XXIX FNT: «CELEBRAR LA IDENTIDAD»

Entre el viernes 2 de mayo y el domingo 11 tendrá lugar en Jujuy la 29ª edición de la Fiesta Nacional del Teatro, evento que anualmente organiza el Instituto Nacional del Teatro, en este caso juntamente con la Secretaría de Cultura de la provincia de Jujuy y la Fundación Confluencia. Del encuentro participarán espectáculos de las 6 regiones en las que el organismo oficial divide el panorama de la actividad teatral argentina: Noroeste, Nordeste, Centro Buenos Aires, Centro Litoral, Cuyo y Patagonia. En total serán 32 los proyectos a presentarse, no solamente en la ciudad de San Salvador de Jujuy, sino también en localidades aledañas, como Perico, Palpalá y San Pedro, además de pueblos ubicados en La Quebrada de Humahuaca –Tilcara y Purmamarca– y más allá aún, en Salinas Grandes y La Quiaca. Algunos espectáculos también se presentarán en tres salas de la ciudad de Salta.

Además de la programación nacional –que puede consultarse en http://www.fiestadeteatro.com.ar/ – se presentarán tres espectáculos internacionales: Tu nombre en palo escrito, por el grupo Casa Teatro de Bolivia, con dirección de René Hohenstein, y Los trenes se van al purgatorio, de Chile, montaje basado en la novela homónima de Hernán Rivera Letelier, dirigida por Alberto Olguín Durán. El cierre de la fiesta estará a cargo de la murga uruguaya La Trasnochada. Por otra parte, a lo largo de la muestra habrá diversas actividades paralelas, entre las que se destacan el taller de escenografía que brindará Norberto Laino, el espacio sobre análisis dramatúrgico conducido por el santafesino Jorge Ricci, el taller de musicalización en el teatro a cargo de Carmen Baliero y el dedicado a las corporalidades escénicas, dictado por la bailarina y coreógrafa tucumana Beatriz Lábatte. En cuanto a los homenajes, será recordada la figura de Alfredo Alcón, en tanto que Norman Briski recibirá el Premio Nacional a la Trayectoria Teatral. Por otra parte, los premios Reconocimiento a la Trayectoria serán otorgados al actor Oski Guzmán, al dramaturgo Jorge Accame y al director jujeño Néstor Maidana.

Creada 29 años atrás, la Fiesta Nacional del Teatro “es parte de la herencia que recibe el Instituto Nacional del Teatro”, explica el director ejecutivo del INT, Guillermo Parodi, a Página/12, “y como tal, la hace propia, con la clara intención de hacer con ella una radiografía de la teatralidad de todo el país, con las diversas poéticas y lenguajes que son propios de cada región”. Parodi define a la fiesta como “el marco de lucimiento del teatro que se hace la Argentina, el cual defendemos y acompañamos”. Precisamente, para apoyar el desarrollo de la actividad están los sistemas de subsidios a la producción y las diversas instancias de formación y perfeccionamiento. No obstante, el director admite que “hay mucho trabajo por hacer en términos técnicos, de búsqueda de lenguaje o diálogo con el público”.

En cuanto a esta edición, Parodi destaca que  “tendrá lugar en una región del país donde los rituales son tan potentes y están tan arraigados en sus habitantes que el teatro es visto como una fiesta popular, como una celebración que nos remite al momento fundante y originario de la tradición teatral. Como ritual, el teatro expresa la manera de entender el mundo de cada lugar, porque es un reflejo de cómo se piensan las cosas en cada sitio. Y ese es el profundo significado de la fiesta: celebrar nuestra propia identidad artística en complicidad con nuestro público destinatario y encontrarnos a nosotros mismos a través del reconocimiento del otro”, concluye Parodi.

LUÍS BRANDONI y MÓNICA LÓPEZ en...

FRAUDE POLÍTICO Y LEGAL
HACIA COMPAÑEROS ACTORES

AÑO 2009

Hace pocos días en Actores, haciendo una consulta en gremiales, se escuchó la desfachatez de la hermana de una productora y se vio lo terrible de la situación en la que a veces trabajan nuestros compañeros. Casi como una Farsa, de esas pocas que al parecer ya no están en nuestros repertorios clásicos... pero aún se representan:

La Sra. MÓNICA LÓPEZ es la esposa del Sr. LUIS BRANDONI, caudillo político de nuestra comunidad y defensor de los derechos de nuestros compañeros. En los últimos tiempos se ha dedicado a la producción. Ha producido una zarzuela en el TEATRO AVENIDA, en el mes de OCTUBRE del 2008: "AVENIDA ESPAÑA" Zarzuela, coplás y Olé... y, definitivamente, ha complacido todos los caprichos de su director Alejandro Cuesta ya que, en tiempos de crisis, no escatimó a la hora de contratar actores, cantantes y bailarines; ya que en el elenco llegan a ser más de VEINTE (20).

Sucede que la señora MÓNICA LÓPEZ ha omitido todas y cada una de las reglamentaciones y convenios que defienden a los trabajadores amparados por la ASOCIACIÓN ARGENTINA DE ACTORES, debiéndoles a los compañeros: meses de ensayo y la temporada completa en el teatro Avenida.

En aquel momento la pieza resultó un éxito, y la Sra. decidió reponerla en el teatro Liceo, propiedad del Sr. CARLOS ROTTEMBERG (padrino de bodas de MÓNICA LÓPEZ y LUIS BRANDONI, caudillo político de nuestra comunidad y defensor de los derechos de nuestros compañeros), a principios de enero y a la que, lamentablemente, sólo se pudo asistir hasta el DOMINGO 1 de Febrero... ya que, dado el fracaso de la puesta, la ya nombrada productora decidió terminar antes con la temporada prevista hasta el mes de marzo, sin indemnizar los contratos que hizo firmar a sus artistas, haciéndolos responsables del incumplimiento del mismo con trampas y mentiras que ha elucubrado y dicho tanto a sus contratados como a los representantes del sindicato.

LOS COMPAÑEROS ESTÁN TRABAJANDO EN NEGRO, CON CONTRATOS ILEGITIMOS Y SIN VOLUNTAD DE REGULARIZAR LA SITUACIÓN DE PARTE DE LA PRODUCCIÓN.Vale la pena resaltar el desempeño de la Asociación Argentina de Actores y de su Secretaría Gremial que, a pesar del miedo de los compañeros se mantienen firme en la denuncia y lucha por los derechos del elenco...



AÑO 2014
Un espectáculo político en un teatro de la calle Corrientes, el mismo donde de noche se presenta la obra Stravanganza...

... Todo dirigente político debe ser cuidadoso con los efectos no deseados que producen las burbujas de champagne en las fiestas. Sin dudas, la presentación de FAUNEN es una buena noticia para el Panradicalismo, pero también para la sociedad argentina que ahora tiene una alternativa posible más. Pero la euforia no puede hacer perder la moderación. Las palabras del actor militante Luis Brandoni resultan criminales arrojadas con la vehemencia con fueron realizadas.

La frase "un gobierno peronista, montonero, demagógico y populista", dichas por un miembro de un partido político que tiene expectativas de gobierno recuerdan a las peores épocas de la Argentina pasada. Frases como esas envalentonaron a los marinos que se subieron a los aviones que bombardearon la Plaza de Mayo en 1955.

Frases como esas alentaron a los escuadrones de la muerte de José López Rega para asesinar a "chacales" como el Padre Carlos Mujica, de quien en pocos días recordaremos el 40° aniversario de su asesinato, o Rodolfo Ortega Peña o Silvio Frondizi, intelectuales de una talla pocas veces vista en nuestro país...

Frases como esas justificaban la aplicación de la picana a miles de militantes en los centros clandestinos de detención, torturas que no se justifican, ex admirado Brandoni, ni siquiera en el caso de "militantes montoneros" ni incluso en el caso de "combatientes guerrilleros"...

Una mujer, aun siendo soldada, no merece ser violada por ningún enemigo. Duele el exabrupto, ex admirado Brandoni, porque los significantes y los sentidos discursivos deben ser cuidados por personas que se autodenominan democráticas...

 Duele la brutalidad discursiva, ex admirado Brandoni, porque usted fue víctima de la represión de la Triple A y, hoy, utiliza los mismos significantes y los mismos significados...

