ERRANTES... EN «LA LECHERÍA»

En el mes de diciembre de 2008, demolieron el asentamiento conocido como “La Lechería”, ubicado entre las estaciones de "Villa del Parque" y "La Paternal" del ferrocarril San Martín. Allí, vivían más de 250 familias. El edificio, que antiguamente era una lechería, había quebrado en la década del 70, y a partir de 1981, comenzó a ser ocupado por familias procedentes de diferentes provincias del país, especialmente de Santiago del Estero, Salta y Misiones. Más recientemente, también habían llegado familias de países vecinos. Durante 27 años, estas familias vivieron hacinadas en un lugar que carecía absolutamente de todo.

“La Lechería” era una antigua fábrica que cerró a fines de la década del ’70, ubicada en Caracas 2787/91/97 en el barrio de Villa del Parque. Durante la década del 80 se formó una cooperativa de lecheros con los trabajadores de dicha fábrica. La cooperativa quebró y las familias se vieron obligadas a instalarse en ella para poder tener un techo donde poder vivir. La población fue creciendo y no solo se ocupó cada rincón en el interior de la fábrica sino que creció para arriba, en muy frágiles condiciones edilicias e inhumanas condiciones de salubridad, y se extendió al costado de las vías del Ferrocarril San Martín. Las condiciones de hacinamiento empeoraban con un sistema cloacal colapsado, instalaciones eléctricas precarias, riesgo de derrumbe y continuos accidentes por la proximidad a las vías del tren.

Recordemos el Violento ENFRENTAMIENTO en MATADEROS entre VECINOS y exVILLEROS dueños de un terreno, porque el racismo, la discriminación xenofóbica no les permite a los pobres "Ni el derecho a la propiedad privada".











ERRANTES... Directores: Lisandro González Ursi y Diego Carabelli.

DÍA MUNDIAL DEL TEATRO

El Teatro Nacional Cervantes es, en 2014 nuevamente, la sede para la celebración en Buenos Aires del Día Mundial del Teatro. El acto se realizará a partir de las 20 horas en la Sala María Guerrero, con entrada libre y gratuita. También como es habitual, el festejo que tiene el madrinazgo de China Zorrilla, reunirá a prestigiosos teatristas.

Primero, la Sociedad General de Autores de la Argentina, la Asociación Argentina de Actores, el Teatro Nacional Cervantes y el Centro Argentino del Instituto Internacional del Teatro/Unesco presentarán "Avances del Teatro Argentino y su Actualidad", con una lectura del mensaje nacional a cargo de la dramaturga Patricia Zangaro. En tanto Pepe Soriano (presidente del Centro Argentino del Instituto Internacional del Teatro) leerá el mensaje internacional que este año escribió el dramaturgo y director sudafricano Brett Bailey.

El público será recibido en el foyer del Cervantes por Claudio Gallardou y Tony Lestingi de La Banda de la Risa, y durante la ceremonia tendrá oportunidad de disfrutar una selección de momentos de cuatro espectáculos.

Luego se presentará Tierra del fuego de Mario Diament con dirección de Daniel Marcove y un elenco integrado por Alejandra Darín y Miguel Jordán, junto a Carlo Argento, Ricardo Merkin, Juan Carlos Ricci y Elena Petraglia.

Después, Julia Calvo, Jorge Suárez, Néstor Caniglia y el pianista Diego Vila interpretarán fragmentos de la premiada Manzi, la vida en orsai, dirigida por Gambartes y Vila.

A continuación de la lectura del mensaje internacional se presentarán Para mí sos hermosa de Paula Ransenberg, con dirección de Marcelo Nacci, y Venimos de muy lejos por el Grupo Catalinas al Sur que dirigen Adhemar Bianchi y Stella Giaquinto.

Como cada año, esta celebración en el Teatro Nacional Cervantes será una fiesta con destacados artistas representantes de los distintos rubros teatrales y el público, impulsado por el director, investigador y profesor Francisco Javier, autor de la idea y director del acto. La coordinación técnica es de Carlos Di Pasquo, la coordinación ejecutiva es de Damián Rovner y la producción y presentación están a cargo de la periodista e investigadora teatral Ana Seoane.

«El Día Mundial del Teatro fue creado en 1961 por el Instituto Internacional del Teatro (ITI). Se celebra anualmente el 27 de marzo por los Centros ITI y la comunidad teatral internacional. Varios eventos teatrales nacionales e internacionales son organizados para conmemorar esta ocasión. Uno de los más importantes es la circulación del Mensaje Internacional del Día Mundial del Teatro a través del cual, por invitación del ITI, una figura de talla mundial comparte sus reflexiones sobre el tema del Teatro y una Cultura de Paz. El primer Mensaje Internacional del Día Mundial del Teatro fue escrito por Jean Cocteau (Francia) en 1962.

»Primero fue en Helsinki, y luego en Viena, en el 9º Congreso Mundial del ITI en junio de 1961 que el Presidente Arvi Kivimaa propuso en nombre del Centro Finlandés del Instituto Internacional de Teatro que un Día Mundial del Teatro sea instituido. La propuesta, respaldada por los centros escandinavos, se realizó por aclamación.

»Desde entonces, cada año el 27 de marzo (fecha de la apertura de 1962 del "Teatro de las Naciones" temporada en París), el Día Mundial del Teatro se celebra en muchas y variadas formas por los Centros Nacionales del ITI de los cuales en la actualidad hay casi 100 en todo el mundo.

»Cada año, una figura sobresaliente en el teatro o una persona excepcional en corazón y espíritu de otro campo, es invitada a compartir sus reflexiones sobre el teatro y la armonía internacional. Lo que se conoce como el Mensaje Internacional se traduce en más de 20 idiomas, leído por decenas de miles de espectadores antes de las presentaciones en teatros de todo el mundo e impreso en cientos de diarios. Colegas en el ámbito audiovisual dan una mano fraternal, más de cien estaciones de radio y televisión que transmiten el Mensaje a los oyentes en todos los rincones de los cinco continentes».

2014: Brett Bailey

Donde quiera que haya sociedad humana, el irreprimible Espíritu de la Representación se manifiesta.

Bajo los árboles de pequeñas aldeas y sobre sofisticados escenarios en grandes metrópolis; en salones de actos de colegios y en campos y en templos; en suburbios, en plazas públicas, en centros cívicos y en los subsuelos de las ciudades, la gente se reúne en comunión en torno a los efímeros mundos teatrales que creamos para expresar nuestra complejidad humana, nuestra diversidad, nuestra vulnerabilidad, en carne y hueso, aliento y voz.

Nos reunimos para llorar y para recordar; para reír y contemplar; para aprender, afirmar e imaginar. Para maravillarnos ante la destreza técnica, y para encarnar dioses. Para dejarnos sin respiración ante nuestra capacidad de belleza, compasión y monstruosidad. Vamos para llenarnos de energía y poder. Para celebrar la riqueza de nuestras diferentes culturas, y para hacer desaparecer las barreras que nos dividen.

