acuerdos interesantes, no imponer las opiniones, que todo fluya de manera sencilla, amable, tranquila y con buenos colores”.


Desaprender desde la técnica

La comunicación, el diálogo con el otro, la idea completada en conjunto es un tema recurrente en el entorno de los improvisadores profesionales. Se genera una conexión especial, en cada caso por factores completamente diferentes, entre los artistas y la producción instantánea, que es lo que hace que en cada experiencia exista siempre cierto misterio acerca de lo que está pasando, por qué pasa y hacia dónde va. “Con la improvisación se trata de volver a la práctica primitiva desde una relación más constante con el instrumento. La instancia del profesionalizado y la del principiante nunca están del todo separadas: si matás al principiante, matás la improvisación. Porque erradicás el riesgo, la búsqueda”, sostiene Alan Courtis, un militante de la improvisación y de la música experimental. A este músico se lo conoce por haber formado parte del grupo Reynols, aunque en su prolífica y variada vida musical cuente con cientos de discos grabados y editados en todo el mundo y en las más atípicas circunstancias. La más extrema de todas, su participación en el Proyecto Super Ultra al Norte de Todo, fue tocando en una isla del archipiélago noruego de Svalvard, el lugar habitado más al norte de la tierra. Courtis considera que el campo de la improvisación trata de una comunicación horizontal en la que es posible ver el proceso y ser partícipe de él. “Es importante que no se termine de entender del todo, no dar un producto terminado, que cada uno pueda completarlo a su manera y así, colaborar con eso que se está gestando ahí en ese momento”, asegura. Su definición es la de “una práctica musical que contiene cierto misterio dado por la intervención de varios factores: el sonido, las dinámicas que se generan, la comunicación entre los músicos, lo que pasa con la audiencia, el lugar, el espacio y el tiempo”.


Dilatar el presente

Lo intuitivo, lo instintivo, lo primario, el reflejo, son términos muy ligados en el imaginario general al de improvisación. Pueden ser apropiadas si se trata de la definición de la RAE, la del impulso sin sentido aparente. Pero al tratarse de artes performáticas, si la improvisación es el fin, no sólo una herramienta, hay que pensar en entrenar un mecanismo de manera tal de evitar ese primer impulso que es el que, por lo general, tiende a ir inconscientemente hacia la zona de confort. Fabiana Capriotti es bailarina y coreógrafa, y lleva años investigando y perfeccionando un método que le permite saltear esa pulsión primaria y, en el escenario, tomarse el tiempo mental para llegar a lugares más allá. “Trato de desechar lo primero, extender el momento presente para poder ver otras sutilezas que también se están manifestando y que no tienen la fuerza del hábito”, dice. Es por eso que su trabajo tiende a desarrollar otra técnica, a la que sólo se puede acceder desde una absoluta tranquilidad con el manejo del cuerpo, que permite pasar a una instancia superior de conciencia del movimiento. Capriotti describe la improvisación como un modo de estar en escena, de una lógica diferente en la que es necesario inhibir la reacción, donde no se trata de una respuesta sino de la construcción de un universo particular de ese momento. “Improvisar es develar mundos desconocidos observando los itinerarios que la imaginación, el cuerpo y el pensamiento hacen mientras estás presente, y generar un presente donde no se estuvo antes”, define.

Ese salirse del lugar de confort involucra no sólo al artista sino también al espectador. La bailarina explica que generalmente, quienes participan de este tipo de obras tienen una experiencia mucho más sensorial, física y emocional que racional. Es importante que el público sea consciente de que la construcción también está en sus manos ya que “como no tienen tantas manifestaciones a nivel formal, requiere mucho de su imaginación y su predisposición”.