Por último, genera miedo, su comentario irascible, porque parece un botón de muestra de lo que vendrá si FAUNEN gana. Le pregunto, señor Brandoni, ¿usted garantiza la integridad física de miles de militantes, dirigentes, escritores "peronistas, montoneros, demagogos y populistas" bajo un gobierno de FAUNEN? ¿Garantiza, usted, que mi querido y admirado amigo Roberto Caballero, o yo mismo, a quien no quiero ni admiro tanto, tengamos el mismo derecho a la vida, al trabajo y a la libertad de expresión que usted tiene en este gobierno "peronista, montonero, demagógico y populista" o habrá vencedores y vencidos como en el 55 y con la Alianza?

Por suerte, señor Brandoni, quienes tenemos un pensamiento verdaderamente democrático creemos en la moderación de los discursos, y también en el poder del perdón. El Kirchnerismo, sus militantes, sus dirigentes, sus intelectuales, sus escritores, se merecen un perdón de su parte. Le haría bien a la democracia argentina. Le haría bien a usted mismo, inclusive. De no hacerlo, sepa, que con declaraciones de ese calibre José León Suárez puede volver a suceder.

Hernán Brienza

LA MÚSICA DEL AZAR

Desde hace años, la actriz y directora Gabriela Izcovich se destaca por su labor de adaptación de novelas al teatro. Comenzó con Nocturno Hindú, de Antonio Tabucchi y, entre otros autores, incluso argentinos, tomó textos de Hanif Kureishi (Intimidad y Cuando comienza la noche), David Lodge (Terapia), Sándor Márai (El último encuentro) y Siri Husdvedt (La venda). Ahora es el turno de Paul Auster: hace dos años que la esposa del narrador y guionista estadounidense (la misma Husdvedt) de visita en Buenos Aires, sugirió a Izcovich tomar La música del azar, novela de 2002, para su traducción al teatro. Es la primera vez que Auster da el consentimiento de llevar una novela suya a la escena. La obra resultante acaba de estrenarse en La carbonera (Balcarce 998) con un elenco integrado por Gerardo Maleh, Alfredo Martín, Carlos Ponte, Agustín Pruzzo y Alejandro Vizzotti y con funciones los viernes y sábados. Este fin de semana habrá una función muy especial, dado que uno de los dos días asistirá el propio autor, recién llegado a Buenos Aires para participar de la Feria del Libro, entre otras actividades. “Ya pasaron por La Carbonera Kureishi, David Lodge y Siri”, enumera sonriente Izcovich en la entrevista con Página/12. Aunque Auster no entiende castellano, la directora confía en que la elocuencia de la actuación impactará al autor, a quien definió como “un artista sensible que va a valorar el desafío que implica el teatro alternativo, sin medios sofisticados”. Sabe también que Auster tiene un “costado artesanal”, ya que en los ’90 supo dirigir películas como Smoke, con pocos medios de producción.

Interpretado por Alfredo Martin, el personaje de la novela de Auster –un ex bombero aficionado a la música clásica– cuenta su historia mediante el recurso del monólogo al público. Así explica el repentino cambio que sufrió su vida al ser abandonado por su mujer y recibir una herencia inesperada de un padre casi olvidado. Ambas circunstancias lo llevan a dejar a su hija a cargo de su hermana, comprarse un cero kilómetro y pasar los meses recorriendo el país y durmiendo en el auto. El resto de las peripecias se organizan en escenas que ocupan diferentes espacios de la sala. De allí en más, el espectáculo se centra en la amistad que entabla el protagonista con un experimentado jugador de poker, con quien espera multiplicar el poco dinero que le va quedando desplumando a un par de millonarios. Pero las cosas no salen bien, y para pagar sus deudas deberán pasar el tiempo construyendo un muro, un capricho de sus excéntricos acreedores.

–¿Le hizo alguna advertencia Auster antes de que comenzara su trabajo de adaptación?

–Lo que llama la atención es que él no quería que la obra sonara discursiva y que, como autor, defendiera la síntesis, algo que es esencial en el teatro.

–¿Qué es lo que más le costó lograr?

–Lo más complejo de solucionar fue el planteo espacial: la acción comienza en la ruta, sigue en un hotel, luego en la mansión de dos millonarios para después pasar a la intemperie. Creo que a Auster lo intriga la manera en que se resuelva la presencia del muro, que yo no lo muestro en escena más que sugerido con algunas piedras. Por otro lado, sus novelas están traspasadas por la realidad de Estados Unidos y yo tenía el desafío de erradicar ese paisaje ajeno al espectador y encontrarle otro.

–¿El muro tiene un valor simbólico?

–Sí, tiene múltiples lecturas: es el Muro de los Lamentos, el Muro de Berlín y también es un monumento conmemorativo de sí mismo, como dice uno de los personajes. Hasta implica la construcción de un túnel que le permita al protagonista pasar hacia otro lado. Podría vérselo como la expresión del pasado que todos llevamos dentro.

–¿Cómo ve a los personajes?

–Los dos fueron abandonados por sus padres. Y hay una construcción vincular que se arma entre ellos que, en función de la diferencia de edad, remite a la relación padre e hijo. Son personajes condenados al fracaso porque son víctimas de su pasado. Creo que estamos presos del pasado. Podremos analizar lo que vivimos con inteligencia y, sin embargo, repetiremos comportamientos que detestamos, tal vez los mismos que adoptaron alguna vez nuestros padres.

–¿Cómo pesa en ambos el tema del azar?

–Como en otras novelas de Auster, aquí también está muy presente el azar. Un encuentro casual puede cambiar completamente el rumbo de las cosas. Todos creemos que manipulamos nuestra vida, que todo depende de nosotros mismos pero el azar puede cambiar todo en un instante. Estos personajes se encontraron por casualidad y ambos trazaron su propia fatalidad.



La música del azar
teatro La Carbonera (Balcarce 998) CABA
viernes a las 21 y sábados a las 19

SOBRE EL CONFLICTO

Shakespeare, siempre Shakespeare. Y Maquiavelo. Y el conflicto... qué hacemos con esa presencia molesta que nos persigue a lo largo de la historia humana. Veamos la interesante charla, casi clase magistral, en Puerto Cultura, programa emitido por Canal 9 (TDA) en 2013, con la Conducción de Jorge Coscia y la palabra del filósofo Eduardo Rinesi...

ERRANTES... EN «LA LECHERÍA»

En el mes de diciembre de 2008, demolieron el asentamiento conocido como “La Lechería”, ubicado entre las estaciones de "Villa del Parque" y "La Paternal" del ferrocarril San Martín. Allí, vivían más de 250 familias. El edificio, que antiguamente era una lechería, había quebrado en la década del 70, y a partir de 1981, comenzó a ser ocupado por familias procedentes de diferentes provincias del país, especialmente de Santiago del Estero, Salta y Misiones. Más recientemente, también habían llegado familias de países vecinos. Durante 27 años, estas familias vivieron hacinadas en un lugar que carecía absolutamente de todo.

“La Lechería” era una antigua fábrica que cerró a fines de la década del ’70, ubicada en Caracas 2787/91/97 en el barrio de Villa del Parque. Durante la década del 80 se formó una cooperativa de lecheros con los trabajadores de dicha fábrica. La cooperativa quebró y las familias se vieron obligadas a instalarse en ella para poder tener un techo donde poder vivir. La población fue creciendo y no solo se ocupó cada rincón en el interior de la fábrica sino que creció para arriba, en muy frágiles condiciones edilicias e inhumanas condiciones de salubridad, y se extendió al costado de las vías del Ferrocarril San Martín. Las condiciones de hacinamiento empeoraban con un sistema cloacal colapsado, instalaciones eléctricas precarias, riesgo de derrumbe y continuos accidentes por la proximidad a las vías del tren.

Recordemos el Violento ENFRENTAMIENTO en MATADEROS entre VECINOS y exVILLEROS dueños de un terreno, porque el racismo, la discriminación xenofóbica no les permite a los pobres "Ni el derecho a la propiedad privada".











ERRANTES... Directores: Lisandro González Ursi y Diego Carabelli.

DÍA MUNDIAL DEL TEATRO

El Teatro Nacional Cervantes es, en 2014 nuevamente, la sede para la celebración en Buenos Aires del Día Mundial del Teatro. El acto se realizará a partir de las 20 horas en la Sala María Guerrero, con entrada libre y gratuita. También como es habitual, el festejo que tiene el madrinazgo de China Zorrilla, reunirá a prestigiosos teatristas.