Donde quiera que haya sociedad humana, el irreprimible Espíritu de la Representación se manifiesta. Nacido de la comunidad, lleva puestas las máscaras y vestimentas de nuestras distintas tradiciones. Utiliza nuestras lenguas, ritmos y gestos, y abre un espacio entre nosotros.

Y nosotros, los artistas que trabajamos con este antiguo espíritu, nos sentimos impulsados a canalizarlo a través de nuestros corazones, nuestras ideas y nuestros cuerpos para revelar nuestras realidades en toda su cotidianeidad y su rutilante misterio.

Pero en esta época en la que tantos millones de personas luchan por sobrevivir, sufren bajo regímenes opresivos y el capitalismo depredador, huyen del conflicto y la escasez; en la que nuestra privacidad es invadida por servicios secretos y nuestras palabras censuradas por gobiernos intrusivos; en la que se aniquilan los bosques, se exterminan especies y se envenenan los océanos: ¿Qué nos sentimos impulsados a revelar?

En este mundo de poder desigual, en el que distintos órdenes hegemónicos intentan convencernos de que una nación, una raza, un género, una preferencia sexual, una religión, una ideología, un marco cultural es superior al resto, ¿se puede realmente defender la idea de que las artes deberían apartarse de las agendas sociales?

Nosotros, los artistas de escenarios y ágoras, ¿nos conformamos con las demandas asépticas del mercado, o utilizamos el poder que tenemos: para abrir un espacio en los corazones y las mentes de la sociedad, para reunir gente a nuestro alrededor, para inspirar, maravillar e informar, y para crear un mundo de esperanza y colaboración sincera?

Mensaje de Brett Bailey 

para el Día Mundial del teatro 2014

TEATRO EN LA CÁRCEL

Entrevista a María Dutil, directora del Proyecto Cultural Teatral DutilCruz, en el Servicio Penitenciario Federal. 

“Invito a todos a estos escenarios carcelarios a venir a ver otra realidad, esta realidad que es parte de la sociedad”.

“Su autoestima empezó a elevarse y empezaron a animarse a subir a un escenario”



─En principio, nos gustaría que nos cuentes de qué se trata el proyecto y cuándo surgió.

─María Dutil: A fines del 2010 surge a partir de una obra de teatro que hacemos con Lito Cruz que se llama “Sueños de milongueros”, una obra de humor, tango y amor que llevamos por todas las penitenciarías de Nación; nosotros trabajamos en las cárceles federales. Llevando esta obra nos dimos cuenta de la necesidad que había de teatro en las cárceles, tanto desde Educación, de la parte de los maestros que nos pidieron otras obras que sirvieran para esto, como de los internos que necesitaban esto, un espacio donde ellos pudieran como salir de esta prisión por dos horas, media, el rato que durara ese encuentro teatral.

Fue así que trajimos, luego de pasear por todas las penitenciarías del país, otras obras de teatro, las veinte obras de Teatro y la Historia que estaban hechas ya en el Consejo de Teatro Independiente de la Provincia de Buenos Aires, que trataban temas desde el punto de vista revisionista de la historia argentina: Belgrano, San Martín, Guido, el éxodo jujeño. Esas obras iban a acompañadas de libros que nos daba la CONABIP, películas que nos daba el INCAA, libros de la Biblioteca Nacional. Los maestros trabajaban con los internos sobre esos temas durante un mes, previo a que llegara la obra, y cuando llegaba la obra ya estaban empapados del tema y el debate posterior era muy rico, muy interesante.

Después de eso, llevamos teatro de humor porque durante el verano los internos no tienen clases, entonces era una época más propensa a los motines, a las peleas, entonces trajimos teatro de humor, trajimos música con Miguel Cantilo, con bandas de rock, de cumbia, trajimos magia de la mano de Damián Guerra, humoristas como Juan Acosta, Emilio Bardi. También trajimos matchs de improvisación, hasta que ellos también empezaron a animarse, ya habían aprendido a ser público, aprendieron diferentes formas de teatro, aprendieron sobre historia argentina, su cabeza empezó a tener información, a poder hablar con la familia, con las hijas, con los hijos, con la esposa: “ah, yo sé lo que pasó en ese momento en la historia argentina, yo sé quién fue Cabral, fue quien salvó a San Martín en la batalla, lo sacó de abajo del caballo”.

─¿Cuál fue la reacción de los presos?

─MD: Empezaron a saber y a sentirse bien, su autoestima empezó a elevarse, y empezaron a animarse a querer subirse a un escenario, a decir “yo quiero estar en ese lugar, yo quiero actuar”. Y ahí nos pidieron actuar, nos dijeron: te animas a dirigirnos, yo dije: bueno, claro, pero como no podía abarcar todo, porque son dieciséis las penitenciarías solamente de Devoto, Marcos Paz y Ezeiza, con la presencia de madres, de mujeres, de jóvenes adultos, los de tratamientos de drogas, máxima seguridad; bueno, son dieciséis.

Contratamos, entonces, siete directores de diferentes extractos del teatro: teatro comunitario, teatro tradicional, teatro circense, que los dirigía, cada uno con su impronta. Además, cada unidad carcelaria tiene una impronta diferente, como te decía antes. Por ejemplo, en Devoto hay muchos extranjeros: hay muchos colombianos, peruanos, bolivianos que trabajan con nosotros y que son diferentes, no conocen la historia argentina, y sin embargo trabajamos con ellos en el año 2013 preparando obras de los bandidos rurales, que fueron los primeros habitantes que tuvieron las cárceles. Por ejemplo, Hormiga Negra, Mate Cocido, Bairoleto, Juan Moreira –uno de los más conocidos- que era un puntero de Alsina, que cuando ya no le sirvió a la política quedo de lado, pero ya era un delincuente. Entonces, qué hacía ese tipo, ese tipo terminó habitando las cárceles. El Tigre de Quequén, bueno, eran dieciséis bandidos. Y la única mujer: Martina Chapanay. Como no había más mujeres, incorporamos a Juana Azurduy, a la Delfina que no eran bandidas, pero eran aguerridas y las mujeres se sentían mas identificadas con su historia.

─¿Cuáles son los planes para este año?

─MD: Este año, ya empezado el 2014, en el verano preparamos obras de humor como la que vimos hoy que Corina Busquiazo, que es la directora de esta Unidad y que nos trajo hasta Ezeiza, decidió que estaba bueno que los internos que no tienen a sus mujeres, simplemente la tienen en las visitas, en una carta o en una visita telefónica, las pudieran representar. No desde el lugar de la prostituta –que es muy común cuando el hombre se viste de mujer- sino desde el lugar de la madre, de la trabajadora, de la hermana, de la hija, de la amiga, de la mujer que está en la casa esperando que el marido llegue, que tiene que cuidar a los hijos, que tiene una familia numerosa y tiene que cocinar, es decir desde los derechos de la mujer. Bueno, la obra fue maravillosa, fue emotiva, yo ni podía hablar, me puse a llorar como varios de los que estuvimos acá hoy. Y a todos los invito a estos escenarios carcelarios a venir a ver otra realidad, esta realidad que es parte de la sociedad, es una sociedad en pequeño porque parte de lo que pasa en la sociedad está acá adentro, está en las cárceles.