Para repensar lo posible

Desde Zurich, otra bailarina y coreógrafa argentina describe una concepción alternativa de la improvisación escénica. Laura Kalauz se desmarca del concepto de catalizador de lo presente, escapa a la figura de lo que ella llama “el bailarín vulnerable en el escenario que funciona como antena atravesado por el ahora”, y prefiere investigar el campo de la absurdidad del artista casual. Para ella, lo fundamental es tratar de imaginar las cosas desde otra perspectiva, democratizar las relaciones y empezar a entender al otro como alguien tan capaz como uno. Con ese objetivo creó primero el proyecto “Turist”, en Zurich, y más tarde el “Disculpe Usted Podría Coreografiarme” (DUPC): en ambos casos se trató de una serie de intervenciones callejeras filmadas en las que una bailarina interactuaba en diferentes situaciones con los transeúntes. En el DUPC les pedía a personas que pasaban por la calle que la coreografiaran. Del material obtenido se hizo una recopilación, que luego fue parte de una puesta teatral que terminaba con un monólogo de cuerpo y palabra armado con todo lo que los coreógrafos ocasionales fueron aportando. El espectáculo se estrenó en 2010 en el Festival de Danza de la ciudad de Buenos Aires y luego en España y Brasil (con adaptaciones especiales en cada caso). “No estamos interesados en el movimiento que una persona marca sino en la manera en que lo hace, de dónde viene, qué sucede en esa relación cuando alguien tiene que transmitirle a otro que no conoce una imagen, una idea determinada. El resultado final no importa tanto”, aclara. La improvisación, en este caso, está al servicio de integrar el arte como una especie de bien común, un espacio donde, según sus palabras, “pensar lo impensable, imaginar las cosas desde otra perspectiva”.


Convertirse en sonido

Hasta acá, la mirada de artistas que se salen del patrón establecido y llevan la improvisación al escenario: se desnudan, corren el velo, comparten con el público esa instancia que suele pertenecer a la intimidad, al juego privado, a los entretelones, las bambalinas de la composición. En el jazz, sin embargo, la improvisación es la norma. En los diferentes estilos del género existe siempre, en mayor o en menor medida, un momento de improvisación, desde la ausencia absoluta de estructura del free jazz hasta las pequeñas intervenciones del solista en una big band. Alvaro Torres es un pianista con más de veinte años de trayectoria profesional como intérprete y docente. Hace cinco está a cargo, junto a Jorge “Negro” González y Quintino Cinalli, de abrir formalmente la jam session de Jazz & Pop (Paraná 340, los domingos a partir de las 22), una de las más emblemáticas de la ciudad. Para él, las mejores improvisaciones en la música son aquellas que se van dando de manera orgánica y natural. “Es como con un actor, le creés cuando no te das cuenta de que está actuando –gráfica–. Con la música pasa lo mismo, uno tiene que convertirse en el sonido de su instrumento. Yo creo mucho más en la expresividad que en el virtuosismo”.

Torres está convencido de que la única manera de llegar a ese punto es a través del entrenamiento propio de ese campo, y opina que deben cumplirse ordenadamente tres instancias para llegar a ser un buen improvisador de jazz: estudio, práctica y performance. “Hay mecanismos y herramientas específicos de la improvisación que son los que uno ejercita”, asegura. “Primero la teoría, después la práctica y recién después de tener bien incorporadas las primeras, se puede prescindir de todo eso y salir a tocar libremente”. Su definición es la que cierra el círculo y termina por decir casi lo mismo que la citada al principio de esta nota, pero desde la orilla opuesta, y que finalmente, es la que se planta como un manifiesto, una bandera, una declaración de intenciones: “La improvisación es la expresión, es el arte en sí mismo. Todo lo que uno hace nace de una improvisación. Es la interacción entre el caos y el cosmos. La vida misma”.









domingo, 12 de mayo de 2013

LOS GARCAS (EL LIBRO)





Al comenzar la lectura de Los Garcas. Una tipología Nacional (Editorial Planeta), de los hermanos Vicente y Hugo Muleiro, ya desde su título, da la sensación de que el periodista y escritor, actual subdirector de Radio Nacional, y su hermano colega, otrora director de Télam, entre otras múltiples tareas, se hubieran determinado a trazar irónica y hasta sarcásticamente la genealogía del garca nacional, concepto que surge de la fusión entre el lunfardo que invierte el término cagador y la abreviación de oligarca, categoría política acuñada por el filósofo griego Aristóteles, a miles de años y kilómetros de la Argentina. Sin embargo este voluminoso libro, no exento de ironía ni sarcasmo, se encarga de repasar de un modo tan contundente y por qué no en clave jauretcheana la historia de una clase que desde los tiempos coloniales se encargó de concentrar poder, abusar de él en su propio beneficio y odiar al pueblo. Allí queda clara la intención seria y profunda con la que se escriben estas páginas.