Primero, la Sociedad General de Autores de la Argentina, la Asociación Argentina de Actores, el Teatro Nacional Cervantes y el Centro Argentino del Instituto Internacional del Teatro/Unesco presentarán "Avances del Teatro Argentino y su Actualidad", con una lectura del mensaje nacional a cargo de la dramaturga Patricia Zangaro. En tanto Pepe Soriano (presidente del Centro Argentino del Instituto Internacional del Teatro) leerá el mensaje internacional que este año escribió el dramaturgo y director sudafricano Brett Bailey.

El público será recibido en el foyer del Cervantes por Claudio Gallardou y Tony Lestingi de La Banda de la Risa, y durante la ceremonia tendrá oportunidad de disfrutar una selección de momentos de cuatro espectáculos.

Luego se presentará Tierra del fuego de Mario Diament con dirección de Daniel Marcove y un elenco integrado por Alejandra Darín y Miguel Jordán, junto a Carlo Argento, Ricardo Merkin, Juan Carlos Ricci y Elena Petraglia.

Después, Julia Calvo, Jorge Suárez, Néstor Caniglia y el pianista Diego Vila interpretarán fragmentos de la premiada Manzi, la vida en orsai, dirigida por Gambartes y Vila.

A continuación de la lectura del mensaje internacional se presentarán Para mí sos hermosa de Paula Ransenberg, con dirección de Marcelo Nacci, y Venimos de muy lejos por el Grupo Catalinas al Sur que dirigen Adhemar Bianchi y Stella Giaquinto.

Como cada año, esta celebración en el Teatro Nacional Cervantes será una fiesta con destacados artistas representantes de los distintos rubros teatrales y el público, impulsado por el director, investigador y profesor Francisco Javier, autor de la idea y director del acto. La coordinación técnica es de Carlos Di Pasquo, la coordinación ejecutiva es de Damián Rovner y la producción y presentación están a cargo de la periodista e investigadora teatral Ana Seoane.

«El Día Mundial del Teatro fue creado en 1961 por el Instituto Internacional del Teatro (ITI). Se celebra anualmente el 27 de marzo por los Centros ITI y la comunidad teatral internacional. Varios eventos teatrales nacionales e internacionales son organizados para conmemorar esta ocasión. Uno de los más importantes es la circulación del Mensaje Internacional del Día Mundial del Teatro a través del cual, por invitación del ITI, una figura de talla mundial comparte sus reflexiones sobre el tema del Teatro y una Cultura de Paz. El primer Mensaje Internacional del Día Mundial del Teatro fue escrito por Jean Cocteau (Francia) en 1962.

»Primero fue en Helsinki, y luego en Viena, en el 9º Congreso Mundial del ITI en junio de 1961 que el Presidente Arvi Kivimaa propuso en nombre del Centro Finlandés del Instituto Internacional de Teatro que un Día Mundial del Teatro sea instituido. La propuesta, respaldada por los centros escandinavos, se realizó por aclamación.

»Desde entonces, cada año el 27 de marzo (fecha de la apertura de 1962 del "Teatro de las Naciones" temporada en París), el Día Mundial del Teatro se celebra en muchas y variadas formas por los Centros Nacionales del ITI de los cuales en la actualidad hay casi 100 en todo el mundo.

»Cada año, una figura sobresaliente en el teatro o una persona excepcional en corazón y espíritu de otro campo, es invitada a compartir sus reflexiones sobre el teatro y la armonía internacional. Lo que se conoce como el Mensaje Internacional se traduce en más de 20 idiomas, leído por decenas de miles de espectadores antes de las presentaciones en teatros de todo el mundo e impreso en cientos de diarios. Colegas en el ámbito audiovisual dan una mano fraternal, más de cien estaciones de radio y televisión que transmiten el Mensaje a los oyentes en todos los rincones de los cinco continentes».

2014: Brett Bailey

Donde quiera que haya sociedad humana, el irreprimible Espíritu de la Representación se manifiesta.

Bajo los árboles de pequeñas aldeas y sobre sofisticados escenarios en grandes metrópolis; en salones de actos de colegios y en campos y en templos; en suburbios, en plazas públicas, en centros cívicos y en los subsuelos de las ciudades, la gente se reúne en comunión en torno a los efímeros mundos teatrales que creamos para expresar nuestra complejidad humana, nuestra diversidad, nuestra vulnerabilidad, en carne y hueso, aliento y voz.

Nos reunimos para llorar y para recordar; para reír y contemplar; para aprender, afirmar e imaginar. Para maravillarnos ante la destreza técnica, y para encarnar dioses. Para dejarnos sin respiración ante nuestra capacidad de belleza, compasión y monstruosidad. Vamos para llenarnos de energía y poder. Para celebrar la riqueza de nuestras diferentes culturas, y para hacer desaparecer las barreras que nos dividen.

Donde quiera que haya sociedad humana, el irreprimible Espíritu de la Representación se manifiesta. Nacido de la comunidad, lleva puestas las máscaras y vestimentas de nuestras distintas tradiciones. Utiliza nuestras lenguas, ritmos y gestos, y abre un espacio entre nosotros.

Y nosotros, los artistas que trabajamos con este antiguo espíritu, nos sentimos impulsados a canalizarlo a través de nuestros corazones, nuestras ideas y nuestros cuerpos para revelar nuestras realidades en toda su cotidianeidad y su rutilante misterio.

Pero en esta época en la que tantos millones de personas luchan por sobrevivir, sufren bajo regímenes opresivos y el capitalismo depredador, huyen del conflicto y la escasez; en la que nuestra privacidad es invadida por servicios secretos y nuestras palabras censuradas por gobiernos intrusivos; en la que se aniquilan los bosques, se exterminan especies y se envenenan los océanos: ¿Qué nos sentimos impulsados a revelar?

En este mundo de poder desigual, en el que distintos órdenes hegemónicos intentan convencernos de que una nación, una raza, un género, una preferencia sexual, una religión, una ideología, un marco cultural es superior al resto, ¿se puede realmente defender la idea de que las artes deberían apartarse de las agendas sociales?

Nosotros, los artistas de escenarios y ágoras, ¿nos conformamos con las demandas asépticas del mercado, o utilizamos el poder que tenemos: para abrir un espacio en los corazones y las mentes de la sociedad, para reunir gente a nuestro alrededor, para inspirar, maravillar e informar, y para crear un mundo de esperanza y colaboración sincera?

Mensaje de Brett Bailey 

para el Día Mundial del teatro 2014

TEATRO EN LA CÁRCEL

Entrevista a María Dutil, directora del Proyecto Cultural Teatral DutilCruz, en el Servicio Penitenciario Federal. 

“Invito a todos a estos escenarios carcelarios a venir a ver otra realidad, esta realidad que es parte de la sociedad”.

“Su autoestima empezó a elevarse y empezaron a animarse a subir a un escenario”



─En principio, nos gustaría que nos cuentes de qué se trata el proyecto y cuándo surgió.

─María Dutil: A fines del 2010 surge a partir de una obra de teatro que hacemos con Lito Cruz que se llama “Sueños de milongueros”, una obra de humor, tango y amor que llevamos por todas las penitenciarías de Nación; nosotros trabajamos en las cárceles federales. Llevando esta obra nos dimos cuenta de la necesidad que había de teatro en las cárceles, tanto desde Educación, de la parte de los maestros que nos pidieron otras obras que sirvieran para esto, como de los internos que necesitaban esto, un espacio donde ellos pudieran como salir de esta prisión por dos horas, media, el rato que durara ese encuentro teatral.

Fue así que trajimos, luego de pasear por todas las penitenciarías del país, otras obras de teatro, las veinte obras de Teatro y la Historia que estaban hechas ya en el Consejo de Teatro Independiente de la Provincia de Buenos Aires, que trataban temas desde el punto de vista revisionista de la historia argentina: Belgrano, San Martín, Guido, el éxodo jujeño. Esas obras iban a acompañadas de libros que nos daba la CONABIP, películas que nos daba el INCAA, libros de la Biblioteca Nacional. Los maestros trabajaban con los internos sobre esos temas durante un mes, previo a que llegara la obra, y cuando llegaba la obra ya estaban empapados del tema y el debate posterior era muy rico, muy interesante.

Después de eso, llevamos teatro de humor porque durante el verano los internos no tienen clases, entonces era una época más propensa a los motines, a las peleas, entonces trajimos teatro de humor, trajimos música con Miguel Cantilo, con bandas de rock, de cumbia, trajimos magia de la mano de Damián Guerra, humoristas como Juan Acosta, Emilio Bardi. También trajimos matchs de improvisación, hasta que ellos también empezaron a animarse, ya habían aprendido a ser público, aprendieron diferentes formas de teatro, aprendieron sobre historia argentina, su cabeza empezó a tener información, a poder hablar con la familia, con las hijas, con los hijos, con la esposa: “ah, yo sé lo que pasó en ese momento en la historia argentina, yo sé quién fue Cabral, fue quien salvó a San Martín en la batalla, lo sacó de abajo del caballo”.