─¿Quiénes forman parte del proyecto?

─MD: El proyecto está formado por un equipo en el que está Lito Cruz, que es un poco el coordinador, el proyecto lleva el nombre Dutil-Cruz, porque fuimos él y yo los que lo comenzamos –mi apellido es también parte de este proyecto-; además de nosotros, el equipo está integrado por Joaquín Molinari, que es quien coordina a prácticamente toda la gente que viene, los documentos, las autorizaciones, los elencos, los artistas, los talleristas, los transportes; Federico Echeverri que es nuestro asistente, Iván Varela que es nuestro productor técnico, luces, sonidos, dentro de lo que se puede.

Agencia Paco Urondo

GUAPAS REACCIONARIAS

Las “guapas” que dan título a Guapas, la última tira de Pol-ka, escrita por Leandro Calderone y Carolina Aguirre, que dirigen Daniel Barone y Lucas Gil, se conocieron 7 años atrás, durante el cierre fraudulento de una financiera en la que todas ellas tenían depositados sus ahorros. La desgracia común disparó esa amistad que dejó fuera a maridos, novios y amantes. Tras la pérdida del dinero y de las quimeras a futuro, las chicas tuvieron que reinventarse por prepotencia de trabajo.

"Hola guapas. Quería decirles que el choque de anoche me hizo muy bien. Hoy me levanté con ganas de dejar de hacerme la boluda. No quiero otro año igual. Otra vez lo mismo. Quiero empezar a hacer lo que quiero. ¿Ustedes no? Mandemos todo al carajo chicas. ¿Qué estamos esperando?", chatea Laura Luna (Isabel Macedo) al día siguiente de haber salido ilesa de un choque, junto a cuatro amigas.

El día que el verdulero se llevó el pedido de choclos harto de cheques rebotadores, Mónica Duarte (Mercedes Morán) supo que su ambición de restaurantera corría peligro… Siete años y una estafa después, trabaja de inspectora municipal y comparte la vivienda y el carácter irascible con su hija Natalia (Mercedes Scápola).

María Emilia Mey García del Río (Carla Peterson) era la típica "rubia tarada", rica y engreída (de las que ven a un morocho y fruncen la nariz), hasta que su fortuna se evaporó y no tuvo más remedio que buscarse un empleo. Acostumbrada a viajar por el mundo, se convirtió en azafata, lo que le permite contrabandear mercancías y seguir sosteniendo el nivel de ostentación al que está acostumbrada. En secreto, mantiene un romance con el piloto Francisco Laprida (Rafael Ferro) y rechaza los favores de Rubén Donofrio (Alberto Ajaka), el "negro bueno", operario de la aerolínea, dispuesto a cualquier cosa con tal de conquistarla (cosa que, previsiblemente, logrará).

Cuando su hija intentaba rendir un final, la mamá de Lorena Giménez (Florencia Bertotti) irrumpió en el Aula Magna de la Facultad de Medicina, para informarle que habían quedado en la ruina. Contrafigura de Mey, no es una novedad que Lorena tenga que dejar a un lado sus aspiraciones, para satisfacer la demanda familiar.

Antes que la víctima de un traspié financiero, Andrea Luna (Araceli González) es la esposa de un abogado (Mauricio Dayub), madre de familia, ama de casa sin oficio ni vocación a la vista, aunque con una inequívoca predisposición a la ingesta de bebidas alcohólicas. Desde el episodio de la financiera, que poco y nada alteró el buen pasar matrimonial, Andrea alimentó una secreta aversión hacia el marido egocéntrico y sobreprotector.

Laura es la hermana menor de Andrea. No hace mucho, se divorció de Pablo (Esteban Lamothe) aunque siguen trabajando juntos en un noticiero de televisión: él como conductor y ella como columnista meteorológica. Antes de la separación, habían intentado sin éxito siete tratamientos de fertilización asistida.

Es, al igual que Mónica, una guapa autocrítica, que no vacila en proclamar a sus amigas que el haber salvado la vida, le dio otra perspectiva. Una segunda oportunidad para barajar y jugar un juego diferente.

No es la primera vez que Pol-ka explora el universo de "lo" femenino. No obstante, después de Locas de amor, Socias, Mujeres de nadie, Amas de casa desesperadas y Para vestir santos, Guapas luce fuera de registro en muchos aspectos. Como si la peripecia de las cinco amigas hubiera quedado olvidada en un cajón o fuera el desecho de alguna de las series mencionadas, ahora, alguien decidió desempolvarla para evocar la crisis de 2001 y, de paso, sentar posición respecto de lo que vino después.

En la ficción, lo que vino después es un grupo de mujeres más insatisfechas y puteadoras que guapas, porque no son o no tienen o les arrebataron lo que querían ser o tener. Mujeres de clase media (media media o media alta) individualistas y desencajadas, que están convencidas de que la paja anida en el ojo ajeno y de que, la última, no fue precisamente una "década ganada".

Desde este punto de vista, Guapas (como antes ocurrió con El Puntero y, de alguna manera, con Farsantes) tributa a la versión desahuciada de la Historia que, cotidianamente, difunde el Grupo Clarín a través de sus medios de prensa, en este caso, con escasa originalidad (las fábulas de los periodistas son bastante más audaces y elaboradas) y una buena dosis de estereotipos de género (mujeres gritonas o boludas o extraviadas; machos alfa o indolentes o misóginos).

Salvo por algunos destellos interpretativos (inexorablemente, protagonizados por Mercedes Morán, Dady Brieva, Isabel Macedo, Mauricio Dayub, Mercedes Scápola o Mike Amigorena), el elenco parece funcionar en piloto automático, a desgano, y repite composiciones precedentes (Bertotti es Floricienta con otro vestuario, Lamothe es "el estudiante" con jopo y sin cargo de conciencia).

Por la factura de conjunto, no faltará quien confunda a Guapas con la obra de un principiante: las locaciones de exteriores son reconocibles y afectan el verosímil, tanto como las imprecisiones de lenguaje ("banco" y "financiera" son usados como sinónimos) o de correspondencia con la realidad (¿un empleado de mantenimiento puede prestarle diez pesos a una aeromoza que apenas conoce?), o la ostensible discontinuidad en la puesta en escena o en la temporalidad narrativa.

Así como 20 años atrás, Pol-ka renovó el lenguaje televisivo, elevó el estándar de producción y se constituyó en una usina de talentos (artísticos, interpretativos y técnicos), hoy está retrocediendo a una televisión previsible, reaccionaria y pasada de moda.

María Iribarren

LAS AGUAS BAJAN TURBIAS

En esta película de Hugo del Carril (basada en la novela "El río oscuro" de Alfredo Varela, y realizada entre 1951 y 1952) se muestra la explotación de los mensúes en los yerbatales del nordeste argentino, acentuando la necesidad de modificar en el espacio rural las relaciones laborales y familiares obsoletas. Se sugiere que esto será posible en un utópico sur, que alude a la ciudad industrializada, hacia donde la pareja protagónica logra huir. Es una de las obras más destacadas del cine argentino. Fue estrenada el 9 de octubre de 1952 en el Gran Rex, y se la ha exhibido también como El infierno verde.