–¿Esa fue la intención desde el principio?

Vicente Muleiro: –Pensábamos que era interesante dar cuenta de que los garcas de hoy no salen de la nada, sino que tienen una apoyatura material y conceptual que tiene su historia en la Argentina, y cuando se dicen ciertas cosas, se puede acudir a la vasta biblioteca del ensayo y la historia argentinos y darse cuenta de que el racismo no es casual, el clasismo no es casual, y que los personajes de hoy heredan muchas de aquellas formaciones o malformaciones con las que se arman la política y el Estado argentino.

–¿Cuándo y cómo empezaron a gestarlo?

Hugo Muleiro: –A lo largo de nuestra actividad periodística, venimos de hace tiempo compartiendo una mirada sobre el país, sufriendo lo que sufren todos e interpretándolo de una manera muy coincidente. Este libro concentra en la palabra garcas dos conceptos básicos que se unifican en los personajes que estamos presentando. El oportunista, ventajero, y el corte de la palabra oligarca, también usada en la política a lo largo de varios períodos para dar cuenta de una casta que se caracteriza por reunir riqueza usufructuando bienes, sobre todo públicos, con un profundo desprecio por los que no son de su clase, racista, que por lo general tiende al uso de la violencia para defender sus posiciones, y es partidaria de la represión. Lo vimos en el Borda como última evidencia. También añora un país que esté supeditado a un poder extranjero central.

–Siendo que fue su primera experiencia juntos, ¿cómo surgió y cómo eligieron el tema?

VM: –La idea de hacer un trabajo juntos nos acompaña desde hace mucho; planeamos hacer programas de radio y otras cosas y nunca lo hicimos, porque cada uno tenía su actividad y nunca se daba la ocasión. Pero teníamos ganas de hacerlo, y de dar cuenta de los personajes cuyo oficio es el daño sobre las mayorías. En ese sentido fue bastante fácil ponernos de acuerdo en lo importante que es conocer al que nos perjudica. Y un tema que fuera funcional a una lucha cultural que es cada vez más necesaria. Empezamos a pelotear hace dos años y medio y nos pusimos a trabajar seriamente hace dos años con mucha intensidad, hasta terminar en febrero de este año. La decisión fue tomar personajes vivos para dar cuenta más de este momento. Cuando estaba en imprenta se murió uno, (José Alfredo) Martínez de Hoz, que era emblemático.

–Pareciera que les va a generar algunas enemistades, o al menos reproches, ¿lo ven así?

VM: –Mirá, el libro acaba de salir, pero tengo la experiencia de haber escrito con María Seoane, El dictador, y luego hice 1976 El golpe civil, y en ninguno de los casos hubo nada grave. Además no somos los únicos que escribimos estos temas. Parece que están concientes de que salir a torear amplificaría el libro, entonces prefieren callarse.

–Es que el término supone un insulto, quizá, pero ¿existe el orgullo garca?

VM: –Yo creo que el que es garca está orgulloso de serlo, y no se tiene por qué defender porque ha trabajado muchísimo para serlo. A algunos les vino de cuna, como el caso de (Carlos) Blaquier o Martínez de Hoz, pero otros, como Marcos Aguinis o Héctor Aguer, han trabajado denodadamente para ganarse el apelativo.

HM: –De todos modos, no veo en los doce personajes que están en este libro ninguna persona permeable a las críticas, relativamente enérgica, como puede ser la de este libro, ni otras más o menos enérgicas. No hay gente tolerante ahí, la intolerancia es una condición garca por naturaleza.

–Por lo que hablamos y el mismo libro, queda claro que garca no solo se nace, también se hace.

HM: –Absolutamente.

–¿Cuál es el ejemplo más notorio?

VM: –Hay personajes que vienen de clases sociales muy bajas, como Cavallo, como Aguinis, como…

HM: –Mirtha Legrand.

VM: –Mirtha Legrand. Vienen de mundos de clase media baja.