─¿Cuál fue la reacción de los presos?

─MD: Empezaron a saber y a sentirse bien, su autoestima empezó a elevarse, y empezaron a animarse a querer subirse a un escenario, a decir “yo quiero estar en ese lugar, yo quiero actuar”. Y ahí nos pidieron actuar, nos dijeron: te animas a dirigirnos, yo dije: bueno, claro, pero como no podía abarcar todo, porque son dieciséis las penitenciarías solamente de Devoto, Marcos Paz y Ezeiza, con la presencia de madres, de mujeres, de jóvenes adultos, los de tratamientos de drogas, máxima seguridad; bueno, son dieciséis.

Contratamos, entonces, siete directores de diferentes extractos del teatro: teatro comunitario, teatro tradicional, teatro circense, que los dirigía, cada uno con su impronta. Además, cada unidad carcelaria tiene una impronta diferente, como te decía antes. Por ejemplo, en Devoto hay muchos extranjeros: hay muchos colombianos, peruanos, bolivianos que trabajan con nosotros y que son diferentes, no conocen la historia argentina, y sin embargo trabajamos con ellos en el año 2013 preparando obras de los bandidos rurales, que fueron los primeros habitantes que tuvieron las cárceles. Por ejemplo, Hormiga Negra, Mate Cocido, Bairoleto, Juan Moreira –uno de los más conocidos- que era un puntero de Alsina, que cuando ya no le sirvió a la política quedo de lado, pero ya era un delincuente. Entonces, qué hacía ese tipo, ese tipo terminó habitando las cárceles. El Tigre de Quequén, bueno, eran dieciséis bandidos. Y la única mujer: Martina Chapanay. Como no había más mujeres, incorporamos a Juana Azurduy, a la Delfina que no eran bandidas, pero eran aguerridas y las mujeres se sentían mas identificadas con su historia.

─¿Cuáles son los planes para este año?

─MD: Este año, ya empezado el 2014, en el verano preparamos obras de humor como la que vimos hoy que Corina Busquiazo, que es la directora de esta Unidad y que nos trajo hasta Ezeiza, decidió que estaba bueno que los internos que no tienen a sus mujeres, simplemente la tienen en las visitas, en una carta o en una visita telefónica, las pudieran representar. No desde el lugar de la prostituta –que es muy común cuando el hombre se viste de mujer- sino desde el lugar de la madre, de la trabajadora, de la hermana, de la hija, de la amiga, de la mujer que está en la casa esperando que el marido llegue, que tiene que cuidar a los hijos, que tiene una familia numerosa y tiene que cocinar, es decir desde los derechos de la mujer. Bueno, la obra fue maravillosa, fue emotiva, yo ni podía hablar, me puse a llorar como varios de los que estuvimos acá hoy. Y a todos los invito a estos escenarios carcelarios a venir a ver otra realidad, esta realidad que es parte de la sociedad, es una sociedad en pequeño porque parte de lo que pasa en la sociedad está acá adentro, está en las cárceles.

─¿Quiénes forman parte del proyecto?

─MD: El proyecto está formado por un equipo en el que está Lito Cruz, que es un poco el coordinador, el proyecto lleva el nombre Dutil-Cruz, porque fuimos él y yo los que lo comenzamos –mi apellido es también parte de este proyecto-; además de nosotros, el equipo está integrado por Joaquín Molinari, que es quien coordina a prácticamente toda la gente que viene, los documentos, las autorizaciones, los elencos, los artistas, los talleristas, los transportes; Federico Echeverri que es nuestro asistente, Iván Varela que es nuestro productor técnico, luces, sonidos, dentro de lo que se puede.

Agencia Paco Urondo

GUAPAS REACCIONARIAS

Las “guapas” que dan título a Guapas, la última tira de Pol-ka, escrita por Leandro Calderone y Carolina Aguirre, que dirigen Daniel Barone y Lucas Gil, se conocieron 7 años atrás, durante el cierre fraudulento de una financiera en la que todas ellas tenían depositados sus ahorros. La desgracia común disparó esa amistad que dejó fuera a maridos, novios y amantes. Tras la pérdida del dinero y de las quimeras a futuro, las chicas tuvieron que reinventarse por prepotencia de trabajo.

"Hola guapas. Quería decirles que el choque de anoche me hizo muy bien. Hoy me levanté con ganas de dejar de hacerme la boluda. No quiero otro año igual. Otra vez lo mismo. Quiero empezar a hacer lo que quiero. ¿Ustedes no? Mandemos todo al carajo chicas. ¿Qué estamos esperando?", chatea Laura Luna (Isabel Macedo) al día siguiente de haber salido ilesa de un choque, junto a cuatro amigas.

El día que el verdulero se llevó el pedido de choclos harto de cheques rebotadores, Mónica Duarte (Mercedes Morán) supo que su ambición de restaurantera corría peligro… Siete años y una estafa después, trabaja de inspectora municipal y comparte la vivienda y el carácter irascible con su hija Natalia (Mercedes Scápola).

María Emilia Mey García del Río (Carla Peterson) era la típica "rubia tarada", rica y engreída (de las que ven a un morocho y fruncen la nariz), hasta que su fortuna se evaporó y no tuvo más remedio que buscarse un empleo. Acostumbrada a viajar por el mundo, se convirtió en azafata, lo que le permite contrabandear mercancías y seguir sosteniendo el nivel de ostentación al que está acostumbrada. En secreto, mantiene un romance con el piloto Francisco Laprida (Rafael Ferro) y rechaza los favores de Rubén Donofrio (Alberto Ajaka), el "negro bueno", operario de la aerolínea, dispuesto a cualquier cosa con tal de conquistarla (cosa que, previsiblemente, logrará).

Cuando su hija intentaba rendir un final, la mamá de Lorena Giménez (Florencia Bertotti) irrumpió en el Aula Magna de la Facultad de Medicina, para informarle que habían quedado en la ruina. Contrafigura de Mey, no es una novedad que Lorena tenga que dejar a un lado sus aspiraciones, para satisfacer la demanda familiar.

Antes que la víctima de un traspié financiero, Andrea Luna (Araceli González) es la esposa de un abogado (Mauricio Dayub), madre de familia, ama de casa sin oficio ni vocación a la vista, aunque con una inequívoca predisposición a la ingesta de bebidas alcohólicas. Desde el episodio de la financiera, que poco y nada alteró el buen pasar matrimonial, Andrea alimentó una secreta aversión hacia el marido egocéntrico y sobreprotector.

Laura es la hermana menor de Andrea. No hace mucho, se divorció de Pablo (Esteban Lamothe) aunque siguen trabajando juntos en un noticiero de televisión: él como conductor y ella como columnista meteorológica. Antes de la separación, habían intentado sin éxito siete tratamientos de fertilización asistida.

Es, al igual que Mónica, una guapa autocrítica, que no vacila en proclamar a sus amigas que el haber salvado la vida, le dio otra perspectiva. Una segunda oportunidad para barajar y jugar un juego diferente.

No es la primera vez que Pol-ka explora el universo de "lo" femenino. No obstante, después de Locas de amor, Socias, Mujeres de nadie, Amas de casa desesperadas y Para vestir santos, Guapas luce fuera de registro en muchos aspectos. Como si la peripecia de las cinco amigas hubiera quedado olvidada en un cajón o fuera el desecho de alguna de las series mencionadas, ahora, alguien decidió desempolvarla para evocar la crisis de 2001 y, de paso, sentar posición respecto de lo que vino después.

En la ficción, lo que vino después es un grupo de mujeres más insatisfechas y puteadoras que guapas, porque no son o no tienen o les arrebataron lo que querían ser o tener. Mujeres de clase media (media media o media alta) individualistas y desencajadas, que están convencidas de que la paja anida en el ojo ajeno y de que, la última, no fue precisamente una "década ganada".

Desde este punto de vista, Guapas (como antes ocurrió con El Puntero y, de alguna manera, con Farsantes) tributa a la versión desahuciada de la Historia que, cotidianamente, difunde el Grupo Clarín a través de sus medios de prensa, en este caso, con escasa originalidad (las fábulas de los periodistas son bastante más audaces y elaboradas) y una buena dosis de estereotipos de género (mujeres gritonas o boludas o extraviadas; machos alfa o indolentes o misóginos).