Alfredo Varela, quien también colaboró en el guion, aunque no aparece en los créditos de la película por razones de censura política. Cuenta la leyenda que Hugo del Carril le pidió permiso a Perón, quien puso dos condiciones: tenía que aclararse que los hechos narrados por la película habían ocurrido mucho tiempo atrás y el nombre del autor no podía figurar en los créditos. Alfredo Varela fue trasladado de una cárcel del Chaco a Devoto, y Hugo del Carril y Eduardo Borrás lo visitaron hasta transformar la novela en Las aguas bajan turbias.

Los campesinos eran obligados a ir al Litoral a cosechar la yerba mate, eran maltratados, golpeados, insultados por sus capataces. Además eran estafados en sus libretas donde se les anotaban sus deudas. Por el río Paraná navegaban cadáveres, de trabajadores que se habían resistido o enfrentado a la autoridad. Si alguien quería escapar se lo castigaba a tal punto que muchas veces se lo mataba.

Se comienza a hablar de los sindicatos y los trabajadores empiezan a revelarse. Hasta un momento en que se arma un tiroteo en donde muere mucha gente y la pareja protagonista logra escapar: huyen en un caballo y luego se refugian y corren por el bosque. La rebelión en el norte hizo que los yerbatales pudieran castigar a los capataces que durante tanto tiempo los habían maltratado...







Reparto:

Hugo del Carril
Adriana Benetti
Raúl del Valle
Gloria Ferrandiz
Pedro Laxalt
Eloy Álvarez
Herminia Franco
Joaquín Petrosino
Carlos Escobares
Domingo Garibotto
Francisco Audenino
Luis Otero
Robert Le Vigan
Mecha López
Fausto Etchegoin

ALMA

¿Para qué sirve conmemorar cada 8 de marzo «El Día Internacional de la Mujer Trabajadora o Día Internacional de la Mujer»?

Dicen que conmemora la lucha de la mujer por su participación, en pie de igualdad con el hombre, en la sociedad y en su desarrollo íntegro como persona...

Sin embargo, Cuatro medios del Grupo Clarín siguen publicando avisos de oferta sexual... por ejemplo.

¿Qué mujer conmemora el 8 de marzo? ¿qué significa ser mujer para los medios hegemónicos que manipulan las subjetividades e imponen la agenda sobre qué pensar, qué decir, qué sentir?

¿Una mujer exitosa es alguien parecido a Ernestina Herrera viuda de Noble?




Alma se prepara para asistir al acto del jardín de su hija, pero nunca llega. De camino, es secuestrada por una red de trata de personas. Al igual que muchas jóvenes, se ve obligada a renunciar a toda su vida en un segundo, para pasar a servir a un sistema perverso y machista que denigra a la mujer a un valor meramente utilitario. Sin embargo, cuando se pierde la libertad del cuerpo, queda la del alma...

ALMA... Cortometraje dirigido por Marcela Suppicich sobre la trata de personas. Durante el 2011 participó en el "11º Festival Internacional de Cine de Temática Sexual", el "Concurso Iberoamericano de Cortometrajes La Mujer y el Cine" y el "Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, Cuba". Declarado de interés social por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Elenco:

Yanina Romanin (Alma) , Alejandro Alonso (Búfalo) , Juliana Burdet (Priscila) , Patricia Corsanego (Reina) , Fernando Blanco (Policía) , Roque Favale (Cliente)

Equipo técnico:

Dirección:
    Marcela Suppicich

Guión:
    Marcela Suppicich

Producción:
    Ayelén Estévez

Asistencia de Producción:
    Valeria Contarino

Director de Fotografía:
    Julián Buldrini

Sonido directo:
   Ernesto Aguilar
   Fernanda Krempovich

Música:
    Gonzalo Viñes

Montaje:
    Martín Senderowicz

UN POCO DE HISTORIA CON RANDY NEWMAN

Las grandes naciones de Europa se habían reunido en la orilla
habían conquistado lo que estaba detrás de ellos y ahora querían más
así que ellos miraron el poderoso océano y viajaron hacia el mar Occidental
Las grandes naciones de Europa en el siglo 16
The Great Nations of Europe had gathered on the shore
they'd conquered what was behind them and now they wanted more
so they looked to the mighty ocean and took to the Western sea
The great nations of Europe in the 16th century


Escondan a sus esposas e hijas, escondan los comestibles también
Las grandes naciones de Europa se acercan
Hide your wives and daughters, hide the groceries too
The great nations of Europe comin' through


Las Islas de Gran Canarias fueron la primera tierra a la que llegaron
masacraron a todos los canarios allí, que dieron a la tierra su nombre
había allí nativos llamados guanches, guanches por la puntuación
Pero por las balas y la enfermedad de los portugueses, ellos no estuvieron nunca más
The Grand Canary Islands first land to which they came
they slaughtered all the canaries there which gave the land its name
there were natives there called Guanches, Guanches by the score
But bullets, disease the Portuguese, they weren't there any more


 Ahora ya no están, ya no están, ellos realmente ya no están
usted nunca vio a nadie tan desaparecido
Hay fotos en un museo, algunas líneas escritas en un libro
pero no vas a encontrar uno vivo, no importa donde se mire
Now they're gone, they're gone, they're really gone
you never seen anyone so gone
There's pictures in a museum, some lines written in a book
but you won't find a live one, no matter where you look


Escondan a sus esposas e hijas, escondan los comestibles también
Las grandes naciones de Europa se acercan
Hide your wives and daughters, hide the groceries too
The great nations of Europe comin' through


Colón zarpó para la India y en cambio se encontró El Salvador
le dio la mano a algunos indios y pronto todos ellos estaban muertos
ellos tuvieron la tuberculosis y la fiebre tifoidea y el pie de atleta , la difteria y la gripe
Disculpe, las grandes naciones de Europa se acercan
Columbus sailed for India found El Salvador instead
he shook hands with some Indians and soon they all were dead
they got TB and typhoid and athlete's foot, diphtheria and the flu
'scuse me great nations comin' through


Balboa descubrió el Pacífico y en el camino, un día
se encontró con algunos indios amigos quienes le dijeron que eran gay
Así que ...
los hizo despedazar por los perros por motivos religiosos dijeron
las grandes naciones de Europa eran bastante religiosas en su camino
Balboa found the Pacific and on the trail one day
he met some friendly Indians whom he was told were gay
So...
he had them torn apart by dogs on religious grounds they say
the great nations of Europe were quite holy in their way


 Ahora ya no están, ya no están, ellos realmente ya no están
usted nunca vio a nadie tan desaparecido
algunos huesos escondidos en un cañón, algunas pinturas en una cueva
son inútiles tratando de salvarlos, no hay nada que salvar
now they're gone, they're gone, they're really gone
you never seen anyone so gone
some bones hidden in a canyon some paintings in a cave
they're no use tryin' to save them, there's nothin' left to save