HM: –El padre de Aguinis hombreaba bolsas en Dock Sud. Después se fue a Córdoba a trabajar en una mueblería familiar, y el mismo Aguinis relata que dormía en una suerte de cuna hecha con cajones de madera. Eso dice él. Pongamos que la mitad de eso ya es bastante. Y sin embargo, después se convierte en una persona que desprecia a la gente que está en esa condición por la que él pasó. Habla de los argentinos como una manada sin cerebro que va detrás de tiranías. Es una marca constante en todos. Blaquier, en una pretensión de ensayo histórico, dice que los indios no solo fueron usurpadores de la tierra, sino también genocidas. Vos te reís, pero lo escribió. Además dice que los que fueron asimilados, aún viniendo de donde venían, fueron tratados muy generosamente, y esa es una forma de mirar al otro que marca al garca por naturaleza. El garca marca como inferior al otro, el que es distinto. Grondona llamando "extraterrestres" a los pobres que venían a Plaza de Mayo el 17 de octubre (de 1945).

–Ustedes hacen una suerte de continuidad histórica en patrones de conducta de los sectores más concentrados, por ejemplo en 1930, 1955 y 2008. ¿Hay un momento emblemático del garca en la historia?

VM: –Más que una especie de garquismo cumbre en las etapas pregolpistas, lo que sí se ve es una constante que es muy interesante para ver en el presente. Los gobiernos son acusados de corruptos, se dice que los presidentes están encerrados en un círculo que los perjudica, se pone en cuestión hasta la salud psíquica del presidente, se habla de turbas…

HM: –Hay otras coincidencias. Se apunta a un supuesto dispendio estatal en el acto social, un desorden. Se agitan mucho los indicadores económicos. En todos los climas pregolpistas hay una mirada puesta siempre por la oligarquía y sus medios en la paridad cambiaria.

–¿Qué cambió entre el garca clásico y el del presente?

VM: –La diferencia entre oligarquía clásica, el latifundista que combinaba el mundo ganadero con las finanzas, a un personaje que se trasnacionaliza y diversifica sus negocios, entonces tiene elementos económicos muy distintos. Yo creo que lo que cambió fundamentalmente es el retiro de las fuerzas armadas como garante de esas continuidades oligárquicas. Junto con eso, hoy los arietes son los medios hegemónicos, para hacer de la cabeza de la gente un campo de batalla que hay que ganar con consignas cada vez más simples y más brutales.

–¿El problema de los garcas es no tener representatividad política?

VM: –Tuvieron problemas con el voto universal a partir de 1912. Antes de eso, Juárez Celman decía "es un error consultar al pueblo para las decisiones políticas". Tuvieron problemas y a veces soluciones. Con el menemismo encontraron un liderazgo con el que cumplir sueños garcas que no habían cumplido en la etapa golpista. Hoy pareciera que están pidiendo a gritos que aparezca ese líder que conjugue esa dispersión en la que están.

HM: –Felipe Cavallo, elogiado por Martínez de Hoz como el que supo llevar la obra a los límites que él no había podido, cuando se incorpora al gobierno menemista dice que sabe que Menem es el hombre capaz de doblegar a los sindicatos para aplicar las privatizaciones. Diría que es casi un momento de lucidez política.

–El libro arranca con una parte conceptual e histórica y finaliza con un listado de 12 garcas de los que se cuenta vida y obra. ¿Cómo fue la elección de esos 12?

VM: –Cada uno tiene su propia lista de garcas y nos dicen por qué este y por qué este otro.

HM: –Hay quienes preguntan cuándo sale el tomo dos, otros cuándo sale la enciclopedia (risas).

VM: –Nos oponemos a la enciclopedia porque creemos que este no es un país de garcas, sino que fue doblegado o amenazado por los garcas.

–¿Pero cuál fue el criterio?

VM: –Que estén vivos, que hayan pasado por el Estado, que hayan tenido posiciones económicas fuertes y claramente oligárquicas, alguien de la Iglesia, como Monseñor Aguer, un medievalista que consideró que la derogación de las leyes de Punto Final y Obediencia Debida era una venganza... Así que bueno, tratando de cubrir un espectro... De ninguna manera es la totalidad. Nos preguntan más que nada por Menem y (Héctor) Magnetto. Son los más nominados al premio de garquismo. Igualmente, los dos atraviesan el libro igual, aunque no les dedicamos biografías específicas.

–Dentro de las definiciones que incluye el libro sobre el ser garca, ¿cuál fue la más pintoresca para ustedes?