Salvo por algunos destellos interpretativos (inexorablemente, protagonizados por Mercedes Morán, Dady Brieva, Isabel Macedo, Mauricio Dayub, Mercedes Scápola o Mike Amigorena), el elenco parece funcionar en piloto automático, a desgano, y repite composiciones precedentes (Bertotti es Floricienta con otro vestuario, Lamothe es "el estudiante" con jopo y sin cargo de conciencia).

Por la factura de conjunto, no faltará quien confunda a Guapas con la obra de un principiante: las locaciones de exteriores son reconocibles y afectan el verosímil, tanto como las imprecisiones de lenguaje ("banco" y "financiera" son usados como sinónimos) o de correspondencia con la realidad (¿un empleado de mantenimiento puede prestarle diez pesos a una aeromoza que apenas conoce?), o la ostensible discontinuidad en la puesta en escena o en la temporalidad narrativa.

Así como 20 años atrás, Pol-ka renovó el lenguaje televisivo, elevó el estándar de producción y se constituyó en una usina de talentos (artísticos, interpretativos y técnicos), hoy está retrocediendo a una televisión previsible, reaccionaria y pasada de moda.

María Iribarren

LAS AGUAS BAJAN TURBIAS

En esta película de Hugo del Carril (basada en la novela "El río oscuro" de Alfredo Varela, y realizada entre 1951 y 1952) se muestra la explotación de los mensúes en los yerbatales del nordeste argentino, acentuando la necesidad de modificar en el espacio rural las relaciones laborales y familiares obsoletas. Se sugiere que esto será posible en un utópico sur, que alude a la ciudad industrializada, hacia donde la pareja protagónica logra huir. Es una de las obras más destacadas del cine argentino. Fue estrenada el 9 de octubre de 1952 en el Gran Rex, y se la ha exhibido también como El infierno verde.

Alfredo Varela, quien también colaboró en el guion, aunque no aparece en los créditos de la película por razones de censura política. Cuenta la leyenda que Hugo del Carril le pidió permiso a Perón, quien puso dos condiciones: tenía que aclararse que los hechos narrados por la película habían ocurrido mucho tiempo atrás y el nombre del autor no podía figurar en los créditos. Alfredo Varela fue trasladado de una cárcel del Chaco a Devoto, y Hugo del Carril y Eduardo Borrás lo visitaron hasta transformar la novela en Las aguas bajan turbias.

Los campesinos eran obligados a ir al Litoral a cosechar la yerba mate, eran maltratados, golpeados, insultados por sus capataces. Además eran estafados en sus libretas donde se les anotaban sus deudas. Por el río Paraná navegaban cadáveres, de trabajadores que se habían resistido o enfrentado a la autoridad. Si alguien quería escapar se lo castigaba a tal punto que muchas veces se lo mataba.

Se comienza a hablar de los sindicatos y los trabajadores empiezan a revelarse. Hasta un momento en que se arma un tiroteo en donde muere mucha gente y la pareja protagonista logra escapar: huyen en un caballo y luego se refugian y corren por el bosque. La rebelión en el norte hizo que los yerbatales pudieran castigar a los capataces que durante tanto tiempo los habían maltratado...







Reparto:

Hugo del Carril
Adriana Benetti
Raúl del Valle
Gloria Ferrandiz
Pedro Laxalt
Eloy Álvarez
Herminia Franco
Joaquín Petrosino
Carlos Escobares
Domingo Garibotto
Francisco Audenino
Luis Otero
Robert Le Vigan
Mecha López
Fausto Etchegoin

ALMA

¿Para qué sirve conmemorar cada 8 de marzo «El Día Internacional de la Mujer Trabajadora o Día Internacional de la Mujer»?

Dicen que conmemora la lucha de la mujer por su participación, en pie de igualdad con el hombre, en la sociedad y en su desarrollo íntegro como persona...

Sin embargo, Cuatro medios del Grupo Clarín siguen publicando avisos de oferta sexual... por ejemplo.

¿Qué mujer conmemora el 8 de marzo? ¿qué significa ser mujer para los medios hegemónicos que manipulan las subjetividades e imponen la agenda sobre qué pensar, qué decir, qué sentir?

¿Una mujer exitosa es alguien parecido a Ernestina Herrera viuda de Noble?




Alma se prepara para asistir al acto del jardín de su hija, pero nunca llega. De camino, es secuestrada por una red de trata de personas. Al igual que muchas jóvenes, se ve obligada a renunciar a toda su vida en un segundo, para pasar a servir a un sistema perverso y machista que denigra a la mujer a un valor meramente utilitario. Sin embargo, cuando se pierde la libertad del cuerpo, queda la del alma...

ALMA... Cortometraje dirigido por Marcela Suppicich sobre la trata de personas. Durante el 2011 participó en el "11º Festival Internacional de Cine de Temática Sexual", el "Concurso Iberoamericano de Cortometrajes La Mujer y el Cine" y el "Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, Cuba". Declarado de interés social por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Elenco:

Yanina Romanin (Alma) , Alejandro Alonso (Búfalo) , Juliana Burdet (Priscila) , Patricia Corsanego (Reina) , Fernando Blanco (Policía) , Roque Favale (Cliente)

Equipo técnico:

Dirección:
    Marcela Suppicich

Guión:
    Marcela Suppicich

Producción:
    Ayelén Estévez

Asistencia de Producción:
    Valeria Contarino

Director de Fotografía:
    Julián Buldrini

Sonido directo:
   Ernesto Aguilar
   Fernanda Krempovich

Música:
    Gonzalo Viñes

Montaje:
    Martín Senderowicz

UN POCO DE HISTORIA CON RANDY NEWMAN

Las grandes naciones de Europa se habían reunido en la orilla
habían conquistado lo que estaba detrás de ellos y ahora querían más
así que ellos miraron el poderoso océano y viajaron hacia el mar Occidental
Las grandes naciones de Europa en el siglo 16
The Great Nations of Europe had gathered on the shore
they'd conquered what was behind them and now they wanted more
so they looked to the mighty ocean and took to the Western sea
The great nations of Europe in the 16th century


Escondan a sus esposas e hijas, escondan los comestibles también
Las grandes naciones de Europa se acercan
Hide your wives and daughters, hide the groceries too
The great nations of Europe comin' through


Las Islas de Gran Canarias fueron la primera tierra a la que llegaron
masacraron a todos los canarios allí, que dieron a la tierra su nombre
había allí nativos llamados guanches, guanches por la puntuación
Pero por las balas y la enfermedad de los portugueses, ellos no estuvieron nunca más
The Grand Canary Islands first land to which they came
they slaughtered all the canaries there which gave the land its name
there were natives there called Guanches, Guanches by the score
But bullets, disease the Portuguese, they weren't there any more


 Ahora ya no están, ya no están, ellos realmente ya no están
usted nunca vio a nadie tan desaparecido
Hay fotos en un museo, algunas líneas escritas en un libro
pero no vas a encontrar uno vivo, no importa donde se mire
Now they're gone, they're gone, they're really gone
you never seen anyone so gone
There's pictures in a museum, some lines written in a book
but you won't find a live one, no matter where you look


Escondan a sus esposas e hijas, escondan los comestibles también
Las grandes naciones de Europa se acercan
Hide your wives and daughters, hide the groceries too
The great nations of Europe comin' through


Colón zarpó para la India y en cambio se encontró El Salvador
le dio la mano a algunos indios y pronto todos ellos estaban muertos
ellos tuvieron la tuberculosis y la fiebre tifoidea y el pie de atleta , la difteria y la gripe
Disculpe, las grandes naciones de Europa se acercan
Columbus sailed for India found El Salvador instead
he shook hands with some Indians and soon they all were dead
they got TB and typhoid and athlete's foot, diphtheria and the flu
'scuse me great nations comin' through


Balboa descubrió el Pacífico y en el camino, un día
se encontró con algunos indios amigos quienes le dijeron que eran gay
Así que ...
los hizo despedazar por los perros por motivos religiosos dijeron
las grandes naciones de Europa eran bastante religiosas en su camino
Balboa found the Pacific and on the trail one day
he met some friendly Indians whom he was told were gay
So...
he had them torn apart by dogs on religious grounds they say
the great nations of Europe were quite holy in their way