Escondan sus esposas e hijas, oculten sus hijos también
con las grandes naciones de Europa nunca se sabe
Hide your wives and daughters, hide your sons as well
with the great nations of Europe you never can tell


Donde usted y yo estamos de pie al final de un siglo
los europeos han surgido en todas partes, ya que incluso puedo ver
pero está en el horizonte la posibilidad
que algunos errores de fuera de África podrían venir por ti y por mí
destruyendo todo a su paso de costa a costa
al igual que las grandes naciones de Europa en el siglo 16
Where you and I are standing at the end of a century
Europes have sprung up everywhere as even i can see
but there on the horizon is the possibility
that some bug from out of Africa might come for you and me
destroying everything in it's path from sea to shining sea
like the great nations of Europe in the 16th century

LA PASIÓN X LA MURGA

Ariel Prat va y vuelve de España a la Argentina. El músico que vive hace algunos años en el país europeo nunca se alejó de los barrios porteños y mucho menos se alejó de lo que más le apasiona: la murga.

Su relación con el barrio y el fútbol fueron determinantes para que esta rítmica rioplatense lo marque de por vida. Hoy, como principal referente de la murga porteña, se dedica además de la música a la difusión de la historia y los orígenes de uno de los ritmos (y por qué, no rituales) más castigados durante la última dictadura militar. Cada verano, Prat cruza el charco para carnavalear en la Argentina, ponerse el traje murguero y cantar por los barrios porteños.

–Vas a estar nuevamente en el escenario del Tasso. ¿Cómo será este año el Carnapratasso?

–Este es el cuarto año, y para mí es un orgullo porque permanecer y llegar al público con una manera tan porteña de vivir y cantar el viejo carnaval, lo que no es fácil, porque todavía hay cosas pendientes. En esta última década ganada hemos logrado volver al feriado, pero todavía quedan cosas para restablecer el contacto entre la cultura oficial y la del carnaval. Cuando digo "murga porteña" estoy hablando de la murga metropolitana, porque la variedad de la murga en todo el país tiene diferentes expresiones. Lo que hago es representar. Digo que soy un hilo conductor entre la calle y el escenario. Lo que siempre destaco del Carnapratasso es que la gente baila mucho abajo del escenario, se anima, cosa que a veces en un corso no pasa porque hay una murga bailando, y eso te da respeto y admiración.

–¿Dónde nace tu amor por la murga y cómo se transforma en tu identidad?

–Es como el fútbol: hay una pasión que se va alimentando y uno la juega o no. En este caso, al fútbol lo sigo jugando de manera no profesional, y en cuanto a la murga, fui transformando la pasión infantil a la pasión musical. Y no sólo la música de la murga: también fui incorporando a través del paso de la niñez hasta ahora las texturas poéticas, lo que representa la murga en el barrio, o para la gente. La murga es, para mí, parte de mi afecto desde la cuna.

–¿Qué cosas cambiaron en los carnavales?

–Cuando era chico, había otra idea de disfrazarse en carnaval, que tenía otro significado. No sólo era el disfraz de uno, sino el trabajo de otra gente que trabajaba para usar, más allá de la murga. El carnaval sufrió los embates del capitalismo y también de una cuestión interna que tiene que ver con la representación del imaginario de ciertas políticas y sectores cívico-militares de la sociedad, que representaban a lo negro y al peronismo proscripto. Con el tiempo se fue haciendo carne y quedó relegada la representación del carnaval. Hay una historia negada de la cual la murga es un hilo y el carnaval viene adosado a eso.

–¿A qué se debe que se tome como referente a la murga uruguaya por sobre la argentina?

–Es un error, porque tienen el mismo nombre dos cosas diferentes. Nuestra murga viene de la vieja comparsa afro-argentina y se mantienen muchas de esas cosas, además de que nuestra murga es inclusiva en cuanto a integrantes, variedad y voces. Es erróneo hacer comparaciones porque se cae en agravios comparativos y no tienen mucho que ver. Es distinto. Además, en Uruguay y Montevideo no se dejó nunca de festejar el carnaval en la dictadura, por ejemplo; en cambio, nosotros fuimos perseguidos. Nosotros tuvimos que desaparecer porque la murga no cantaba en el escenario, desfilaba y no cantabas en el escenario y para qué ibas a necesitar cantante. En la época de oro de nuestra murga, en la década del '40, había tipos que cantaban y también en la orquesta, entonces lo fuimos recuperando y nuestra murga tenía otro significado. Se confunden mucho propios y extraños. Hay diferentes candombes, se tocan de diferentes maneras. Nosotros estuvimos trabajando a partir de que hubo tantos años de desinformación y de descuido.

–¿La forma de escribir dentro de la murga sigue siendo el mismo?

–Sí. Cambiaron algunas cosas en cuanto a lo que dice. En cuanto al formato, hay diferentes maneras de cantar: está el recitador, que es el glosista, la parte de la entrada más de referencia, y la retirada, que tiene la melancolía del tango; y después vienen el baile, porque la murga tiene mucho de furia. La picaresca de los años '50 o '60 fue variando. La murga fue luego declarada patrimonio, lo que implicó que no vayamos presos si cantábamos en la calle. Es en sí un género de crítica, pero así como tiene cosas para criticar también puede cantar las cosas lindas.



Fotos, dibujos y máscaras

Este año, el Carnapratasso tendrá dos propuestas que se suman a lo que sucederá en el escenario. Se trata de la muestra fotográfica con la obra de Salvador Batalla, y otra con los dibujos y máscaras de César Domínguez.

"Este año decidimos sumar un par de cosas nuevas. La muestra de fotos de Salvador Batalla (autor de los artes de discos de Bersuit Vergarabat) está basada en todos los Carnapratassos anteriores. Él retrata todo el ritual que se va armando durante la presentación de las murgas; es un registro de lo que pasa por fuera del escenario. Además, habrá máscaras de César Domínguez. Y estará el murguero Gustavo Massud, que nos da un poco de histrionismo para dirigir la cosa con la gente.


Las murgas invitadas

Prat comienza mañana el ciclo que se extenderá a lo largo de cinco semanas, y cada fecha tendrá invitados especiales. "No llevamos la murga entera porque la idea es mostrar cómo es escénicamente cada murga", afirma Prat.

En el primer día estará la agrupación Los Mismos de Siempre, y el miércoles siguiente pisará el escenario La Redoblona. La fecha siguiente estará a cargo de Los Pretenciosos Porteños. Luego, el 12 de marzo será el turno de Los Inconscientes de Almagro. El tercer miércoles de marzo le toca subir al escenario a Audades del Bajo Belgrano, que tendrá la presencia del Loco René Houseman, y para el cierre del ciclo, el 26 de marzo, estarán Los Elegantes de Palermo.