VM: –Por ahí hay una que no es muy precisa, pero es muy simpática, porque la toma del tango y es una variante posible, que es la figura del dandy. Que es un oligarca estetizado, que hasta en el caso de Lucio Mansilla toma hasta actitudes contrarias a su propia clase, es un poco excéntrico. Pero la figura del dandy era como una especie de piola y trepador. El tango Dandy, de Demare, Irusta y Fugazot, habla de un dandy que era el soplón de un taquero: "se ha corrido la bolilla de que sos un batidor", dice. Así que un dandy aparece ligado a las oscuridades.



►El garca de oro




Los hermanos Muleiro se ríen cuando se pregunta quién de todos los personajes sería acreedor del trofeo máximo del garca, al estilo Martín Fierro. Piensan. "¿En vez de una persona puede ser una estirpe?", pregunta Vicente Muleiro. Puede, claro. Entonces se despacha: "En ese caso, creo que los Martínez de Hoz. El primero que llega es José Martínez, que luego se agrega el Hoz para trenzarse con las familias aristocráticas, que es administrador durante las invasiones inglesas, de la aduana, pero a favor de los ingleses. En el Cabildo del 22 de mayo vota por la continuidad de Cisneros. En 1866, en la casa del descendiente, José Toribio, se junta la Sociedad Rural y aportan para la Campaña del Desierto a cambio de papelitos que después significan millones de hectáreas, y culminan su obra con el representante epónimo, que fue enterrado sin homenajes hace pocos días, que cumplió el verdadero sueño garca que es el escarmiento con sangre del campo popular, para desguazar el Estado, bajar los salarios, abrir las importaciones, destruir la industria nacional y volver a un esquema con el que soñó la generación del 80. Es bastante emblemática la zaga de los Martínez de Hoz."





►Yendo de mirtha legrand a de narváez


Francisco de Narváez

“Garca comercial y circense. Este mercader le debe sus principales señas al menemato. (…) Entiende la política como a una consoladora gloria personal y ha avanzado en ella "pagando como un chabón", como dice el tango. Busca apoyarse en sellos y la liturgia peronista. Pero no hay caso. No consigue disimular que es un garca más.”



Mirtha Legrand

“Garca impostada, enmascaró su plálido origen social proponiéndose como modelo de elegancia. (…) Apela “lo que dice la gente” para despacharse con una moralina cerril por la que ni siquiera podría responder su entorno. Aunque su desmemoria selectiva se lo impide recordar, nunca se la vio tan feliza como cuando estuvo rodeada de genocidas.”



Héctor Aguer

“Garca arribista. Hijo de un carnicero de Mataderos, corrigió su falta de antepasados calzándose una sotana. En el Arzobispado de La Plata encontró su lugar en el mundo como apoligsta de calificados antisemitas y garante público de un famoso estafador. (…) Lo perjudica su sinuosa relación con el dinero pero pueden ayudarlo su defensa del genocidio videlista y su obsesión por la sexualidad de los otros.”




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Hugo Muleiro nació en Buenos Aires en 1955. Como periodista desempeñó funciones y cargos diversos en diarios de Neuquén y Río Negro y en agencias de noticias. Fue secretario de redacción de DyN (Diarios y Noticias) y ANSA, y jefe de redacción y luego director periodístico de Télam.

Se especializó en temas internacionales, en particular los referidos a América Latina. Es autor de Palabra por palabra, estructura y léxico para las noticias (2002), y Al margen de la agenda. Noticias, discriminación y exclusión (2006).

Entre otras tareas, colaboró con UNICEF en encuentros y seminarios sobre el tratamiento periodístico de los temas de niñez y adolescencia, desarrollados en varios puntos de la Argentina y en otros países. Es secretario de COMUNA (Comunicadores de la Argentina), entidad que promueve el derecho a la información y la circulación libre de la palabra.






Vicente Muleiro (Buenos Aires, 1951). Es escritor y periodista. Ha publicado las novelas Quedarse con la dama (1994), Sangre de cualquier grupo (1996), Cuando vayas a decir que soy un tonto (2004, finalista del premio Planeta 2003) y La balada del asador (2006). Junto con María Seoane escribió El dictador: la vida secreta y pública de Jorge Rafael Videla (2001) y es autor de 1976/El golpe civil (2011).