 Ahora ya no están, ya no están, ellos realmente ya no están
usted nunca vio a nadie tan desaparecido
algunos huesos escondidos en un cañón, algunas pinturas en una cueva
son inútiles tratando de salvarlos, no hay nada que salvar
now they're gone, they're gone, they're really gone
you never seen anyone so gone
some bones hidden in a canyon some paintings in a cave
they're no use tryin' to save them, there's nothin' left to save


Escondan sus esposas e hijas, oculten sus hijos también
con las grandes naciones de Europa nunca se sabe
Hide your wives and daughters, hide your sons as well
with the great nations of Europe you never can tell


Donde usted y yo estamos de pie al final de un siglo
los europeos han surgido en todas partes, ya que incluso puedo ver
pero está en el horizonte la posibilidad
que algunos errores de fuera de África podrían venir por ti y por mí
destruyendo todo a su paso de costa a costa
al igual que las grandes naciones de Europa en el siglo 16
Where you and I are standing at the end of a century
Europes have sprung up everywhere as even i can see
but there on the horizon is the possibility
that some bug from out of Africa might come for you and me
destroying everything in it's path from sea to shining sea
like the great nations of Europe in the 16th century

LA PASIÓN X LA MURGA

Ariel Prat va y vuelve de España a la Argentina. El músico que vive hace algunos años en el país europeo nunca se alejó de los barrios porteños y mucho menos se alejó de lo que más le apasiona: la murga.

Su relación con el barrio y el fútbol fueron determinantes para que esta rítmica rioplatense lo marque de por vida. Hoy, como principal referente de la murga porteña, se dedica además de la música a la difusión de la historia y los orígenes de uno de los ritmos (y por qué, no rituales) más castigados durante la última dictadura militar. Cada verano, Prat cruza el charco para carnavalear en la Argentina, ponerse el traje murguero y cantar por los barrios porteños.

–Vas a estar nuevamente en el escenario del Tasso. ¿Cómo será este año el Carnapratasso?

–Este es el cuarto año, y para mí es un orgullo porque permanecer y llegar al público con una manera tan porteña de vivir y cantar el viejo carnaval, lo que no es fácil, porque todavía hay cosas pendientes. En esta última década ganada hemos logrado volver al feriado, pero todavía quedan cosas para restablecer el contacto entre la cultura oficial y la del carnaval. Cuando digo "murga porteña" estoy hablando de la murga metropolitana, porque la variedad de la murga en todo el país tiene diferentes expresiones. Lo que hago es representar. Digo que soy un hilo conductor entre la calle y el escenario. Lo que siempre destaco del Carnapratasso es que la gente baila mucho abajo del escenario, se anima, cosa que a veces en un corso no pasa porque hay una murga bailando, y eso te da respeto y admiración.

–¿Dónde nace tu amor por la murga y cómo se transforma en tu identidad?

–Es como el fútbol: hay una pasión que se va alimentando y uno la juega o no. En este caso, al fútbol lo sigo jugando de manera no profesional, y en cuanto a la murga, fui transformando la pasión infantil a la pasión musical. Y no sólo la música de la murga: también fui incorporando a través del paso de la niñez hasta ahora las texturas poéticas, lo que representa la murga en el barrio, o para la gente. La murga es, para mí, parte de mi afecto desde la cuna.

–¿Qué cosas cambiaron en los carnavales?

–Cuando era chico, había otra idea de disfrazarse en carnaval, que tenía otro significado. No sólo era el disfraz de uno, sino el trabajo de otra gente que trabajaba para usar, más allá de la murga. El carnaval sufrió los embates del capitalismo y también de una cuestión interna que tiene que ver con la representación del imaginario de ciertas políticas y sectores cívico-militares de la sociedad, que representaban a lo negro y al peronismo proscripto. Con el tiempo se fue haciendo carne y quedó relegada la representación del carnaval. Hay una historia negada de la cual la murga es un hilo y el carnaval viene adosado a eso.

–¿A qué se debe que se tome como referente a la murga uruguaya por sobre la argentina?

–Es un error, porque tienen el mismo nombre dos cosas diferentes. Nuestra murga viene de la vieja comparsa afro-argentina y se mantienen muchas de esas cosas, además de que nuestra murga es inclusiva en cuanto a integrantes, variedad y voces. Es erróneo hacer comparaciones porque se cae en agravios comparativos y no tienen mucho que ver. Es distinto. Además, en Uruguay y Montevideo no se dejó nunca de festejar el carnaval en la dictadura, por ejemplo; en cambio, nosotros fuimos perseguidos. Nosotros tuvimos que desaparecer porque la murga no cantaba en el escenario, desfilaba y no cantabas en el escenario y para qué ibas a necesitar cantante. En la época de oro de nuestra murga, en la década del '40, había tipos que cantaban y también en la orquesta, entonces lo fuimos recuperando y nuestra murga tenía otro significado. Se confunden mucho propios y extraños. Hay diferentes candombes, se tocan de diferentes maneras. Nosotros estuvimos trabajando a partir de que hubo tantos años de desinformación y de descuido.

–¿La forma de escribir dentro de la murga sigue siendo el mismo?

–Sí. Cambiaron algunas cosas en cuanto a lo que dice. En cuanto al formato, hay diferentes maneras de cantar: está el recitador, que es el glosista, la parte de la entrada más de referencia, y la retirada, que tiene la melancolía del tango; y después vienen el baile, porque la murga tiene mucho de furia. La picaresca de los años '50 o '60 fue variando. La murga fue luego declarada patrimonio, lo que implicó que no vayamos presos si cantábamos en la calle. Es en sí un género de crítica, pero así como tiene cosas para criticar también puede cantar las cosas lindas.



Fotos, dibujos y máscaras

Este año, el Carnapratasso tendrá dos propuestas que se suman a lo que sucederá en el escenario. Se trata de la muestra fotográfica con la obra de Salvador Batalla, y otra con los dibujos y máscaras de César Domínguez.

"Este año decidimos sumar un par de cosas nuevas. La muestra de fotos de Salvador Batalla (autor de los artes de discos de Bersuit Vergarabat) está basada en todos los Carnapratassos anteriores. Él retrata todo el ritual que se va armando durante la presentación de las murgas; es un registro de lo que pasa por fuera del escenario. Además, habrá máscaras de César Domínguez. Y estará el murguero Gustavo Massud, que nos da un poco de histrionismo para dirigir la cosa con la gente.


Las murgas invitadas

Prat comienza mañana el ciclo que se extenderá a lo largo de cinco semanas, y cada fecha tendrá invitados especiales. "No llevamos la murga entera porque la idea es mostrar cómo es escénicamente cada murga", afirma Prat.

En el primer día estará la agrupación Los Mismos de Siempre, y el miércoles siguiente pisará el escenario La Redoblona. La fecha siguiente estará a cargo de Los Pretenciosos Porteños. Luego, el 12 de marzo será el turno de Los Inconscientes de Almagro. El tercer miércoles de marzo le toca subir al escenario a Audades del Bajo Belgrano, que tendrá la presencia del Loco René Houseman, y para el cierre del ciclo, el 26 de marzo, estarán Los Elegantes de Palermo.


¿Cuándo? LOS MIÉRCOLES Ariel Prat se presentará a partir del 19 de febrero, durante seis miércoles, a las 22 en el Centro Cultural Torquato Tasso, Defensa 1575.

«MÚSICA» o «SOJA»

Esta noticia no existe, es decir, no es real, es decir, es inventada... Manuel Quieto, el cantante del grupo de rock La Mancha de Rolando, tuvo que salir a desmentir lo que todos los diarios y medios desinformativos habían repetido: que él hubo ofendido a los ruralistas en la Fiesta Nacional del Trigo, en la localidad cordobesa de Leones. Nada de lo que dicen que pasó pasó...

La patética situación que plantearon los agroexportadores de "el campo", que no liquidan la cosecha acumulada en silos bolsa para presionar al gobierno nacional con el precio del dólar, tiene un nuevo capítulo: el cantante del grupo de rock La Mancha de Rolando, amigo personal del vicepresidente Amado Boudou, les cantó las 40 a los productores agrogarcas durante el recital inaugural de la Fiesta Nacional del Trigo, en la localidad cordobesa de Leones.

Desde el escenario, y ante un público de 3.000 personas, Manuel Quieto llamó a los ruralistas "gringos de m... que están sentados sobre los silos de soja" y expresó, haciéndose eco de la postura nacional, que no tienen que guardar los granos en los silos bolsa, sino "venderlos".