¿Cuándo? LOS MIÉRCOLES Ariel Prat se presentará a partir del 19 de febrero, durante seis miércoles, a las 22 en el Centro Cultural Torquato Tasso, Defensa 1575.

«MÚSICA» o «SOJA»

Esta noticia no existe, es decir, no es real, es decir, es inventada... Manuel Quieto, el cantante del grupo de rock La Mancha de Rolando, tuvo que salir a desmentir lo que todos los diarios y medios desinformativos habían repetido: que él hubo ofendido a los ruralistas en la Fiesta Nacional del Trigo, en la localidad cordobesa de Leones. Nada de lo que dicen que pasó pasó...

La patética situación que plantearon los agroexportadores de "el campo", que no liquidan la cosecha acumulada en silos bolsa para presionar al gobierno nacional con el precio del dólar, tiene un nuevo capítulo: el cantante del grupo de rock La Mancha de Rolando, amigo personal del vicepresidente Amado Boudou, les cantó las 40 a los productores agrogarcas durante el recital inaugural de la Fiesta Nacional del Trigo, en la localidad cordobesa de Leones.

Desde el escenario, y ante un público de 3.000 personas, Manuel Quieto llamó a los ruralistas "gringos de m... que están sentados sobre los silos de soja" y expresó, haciéndose eco de la postura nacional, que no tienen que guardar los granos en los silos bolsa, sino "venderlos".

El músico definió a los productores como “Gringos de m… que están sentados sobre los silos de soja”, y se refirió a “la suciedad rural”, en alusión a la Sociedad Rural.

Además, el autor de "Arde la ciudad" tuvo tiempo de agradecer a los funcionarios responsables de que estuvieran tocando allí esa noche. Quieto destacó las gestiones de la intendente Lorena Bussi, el diputado Fabián Francioni y, por supuesto, Boudou.

En el pasado, Quieto definió a Boudou como "un gran amigo, una excelente persona y un gran profesional", y aseguró que era "el mejor ministro de Economía y vicepresidente" que tuvo la Argentina.

"Nunca tomé ni analicé en términos de beneficio o perjuicio ese tipo de relación que tenemos con Amado Boudou. Nunca nadie me dijo nada negativo. Sé que por muchos años va a estar, es un dirigente que le quedan muchísimas cosas por hacer", profetizó el músico en una entrevista del 2012.

La Mancha de Rolando se presentó en los últimos años en celebraciones como la Fiesta Nacional del Dulce de Leche (Cañuelas), la Fiesta Nacional de la Manzana (General Roca) y la Fiesta Nacional del Arroz (San Salvador), entre muchas otras.

Más allá de la anécdota, reconozcamos que Manuel Quieto estuvo bastante educado si nos detenemos a analizar el daño que ocasionan al país los especuladores de Silos Bolsa.

CANDILEJAS

Publicarán la novela de Charles Chaplin en la que se basó la película Candilejas. Fue escrita por el cómico en 1948 y su título original es Footlights. Los manuscritos se encontraban en el archivo Charles Chaplin de Bolonia, Italia, y se editan ahora por primera vez.

Candilejas (Limelight, en inglés) es una película de cine de 1952 con guion, producción, dirección y actuación de Charles Chaplin. Un viejo payaso (Charles Chaplin), después de evitar el suicidio de una joven bailarina (Claire Bloom), no sólo la cuida, sino que, además, se ocupa de enseñarle todo lo que sabe sobre el mundo del teatro para hacerla triunfar...

Sé que soy gracioso pero los managers creen que ya pasó mi momento. ¡Dios! Sería buenísimo hacerles comer sus propias palabras. Eso es lo que detesto de volverse viejo: el desprecio y la indiferencia que te muestran. Creen que soy un inútil… por eso estaría genial volver al escenario. Qué digo genial… sería sensacional. Sacudirlos de risa como las que yo provocaba… sentir cómo empiezan a rugir… oleadas de risa que llegan hasta vos, que te levantan del piso… eso sí que es un bálsamo". Esto dice el payaso alcohólico Calvero, protagonista de la película Candilejas, estrenada en 1952.

Pero quien le da voz a ese personaje (que también le prestó el cuerpo, claro) es el mítico Charles Chaplin. En 1948, el comediante escribió una novela llamada Footlights, que sería la base del film. El texto quedó archivado hasta ahora, que se publicará por primera vez.

Las distintas partes de la obra –en forma de manuscritos y guiones mecanografiados– permanecía en los archivos Chaplin de la Cinemateca de Bolonia, en Italia. Esta institución es la encargada de digitalizar todos los trabajos del cineasta y es la que ahora se encarga de publicar esta novela. Así lo indicó el diario inglés The Guardian, en una información que fue retomada por diversas agencias del mundo; entre ellas, EFE y Télam. Compuesto por 34 mil palabras, Footlight fue reconstruido por el biógrafo de Chaplin, David Robinson, que lo incluyó en su libro The World of Limelight (El mundo de Candilejas).

Cecilia Cenciarelli, co-directora de la cinemateca, dijo que la novela "tiene su aspecto sombrío". "Es la historia de un comediante que perdió su público luego de ser considerado por la prensa un 'formador de actores' y también 'un exitoso director de películas'", agregó. Se trata de una suerte de precuela del film, en donde se evidencia "por qué Calvero tiene pesadillas, por qué está tan desencantado del público, de su propia carrera", continuó. "El libro profundiza en la relación del artista con su audiencia, en el significado del arte", aseguró.

Chaplin escribió ésta, su única novela, en 1948. Es decir, cuatro años antes de la película y antes de verse obligado a abandonar Estados Unidos a principios de los cincuenta. Chaplin debió tomar esta decisión por la implacable persecución de Edgar Hoover, director de la Oficina Federal de Investigación (FBI), quien consideraba que el actor era "comunista". De acuerdo con el biógrafo, Chaplin fue un "gran blanco" de Hoover, hasta el punto de lograr que "una gran parte de la clase media de Estados Unidos se volviera contra él". Esta situación le provocó una "gran conmoción" tras haber sido "el hombre más querido del mundo durante 30 años".


Según detalles divulgados en Londres por Robinson, la historia cuenta con personajes similares a los de Candilejas. Es decir, el cómico alcohólico y mayor de edad, Calvero (Chaplin), y la bailarina Thereza (Claire Bloom) a la que salva del suicidio. El libro no fue escrito con la intención de ser publicado sino algo muy personal para Chaplin, un actor criado en un barrio pobre de Londres que dejó Inglaterra en 1913 para radicarse en Hollywood y desarrollar su carrera como actor y director.

"Es increíble que un hombre que fue a la escuela seis meses se las haya arreglado para ser escritor", continuó Robinson. Y comentó que este texto muestra una faceta poco conocida de Chaplin, que podía moverse con soltura en distintos registros. Así, el libro va de lo coloquial hasta un tono que deja entrever una enorme imaginación, aunque deslizada en cada párrafo con sutileza.