También escribió los libros para chicos Don Perro de Mendoza (2003), Los cachorros de Don Perro (2009), Cacao del mar (2009), Los guerreros de French (2010) y Los cuentos de don Vicente Nario (2010).
Como poeta publicó Para alguien en el mundo estamos lejos (1978), Boleros (1982), Pimienta negra (1990), El árbol de los huérfanos (2000), Milongas de modo tal (2003), Ondulaciones (2009) y Los goliardos (2012). También compiló y prologó las obras de los poetas Roque Dalton (Con manos de fantasma, 1998) y Antonio Gamoneda (Lengua y herida, 2002). Realizó la antología de cuentos de boxeo De puños y letras (2001).

En periodismo trabajó en los diarios Sur Argentino, Crónica y Clarín, entre otros. También en el semanario El Periodista. Fue editor de la revista cultural Ñ. Actualmente es subdirector de Radio Nacional, donde conduce el programa Vía libro.




miércoles, 24 de abril de 2013

FESTIVAL X LA CULTURA Y EDUCACIÓN PÚBLICAS







Ante la precarización en que se encuentra el Programa Cultural en Barrios y el incumplimiento por parte del Ministerio de Cultura de los acuerdos alcanzados en 2012:
  • PAGO EN TÉRMINO (500 docentes que no cobramos el sueldo desde el 2012)
  • RECOMPOSICIÓN SALARIAL (mediante paritarias)
  • CREACIÓN DE UN ESTATUTO DOCENTE
  • RESTRUCTURACIÓN DEL PROGRAMA CULTURAL EN BARRIOS CON PASE A PLANTA PERMANENTE
  • DEPÓSITOS DE APORTES EN TÉRMINO (de lo contrario se genera deuda en la ANSES)
  • Insumos para los centros culturales


 CONVOCAMOS:
FESTIVAL DE LUCHA
en defensa de la Cultura y Educación públicas
 con la participación de bandas y producciones de profesores y talleres del Programa
(danza, cine, música)

en la puerta de la Casa de la Cultura 
(Av. De Mayo 575)
VIERNES 26 de abril 17hs



Los trabajadores de los centros culturales barriales denunciamos la situación de vaciamiento sostenido desde el Ministerio de Cultura para con los centros culturales barriales. Sumado a la precaria situación de contratación, los bajos salarios, los atrasos en los pagos, la ausencia de estatuto que regule la actividad docente, la falta de proyecto para los 36 centros culturales de la Ciudad, viene provocando, entre otras cosas, que desde hace tres años renuncien casi el 50% del plantel docente. Plantel con una antigüedad promedio de 7 años y con un alto grado de capacitación artística y pedagógica, al cual no se le reconoce ni un mes de antigüedad. . En el mes de marzo de 2008 hubo un intento de cierre del 60 % de los talleres, que conseguimos se revierta luego de una larga y tenaz jornada de lucha.

Al estado de situación descripto se le agregan incumplimientos por parte de los funcionarios de acuerdos firmados por ellos mismos. El ministro de Cultura Hernán Lombardi firmó en noviembre de 2008 un acta-acuerdo en la cual se comprometía entre otras cosas a conformar una comisión integrada por trabajadores y funcionarios del Ministerio de Cultura para avanzar en la estructuración del Programa Cultural en Barrios con el objetivo de garantizar su continuidad en el tiempo, estableciendo mecanismos de ingresos (por concursos), evolución, confección de un estatuto, etc. El Ministro envió a la Junta Interna de ATE una resolución con su firma, pero que nunca publicó.

Durante 2011 y 2012, se nos convocó a reuniones sólo a perder el tiempo porque nunca se comprometieron a darle efectividad a los acuerdos alcanzados. Por otro lado, también tuvimos (hace ya dos años) una reunión con Hacienda por un pedido de equiparación salarial con los docentes de educación Y TODAVÍA NO NOS HAN RESPONDIDO.

 Además, también el año pasado el gobierno firmó un acta-acuerdo en el cual se comprometía a pagar los salarios en término Y TAMPOCO FUE CUMPLIDO. Tampoco cumplió su compromiso de solucionar la irregularidad con el ANSES causada por el atraso en los pagos TODOS LOS AÑOS (los meses de atraso no se computan como meses trabajados). Si bien hemos tenido una reunión este año, nada nos garantiza que esta vez cumplan con lo que prometen.