El músico definió a los productores como “Gringos de m… que están sentados sobre los silos de soja”, y se refirió a “la suciedad rural”, en alusión a la Sociedad Rural.

Además, el autor de "Arde la ciudad" tuvo tiempo de agradecer a los funcionarios responsables de que estuvieran tocando allí esa noche. Quieto destacó las gestiones de la intendente Lorena Bussi, el diputado Fabián Francioni y, por supuesto, Boudou.

En el pasado, Quieto definió a Boudou como "un gran amigo, una excelente persona y un gran profesional", y aseguró que era "el mejor ministro de Economía y vicepresidente" que tuvo la Argentina.

"Nunca tomé ni analicé en términos de beneficio o perjuicio ese tipo de relación que tenemos con Amado Boudou. Nunca nadie me dijo nada negativo. Sé que por muchos años va a estar, es un dirigente que le quedan muchísimas cosas por hacer", profetizó el músico en una entrevista del 2012.

La Mancha de Rolando se presentó en los últimos años en celebraciones como la Fiesta Nacional del Dulce de Leche (Cañuelas), la Fiesta Nacional de la Manzana (General Roca) y la Fiesta Nacional del Arroz (San Salvador), entre muchas otras.

Más allá de la anécdota, reconozcamos que Manuel Quieto estuvo bastante educado si nos detenemos a analizar el daño que ocasionan al país los especuladores de Silos Bolsa.

CANDILEJAS

Publicarán la novela de Charles Chaplin en la que se basó la película Candilejas. Fue escrita por el cómico en 1948 y su título original es Footlights. Los manuscritos se encontraban en el archivo Charles Chaplin de Bolonia, Italia, y se editan ahora por primera vez.

Candilejas (Limelight, en inglés) es una película de cine de 1952 con guion, producción, dirección y actuación de Charles Chaplin. Un viejo payaso (Charles Chaplin), después de evitar el suicidio de una joven bailarina (Claire Bloom), no sólo la cuida, sino que, además, se ocupa de enseñarle todo lo que sabe sobre el mundo del teatro para hacerla triunfar...

Sé que soy gracioso pero los managers creen que ya pasó mi momento. ¡Dios! Sería buenísimo hacerles comer sus propias palabras. Eso es lo que detesto de volverse viejo: el desprecio y la indiferencia que te muestran. Creen que soy un inútil… por eso estaría genial volver al escenario. Qué digo genial… sería sensacional. Sacudirlos de risa como las que yo provocaba… sentir cómo empiezan a rugir… oleadas de risa que llegan hasta vos, que te levantan del piso… eso sí que es un bálsamo". Esto dice el payaso alcohólico Calvero, protagonista de la película Candilejas, estrenada en 1952.

Pero quien le da voz a ese personaje (que también le prestó el cuerpo, claro) es el mítico Charles Chaplin. En 1948, el comediante escribió una novela llamada Footlights, que sería la base del film. El texto quedó archivado hasta ahora, que se publicará por primera vez.

Las distintas partes de la obra –en forma de manuscritos y guiones mecanografiados– permanecía en los archivos Chaplin de la Cinemateca de Bolonia, en Italia. Esta institución es la encargada de digitalizar todos los trabajos del cineasta y es la que ahora se encarga de publicar esta novela. Así lo indicó el diario inglés The Guardian, en una información que fue retomada por diversas agencias del mundo; entre ellas, EFE y Télam. Compuesto por 34 mil palabras, Footlight fue reconstruido por el biógrafo de Chaplin, David Robinson, que lo incluyó en su libro The World of Limelight (El mundo de Candilejas).

Cecilia Cenciarelli, co-directora de la cinemateca, dijo que la novela "tiene su aspecto sombrío". "Es la historia de un comediante que perdió su público luego de ser considerado por la prensa un 'formador de actores' y también 'un exitoso director de películas'", agregó. Se trata de una suerte de precuela del film, en donde se evidencia "por qué Calvero tiene pesadillas, por qué está tan desencantado del público, de su propia carrera", continuó. "El libro profundiza en la relación del artista con su audiencia, en el significado del arte", aseguró.

Chaplin escribió ésta, su única novela, en 1948. Es decir, cuatro años antes de la película y antes de verse obligado a abandonar Estados Unidos a principios de los cincuenta. Chaplin debió tomar esta decisión por la implacable persecución de Edgar Hoover, director de la Oficina Federal de Investigación (FBI), quien consideraba que el actor era "comunista". De acuerdo con el biógrafo, Chaplin fue un "gran blanco" de Hoover, hasta el punto de lograr que "una gran parte de la clase media de Estados Unidos se volviera contra él". Esta situación le provocó una "gran conmoción" tras haber sido "el hombre más querido del mundo durante 30 años".


Según detalles divulgados en Londres por Robinson, la historia cuenta con personajes similares a los de Candilejas. Es decir, el cómico alcohólico y mayor de edad, Calvero (Chaplin), y la bailarina Thereza (Claire Bloom) a la que salva del suicidio. El libro no fue escrito con la intención de ser publicado sino algo muy personal para Chaplin, un actor criado en un barrio pobre de Londres que dejó Inglaterra en 1913 para radicarse en Hollywood y desarrollar su carrera como actor y director.

"Es increíble que un hombre que fue a la escuela seis meses se las haya arreglado para ser escritor", continuó Robinson. Y comentó que este texto muestra una faceta poco conocida de Chaplin, que podía moverse con soltura en distintos registros. Así, el libro va de lo coloquial hasta un tono que deja entrever una enorme imaginación, aunque deslizada en cada párrafo con sutileza.

Robinson también dijo que a lo largo de la historia se traslucen algunas memorias de la dura infancia del artista en el sur de Londres. Por ejemplo, su extraña aversión a los parques, a los que consideraba "las tumbas vivas de los pobres y los que no tienen dónde ir". La novela también muestra "el placer que le causaba encontrar palabras raras o exquisitas para aprender una cada día". Una de ellas, "inefable", fue una de las favoritas de Chaplin en sus últimos días. "Una vez que encontraba una palabra la usaba, aún si no era totalmente adecuada para la situación. De todos modos, su escritura es increíble. Con sus films trabajaba y trabajaba hasta que lograba lo que quería. Lo mismo con el libro. Es bueno. Extraño, pero bueno", dijo.

Footlights, que incluye los comentarios del biógrafo, se presenta esta semana, con un evento en el British Film Institute Southbank de Londres auspiciado por la cinemateca. El libro estará disponible a través de Amazon aunque todavía no tiene editores en Gran Bretaña o en Estados Unidos. Algo que Cenciarelli espera que cambie, según indicó.


Dos escenas memorables

Si existen grandes momentos del cine, sin duda la confluencia de Charles Chaplin y Buster Keaton en escenas memorables de Candilejas es uno de ellos.





Se trata del encuentro de dos monstruos, de dos grandes, aunque la historia haya endiosado la figura de Chaplin en desmedro de la de Keaton, el hombre que tenía prohibida la risa por contrato. Las escenas son dos: una en la que los dos viejos actores se están maquillando en el camarín y otra en que interpretan una pieza musical con Chaplin en el violín y Keaton en el piano.

Los fanáticos del hombre del bastón, la galera y el bigotito aseguran que dicha confluencia fue un generoso regalo que este le hizo a un Keaton en decadencia. Otros, en cambio, sostienen que las escenas rodadas eran más de las que aparecen y que fueron suprimidas por Chaplin porque encontró que Keaton lo superaba en comicidad. Más allá de las anécdotas, lo cierto es que a su capacidad para la pantomima, Chaplin añadió también talento para los negocios y fue hábil en la tarea de forjarse un prestigio.

Vistas hoy, las películas de Keaton muestran a un cómico que no hace concesiones al público, que no lo gana con golpes bajos sentimentales, sino con un talento difícil de igualar que incluía desde una creatividad sin límites a la destreza de un gran acróbata.

Candilejas es, sin duda, una película que ocupará para siempre un lugar privilegiado en la historia del cine, por lo que es fácil deducir que la novela en que se basó encontrará lectores bien dispuestos en todo el mundo. Quizás uno de los mayores méritos de la película haya sido reunir a dos grandes que entendían el cine de formas diametralmente opuestas.

AGUANTE EL CINE NACIONAL

Entrevista con Lucrecia Cardoso, flamante presidenta del Instituto Nacional del Cine y Artes Audiovisuales (Incaa). 

“La designación es un reconocimiento a la gestión de estos 6 años”.




¿Qué significa su designación al frente del Incaa?