Robinson también dijo que a lo largo de la historia se traslucen algunas memorias de la dura infancia del artista en el sur de Londres. Por ejemplo, su extraña aversión a los parques, a los que consideraba "las tumbas vivas de los pobres y los que no tienen dónde ir". La novela también muestra "el placer que le causaba encontrar palabras raras o exquisitas para aprender una cada día". Una de ellas, "inefable", fue una de las favoritas de Chaplin en sus últimos días. "Una vez que encontraba una palabra la usaba, aún si no era totalmente adecuada para la situación. De todos modos, su escritura es increíble. Con sus films trabajaba y trabajaba hasta que lograba lo que quería. Lo mismo con el libro. Es bueno. Extraño, pero bueno", dijo.

Footlights, que incluye los comentarios del biógrafo, se presenta esta semana, con un evento en el British Film Institute Southbank de Londres auspiciado por la cinemateca. El libro estará disponible a través de Amazon aunque todavía no tiene editores en Gran Bretaña o en Estados Unidos. Algo que Cenciarelli espera que cambie, según indicó.


Dos escenas memorables

Si existen grandes momentos del cine, sin duda la confluencia de Charles Chaplin y Buster Keaton en escenas memorables de Candilejas es uno de ellos.





Se trata del encuentro de dos monstruos, de dos grandes, aunque la historia haya endiosado la figura de Chaplin en desmedro de la de Keaton, el hombre que tenía prohibida la risa por contrato. Las escenas son dos: una en la que los dos viejos actores se están maquillando en el camarín y otra en que interpretan una pieza musical con Chaplin en el violín y Keaton en el piano.

Los fanáticos del hombre del bastón, la galera y el bigotito aseguran que dicha confluencia fue un generoso regalo que este le hizo a un Keaton en decadencia. Otros, en cambio, sostienen que las escenas rodadas eran más de las que aparecen y que fueron suprimidas por Chaplin porque encontró que Keaton lo superaba en comicidad. Más allá de las anécdotas, lo cierto es que a su capacidad para la pantomima, Chaplin añadió también talento para los negocios y fue hábil en la tarea de forjarse un prestigio.

Vistas hoy, las películas de Keaton muestran a un cómico que no hace concesiones al público, que no lo gana con golpes bajos sentimentales, sino con un talento difícil de igualar que incluía desde una creatividad sin límites a la destreza de un gran acróbata.

Candilejas es, sin duda, una película que ocupará para siempre un lugar privilegiado en la historia del cine, por lo que es fácil deducir que la novela en que se basó encontrará lectores bien dispuestos en todo el mundo. Quizás uno de los mayores méritos de la película haya sido reunir a dos grandes que entendían el cine de formas diametralmente opuestas.

AGUANTE EL CINE NACIONAL

Entrevista con Lucrecia Cardoso, flamante presidenta del Instituto Nacional del Cine y Artes Audiovisuales (Incaa). 

“La designación es un reconocimiento a la gestión de estos 6 años”.




¿Qué significa su designación al frente del Incaa?

Lucrecia Cardoso: En principio, es un orgullo, una gran responsabilidad que la presidenta me haya designado. La decisión que sea yo es un reconocimiento a todo un equipo de trabajo que está hace 6 años al frente de una gestión, con Liliana Mazzure al frente. La decisión viene a ratificar ese trabajo.


¿Cuáles son los principales logros que tuvo esa gestión?

LC: Estuvo muy relacionado con otras grandes políticas que se implementaron en estos años y que tuvieron como objetivo la democratización de la comunicación, como la ley de Medios, la Televisión Digital Abierta y los planes de fomentos que se pusieron en marcha alrededor de TDA para poder federalizar la producción de contenidos. Se han generado ficciones, animaciones en prácticamente todas las provincias. Esos contenidos fueron reconocidos por nuestro público y en el exterior, abriendo mercados, con premios en festivales. El balance es muy positivo.


¿Cuál es la importancia de Incaa TV, que ahora además tendrá lugar en Cablevisión?

LC: Expresa otro aspecto más de nuestra política. Que tenga lugar en Cablevisión es el resultado de la pelea de miles y miles de argentinos para lograr primero la sanción de la ley de Medios y después su aplicación plena. Incaa TV busca recuperar la producción del cine nacional, es una ventana más para nuestro cine. De los 1.500 títulos que se emitieron en estos tres años, y que los usuarios de Cablevisión no pudieron ver, se remasterizaron más de 600. Eso habla de acercar el cine nacional a nuestra gente y también la idea de recuperar nuestro patrimonio.


¿Qué análisis hace del momento de la industria del cine en la Argentina?

LC: Es un momento fantástico. El contexto es el de una revolución constante de las tecnologías audiovisuales, sea en la producción y la exhibición. En Argentina pasamos en 2003 de 35 millones de espectadores a 48 millones en 2013, casi un 40% más. Eso dice muchas cosas. De la industria cinematográfica y de la impresionante recuperación económica. Sobre ese total creció la incidencia del cine nacional. En 2003, 3,5 millones vieron películas nacionales. En 2013, fueron casi 8 millones. Cuatro de las 10 películas más vistas fueron argentinas.


¿Esa industria nacional cuántos puestos de trabajo involucra?
LC: Nosotros calculamos 100 mil, directos e indirectos. Desde los servicios vinculados a la producción a la exhibición, por ejemplo, los puestos generados por las salas.


Mazzure decía en una entrevista hace un tiempo, que la industria no tenía problemas de producción sino de distribución, por la falta de pantallas para el cine nacional. ¿Se revirtió esa situación?
LC: Eso necesita políticas de mediano y largo plazo. Hubo una recuperación en la cantidad de salas en estos años. Se está trabajando fuertemente en eso. El salto tecnológico supone muchos cambios, sea en la producción pero también en la circulación de contenidos.


 Todo el tiempo usted vincula la política del Incaa en relación con otras acciones del Gobierno. Una de las políticas del Ejecutivo en estos años tiene que ver con la integración latinoamericana. En ese sentido, ¿Cuál ha sido el diálogo de la industria argentina con las industrias de otros países de la región?
LC: Hay muchas iniciativas en marcha. Argentina es un gran co-productor, coproduce prácticamente con todos los países de la región. Eso fue acompañado por iniciativas como fondos de co-producción específicos, por ejemplo con Brasil. Después hay experiencias como DocTv Latinoamérica, que es una articulación de canales públicos e institutos de cine de la región. La idea es producir documentales latinoamericanos, que a la vez son difundidos por los canales públicos de todos los países.


Lugares emblemáticos de distribución de películas nacionales, son los "espacios Incaa". ¿La idea es aumentar la cantidad de salas en todo el país?

LC: Hoy hay alrededor de  48 pantallas en todo el país, la idea es llegar a 60 en lo que va de este año. Se hizo un concurso y se seleccionaron las salas que van a formar parte del concurso. En muchos casos articulamos con provincias, localidades, sindicatos o universidades, que ya tienen salas, entonces, firmamos un acuerdo por el cual el Incaa se ocupa de mejorar la sala a cambio de la programación de películas nacionales o latinoamericanas. En un trabajo con otras áreas del Gobierno apuntamos a la digitalización de los espacios Incaa (proyección en 3D, sonido 7.1) para que forme parte de una red de distribución a través de Arsat.