En la actualidad nos encontramos con:

  • Bajos salarios (cobramos casi la mitad que un docente de educación y ni siquiera cobramos antigüedad ni plus de ningún tipo)
  • Contratación precaria (todos los años se renueva nuestra designación, sin saber hasta marzo si estamos en el plantel o no y cobrando por esto con 4 meses de atraso)
  • Sin estatuto
  • Sin reconocimiento de antigüedad
  • Falta de insumos para el funcionamiento de los centros culturales
POR ESO RECLAMAMOS 
  1. Pago de sueldos adeudados
  2. Recomposición salarial (paritarias YA)
  3. Estatuto docente de Cultura-pase a planta permanente
  4. Reconocimiento de antigüedad
  5. Cobro en término
  6. Presupuesto para insumos para el correcto funcionamiento de los centros culturales.


Trabajadores Centros Culturales Barriales




sábado, 20 de abril de 2013

PALADÍN DE LA JUSTICIA O ACTOR DE REPARTO







Así como Julio Verne vaticinó en su obra algunas delicias tecnológicas de la modernidad, el precursor literario del registro visual en su variante secreta fue, a todas luces, el escritor francés Guillaume Apollinaire. En su cuento Un bello film, publicado en 1910, se refiere al barón D’Ormesan, un tipo que pretendía rodar un asesinato con una cámara oculta.

Ignoro quién fue el cineasta que llevó semejante idea a la práctica. Pero sí recuerdo que la primera cámara oculta que tuve la oportunidad de ver fue realizada por Pipo Mancera en sus inolvidables Sábados circulares. Para ello, se valió de un actor que provocaba insólitas reacciones en los transeúntes; lo suyo, por cierto, no tenía que ver con enganchar al prójimo en alguna actitud reñida con el Código Penal.

En mi caso, la única vez que utilicé dicho recurso fue en el año 2000. Por entonces, trabajaba con Juan Castro en el programa televisivo Unidos y Dominados. Y se me había ocurrido un informe sobre el uso por jueces de bienes secuestrados en procedimientos policiales. A tal efecto, fui a un juzgado, cuyo titular seguía usufructuando la camioneta de un narco que ya había recuperado la libertad. Debo decir que, en esa ocasión, yo no contaba con los beneficios de la tecnología de punta. En la espalda debía llevar una caja; adentro estaba la cámara. Cubría tal joroba con un saco ridículamente holgado; la lente estaba disimulada en la corbata, que persistía en torcerse. No obstante, el asunto salió bien. El juez en cuestión –sin saberse filmado– hasta atinó a decir: "¿Quién va a cuidar un vehículo mejor que un juez?" Cuando vi esa escena en la pantalla, me pareció muy graciosa. También sentí que mi pequeño acto había servido para hacer justicia, ya que el dueño de la camioneta no tardó en recuperarla.

Tal vez en alguna cinemateca se conserve una copia de las escenas tomadas a hurtadillas por un equipo de la televisión alemana a presos políticos chilenos en un cuartel fronterizo con Perú, tras el derrocamiento de Salvador Allende.

Los militares pinochetistas, en base a la errónea creencia de que los alemanes estaban allí por un documental sobre minería, los alojaron allí en calidad de huéspedes. La difusión mundial de aquellas imágenes hizo que los prisioneros recobraran la libertad.

No todas las manifestaciones del género son tan honorables. Días atrás, a través de un seguimiento que se prolongó por semanas, las cámaras ocultas del canal América se anotaron un hito en la materia: poner al descubierto un falso ciego que pedía limosna.

De modo que, a lo largo de su historia, las cámaras ocultas a veces sirvieron para esclarecer delitos y remediar injusticias. También fueron muy útiles en la producción de canallescas violaciones a la intimidad y chivatazos de toda laya, entre otras indignidades. Y siempre con la misma regla: registrar a un sujeto sin su conocimiento, en medio de una acción reprochable o una confidencia incriminatoria.

Sin embargo, nada es infalible. Porque, ¿cuál sería el efecto del asunto si se invierte esa condición? ¿Cuál sería su resultado si el objeto de una cámara oculta actúa ante ésta a sabiendas de que lo están filmando? El affaire Lanata-Fariña se perfila como un gran ejemplo al respecto.