Lucrecia Cardoso: En principio, es un orgullo, una gran responsabilidad que la presidenta me haya designado. La decisión que sea yo es un reconocimiento a todo un equipo de trabajo que está hace 6 años al frente de una gestión, con Liliana Mazzure al frente. La decisión viene a ratificar ese trabajo.


¿Cuáles son los principales logros que tuvo esa gestión?

LC: Estuvo muy relacionado con otras grandes políticas que se implementaron en estos años y que tuvieron como objetivo la democratización de la comunicación, como la ley de Medios, la Televisión Digital Abierta y los planes de fomentos que se pusieron en marcha alrededor de TDA para poder federalizar la producción de contenidos. Se han generado ficciones, animaciones en prácticamente todas las provincias. Esos contenidos fueron reconocidos por nuestro público y en el exterior, abriendo mercados, con premios en festivales. El balance es muy positivo.


¿Cuál es la importancia de Incaa TV, que ahora además tendrá lugar en Cablevisión?

LC: Expresa otro aspecto más de nuestra política. Que tenga lugar en Cablevisión es el resultado de la pelea de miles y miles de argentinos para lograr primero la sanción de la ley de Medios y después su aplicación plena. Incaa TV busca recuperar la producción del cine nacional, es una ventana más para nuestro cine. De los 1.500 títulos que se emitieron en estos tres años, y que los usuarios de Cablevisión no pudieron ver, se remasterizaron más de 600. Eso habla de acercar el cine nacional a nuestra gente y también la idea de recuperar nuestro patrimonio.


¿Qué análisis hace del momento de la industria del cine en la Argentina?

LC: Es un momento fantástico. El contexto es el de una revolución constante de las tecnologías audiovisuales, sea en la producción y la exhibición. En Argentina pasamos en 2003 de 35 millones de espectadores a 48 millones en 2013, casi un 40% más. Eso dice muchas cosas. De la industria cinematográfica y de la impresionante recuperación económica. Sobre ese total creció la incidencia del cine nacional. En 2003, 3,5 millones vieron películas nacionales. En 2013, fueron casi 8 millones. Cuatro de las 10 películas más vistas fueron argentinas.


¿Esa industria nacional cuántos puestos de trabajo involucra?
LC: Nosotros calculamos 100 mil, directos e indirectos. Desde los servicios vinculados a la producción a la exhibición, por ejemplo, los puestos generados por las salas.


Mazzure decía en una entrevista hace un tiempo, que la industria no tenía problemas de producción sino de distribución, por la falta de pantallas para el cine nacional. ¿Se revirtió esa situación?
LC: Eso necesita políticas de mediano y largo plazo. Hubo una recuperación en la cantidad de salas en estos años. Se está trabajando fuertemente en eso. El salto tecnológico supone muchos cambios, sea en la producción pero también en la circulación de contenidos.


 Todo el tiempo usted vincula la política del Incaa en relación con otras acciones del Gobierno. Una de las políticas del Ejecutivo en estos años tiene que ver con la integración latinoamericana. En ese sentido, ¿Cuál ha sido el diálogo de la industria argentina con las industrias de otros países de la región?
LC: Hay muchas iniciativas en marcha. Argentina es un gran co-productor, coproduce prácticamente con todos los países de la región. Eso fue acompañado por iniciativas como fondos de co-producción específicos, por ejemplo con Brasil. Después hay experiencias como DocTv Latinoamérica, que es una articulación de canales públicos e institutos de cine de la región. La idea es producir documentales latinoamericanos, que a la vez son difundidos por los canales públicos de todos los países.


Lugares emblemáticos de distribución de películas nacionales, son los "espacios Incaa". ¿La idea es aumentar la cantidad de salas en todo el país?

LC: Hoy hay alrededor de  48 pantallas en todo el país, la idea es llegar a 60 en lo que va de este año. Se hizo un concurso y se seleccionaron las salas que van a formar parte del concurso. En muchos casos articulamos con provincias, localidades, sindicatos o universidades, que ya tienen salas, entonces, firmamos un acuerdo por el cual el Incaa se ocupa de mejorar la sala a cambio de la programación de películas nacionales o latinoamericanas. En un trabajo con otras áreas del Gobierno apuntamos a la digitalización de los espacios Incaa (proyección en 3D, sonido 7.1) para que forme parte de una red de distribución a través de Arsat.

Enrique de la Calle

APU

EL VIAJE DE AVELINO

Combinando elementos del documental antropológico con ficcionalización de hechos reales, en El viaje de Avelino, el porteño Francis Estrada echa mano de un método largamente utilizado por Abbas Kiarostami, solicitando de sus protagonistas la reconstrucción dramática de un episodio vivido por ellos tiempo atrás. A mediados de 2005, Avelino Vega, poblador de un modestísimo caserío catamarqueño, emprendió un largo viaje en burro hasta la distante ciudad de Fiambalá, desafiando las dificultades del terreno, el frío y la intemperie. Intentaba salvar a la hija, a quien la disentería puso en riesgo de muerte. Enterado del episodio gracias a un noticiero de televisión, Estrada (Buenos Aires, 1964) viajó hasta el poblado de Río Grande, se familiarizó con los Vega y terminó filmando aquella aventura, sin pretender sacarla de proporciones en relación con lo real.

Presentada en la competencia argentina del Bafici 2009, El viaje de Avelino funciona como si a algún retrato documental de Jorge Prelorán (Hermógenes Cayo o Medardo Pantoja, pongámosle, aunque más no sea por contigüidad geográfica) se lo hubiera puesto en movimiento, mediante el recurso a lo narrativo. Narratividad que no se impone de modo forzado sobre ambiente y personajes, sino que parecería desprenderse de ellos. Ambos planos coexisten. El plano documental pone al espectador porteño frente a un entorno y unas costumbres sideralmente distantes: las comunicaciones limitadas al radiomensaje, el sacrificio y la preparación de un cordero, la celebración de una fiesta comunal, el acordeón que al final toca Avelino, celebrando tal vez la cura de la Nely.

Sobre esos datos se entrelaza la historia de la enfermedad de la nena, que incluye la consulta a la curandera, algún infructuoso pase mágico, el empeoramiento progresivo y la visita de un enfermero, que aconseja llevarla a Fiambalá. Donde, a diferencia de Río Grande, hay médicos y un hospital.

Narrada con la austeridad que el ambiente pide, El viaje de Avelino da a pensar que, más que diferencias esenciales, las relaciones entre documental y ficción tal vez consistan en una cuestión de grados o dosificación. En este caso se pasa de la mayor concentración documental de los primeros tramos a una intensificación de lo ficcional, a partir del momento en que padre e hija inician su viaje. Sin el menor comentario o intrusión musical y ayudado por una pulida fotografía de Carla Stella, Estrada se atiene a las formas más estrictas del documental de observación, dejando que las imágenes cuenten la historia, sin mediaciones.

Imágenes en ocasiones construidas con deliberación, como la presencia de algún personaje colateral (el cazador que anda detrás de un puma) o la escena en que un burro amaga escapársele a Avelino. O, sobre todo, una en la que la aparición de una vaca espantada, en medio de la noche y entre los matorrales, puede llegar a generar algún sobresalto fuera de programa. Si alguna conclusión hay para extraer de la historia –que la distancia y la pobreza pueden conducir a la mortalidad infantil, por ejemplo–, esa conclusión queda a cargo del espectador. En un momento, Estrada marca con lucidez diferencias de fondo entre el documentalismo cinematográfico y el televisivo, contraponiendo, en la misma imagen, el desdramatizado entorno del caserío con el dramatismo que desde la pantalla del televisor intenta imponer, en la cobertura de esa misma noticia, un conductor de noticiero.

El viaje de Avelino se estrenó en una única sala del complejo Arteplex Belgrano, que de aquí en más pasa a llamarse Incaa-Doc y que, por iniciativa del Instituto de Cine y Artes Audiovisuales, estará exclusivamente destinada a la exhibición de documentales locales. Una forma de estímulo que estaba haciendo falta. Ahora puede verse por televisión, en el canal de INCAA TV.

Horacio Bernades

EL VIAJE DE AVELINO

Argentina, 2009.

Dirección y guión: Francis Estrada.

Asesoramiento de guión: Carmen Guarini.

Dirección de fotografía: Carla Stella.

Edición: José María del Peón.

Producción: Michelle Jacques Toriglia para MC Producciones.

Estreno en proyección DVD, exclusivamente en la sala Incaa-Doc del Arteplex Belgrano.