En este punto, bien vale volver al texto de Apollinaire.

El barón D’Ormesan pretende filmar un crimen. Con ese fin, secuestra a una pareja –las víctimas– y conmina, bajo amenazas, a un hombre para cometerlo. Éste accede, aunque con una condición: cubrirse el rostro con un pañuelo que tiene dos orificios en el lugar de los ojos. El asesino cumple. "El pañuelo no se le movió de la cara durante la lucha –dice Apollinaire– y lo conservó puesto todo el tiempo que la cámara funcionó. ‘¿Están ustedes conformes? ¿Puedo ahora arreglarme un poco?’, preguntó. Lo felicitamos por su labor. Se lavó las manos, se peinó, cepillándose después el traje. Inmediatamente, la cámara se detuvo."

Ya se sabe que las máscaras encubren caras pero no los ojos. Congelan la mirada de sus usuarios. Pero al despojarse de ellas, esa mirada jamás recupera su expresión original. ¿Gajes de la culpa? De una manera más que metafórica, la cámara oculta es una máscara. Esa es precisamente la máscara que, durante la noche del último domingo, se le cayó al afamado conductor de Periodismo para todos (PPT), en medio de una operación mediática vulnerada por una contraoperación. Una increíble contraoperación urdida sin otro recurso que las dotes de buen psicópata exhibidas por su rival en esta historia, el insondable Leo Fariña.

Más allá de los intereses fácticos en juego, el asunto en sí guarda cierta semejanza con una añeja fábula policial: un inescrupuloso comerciante vende con papeles apócrifos un automóvil mellizo y recibe a cambio dinero falsificado. Lo cierto es que lo de Lanata y Fariña fue un duelo de gigantes. Un duelo que, en vez de convertir al primero de ellos en el gran desbaratador de un escándalo de corrupción, hizo de él un simple actor de reparto, tal vez el más desafortunado del elenco.

Cosas de la era digital. Cosas de un tiempo en el cual hay cámaras en los subtes, en los peajes, en el banco y en los baños. Hay cámaras en todos lados. Y como en The Truman Show nadie deja de ser filmado.






domingo, 14 de abril de 2013

CÓMO SE HACE UN MONÓLOGO CÓMICO





Quedan los últimos ejemplares del libro de Dan Trugman, "Cómo Se Hace Un Monólogo Cómico", la única bibliografía teórica para construir el espectáculo Unipersonal de Varieté y el de Stand Up Comedy en castellano, en la librería del C. C. C., Centro Cultural de la Cooperación, Av. Corrientes 1543.






jueves, 11 de abril de 2013

MICA 2013 (Mercado de Industrias Culturales Argentinas)








Organizado por la Secretaría de Cultura de la Nación, junto con el Ministerio de Industria, el Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto, el Ministerio de Trabajo Empleo y Seguridad Social, el Ministerio de Turismo y el Ministerio de Planificación Federal, Inversión Pública y Servicios, se desarrollará en la ciudad de Buenos Aires del 11 al 14 de abril de 2013, la segunda edición del MICA: Mercado de Industrias Culturales Argentinas en Tecnopolis, Avenida Gral Paz entre Constituyentes y Ricardo Balbin, Villa Martelli.



El MICA es el primer espacio en la Argentina que concentra en un mismo lugar, las diferentes actividades de las industrias culturales con el objeto de generar negocios, intercambiar información y presentar su producción a los principales referentes de todo el mundo. Los sectores que participan son: artes escénicas, audiovisual, diseño, editorial, música y videojuegos.


Productores y artistas tendrán la posibilidad, durante 4 días, de encontrarse con las principales empresas de Industrias Culturales de todo el mundo y abrir nuevas oportunidades de negocios.



Cuenta con stands donde están representadas las producciones culturales de todas las provincias del país y la presencia de todo el sector a través de las cámaras empresariales, instituciones nacionales y PYMES.



Un espacio donde productores y artistas podrán encontrarse con los principales referentes y empresas de las industrias culturales del mundo, a través de rondas de negocios, conferencias, seminarios y presentaciones de espectáculos en vivo. El objetivo del evento es fortalecer el marcado interno y posicionar al sector de las Industrias Culturales argentinas en el mercado mundial, dando cuenta de su calidad y sus precios competitivos.







cholulos