Enrique de la Calle

APU

EL VIAJE DE AVELINO

Combinando elementos del documental antropológico con ficcionalización de hechos reales, en El viaje de Avelino, el porteño Francis Estrada echa mano de un método largamente utilizado por Abbas Kiarostami, solicitando de sus protagonistas la reconstrucción dramática de un episodio vivido por ellos tiempo atrás. A mediados de 2005, Avelino Vega, poblador de un modestísimo caserío catamarqueño, emprendió un largo viaje en burro hasta la distante ciudad de Fiambalá, desafiando las dificultades del terreno, el frío y la intemperie. Intentaba salvar a la hija, a quien la disentería puso en riesgo de muerte. Enterado del episodio gracias a un noticiero de televisión, Estrada (Buenos Aires, 1964) viajó hasta el poblado de Río Grande, se familiarizó con los Vega y terminó filmando aquella aventura, sin pretender sacarla de proporciones en relación con lo real.

Presentada en la competencia argentina del Bafici 2009, El viaje de Avelino funciona como si a algún retrato documental de Jorge Prelorán (Hermógenes Cayo o Medardo Pantoja, pongámosle, aunque más no sea por contigüidad geográfica) se lo hubiera puesto en movimiento, mediante el recurso a lo narrativo. Narratividad que no se impone de modo forzado sobre ambiente y personajes, sino que parecería desprenderse de ellos. Ambos planos coexisten. El plano documental pone al espectador porteño frente a un entorno y unas costumbres sideralmente distantes: las comunicaciones limitadas al radiomensaje, el sacrificio y la preparación de un cordero, la celebración de una fiesta comunal, el acordeón que al final toca Avelino, celebrando tal vez la cura de la Nely.

Sobre esos datos se entrelaza la historia de la enfermedad de la nena, que incluye la consulta a la curandera, algún infructuoso pase mágico, el empeoramiento progresivo y la visita de un enfermero, que aconseja llevarla a Fiambalá. Donde, a diferencia de Río Grande, hay médicos y un hospital.

Narrada con la austeridad que el ambiente pide, El viaje de Avelino da a pensar que, más que diferencias esenciales, las relaciones entre documental y ficción tal vez consistan en una cuestión de grados o dosificación. En este caso se pasa de la mayor concentración documental de los primeros tramos a una intensificación de lo ficcional, a partir del momento en que padre e hija inician su viaje. Sin el menor comentario o intrusión musical y ayudado por una pulida fotografía de Carla Stella, Estrada se atiene a las formas más estrictas del documental de observación, dejando que las imágenes cuenten la historia, sin mediaciones.

Imágenes en ocasiones construidas con deliberación, como la presencia de algún personaje colateral (el cazador que anda detrás de un puma) o la escena en que un burro amaga escapársele a Avelino. O, sobre todo, una en la que la aparición de una vaca espantada, en medio de la noche y entre los matorrales, puede llegar a generar algún sobresalto fuera de programa. Si alguna conclusión hay para extraer de la historia –que la distancia y la pobreza pueden conducir a la mortalidad infantil, por ejemplo–, esa conclusión queda a cargo del espectador. En un momento, Estrada marca con lucidez diferencias de fondo entre el documentalismo cinematográfico y el televisivo, contraponiendo, en la misma imagen, el desdramatizado entorno del caserío con el dramatismo que desde la pantalla del televisor intenta imponer, en la cobertura de esa misma noticia, un conductor de noticiero.

El viaje de Avelino se estrenó en una única sala del complejo Arteplex Belgrano, que de aquí en más pasa a llamarse Incaa-Doc y que, por iniciativa del Instituto de Cine y Artes Audiovisuales, estará exclusivamente destinada a la exhibición de documentales locales. Una forma de estímulo que estaba haciendo falta. Ahora puede verse por televisión, en el canal de INCAA TV.

Horacio Bernades

EL VIAJE DE AVELINO

Argentina, 2009.

Dirección y guión: Francis Estrada.

Asesoramiento de guión: Carmen Guarini.

Dirección de fotografía: Carla Stella.

Edición: José María del Peón.

Producción: Michelle Jacques Toriglia para MC Producciones.

Estreno en proyección DVD, exclusivamente en la sala Incaa-Doc del Arteplex Belgrano.

ILHA DAS FLORES

Un tomate es plantado, cosechado, transportado y vendido en un supermercado, pero se pudre y acaba en la basura. ¿Acaba? No. ILHA DAS FLORES (Isla de las flores) lo sigue hasta su verdadero final, entre animales, basura, mujeres y niños. Y entonces queda clara la diferencia que existe entre tomates, cerdos y seres humanos.


Ilha das Flores es un municipio brasileño del estado de Sergipe. Se localiza a una latitud 10º26'11" sur y a una longitud 36º32'24" oeste, estando a una altitud de 3 metros. Su población estimada en 2004 era de 8.874 habitantes. Posee un área de 57,62 km².


"Sin duda alguna, los 12 minutos más potentes del cine brasileño. (...) El texto está dirigido en tono irónico por Jorge Furtado a 'extraterrestres' - que desconocen todo sobre los seres humanos, su planeta, sus sistemas económicos, sus creencias, sus prioridades, su concepto de libertad. En el fondo, Jorge Furtado y equipo (el grupo de la Casa de Cinema de Porto Alegre) promueven densa reflexión sobre el destino del hombre pobre, aquél que no conquistó sus derechos de ciudadano, y por eso disputa la basura con cerdos."

(Maria do Rosário Caetano, Jornal do MEC, Brasília, outubro/1998)

eN cASTELLANO





Dirección: Jorge Furtado

Producción Ejecutiva: Monica Schmiedt, Giba Assis Brasil e Nora Goulart
Guión: Jorge Furtado
Dirección de Fotografia: Roberto Henkin e Sérgio Amon
Dirección de Arte: Fiapo Barth
Música: Geraldo Flach
Dirección de Producción: Nora Goulart
Montaje: Giba Assis Brasil
Asistente de Dirección: Ana Luiza Azevedo

Uma Producción de la Casa de Cinema PoA

Elenco Principal
Paulo José (Narración)
Ciça Reckziegel (Dona Anete)



PREMIOS

17º Festival do Cinema Brasileiro, Gramado, 1989:
Mejor película de cortometraje (jurado oficial, jurado popular y premio de la crítica), Mejor guión, Mejor montaje y más 4 premios regionales.

40º International Filmfestival, Berlín, Alemania, 1990:
Oso de Plata para cortometraje.

Premio Air France, Rio de Janeiro, 1990:
Mejor cortometraje brasileño.

Premio Margarida de Prata (CNBB), Brasilia, 1990:
Melhor curta-metragem.

3º Festival Internacional del Cortometraje, Clermont-Ferrand, Francia, 1991:
Premio Especial del Jurado, Mejor Película (Jurado Popular).

American Film and Video Festival, New York, 1991:
Blue Ribbon Award.

7º En el-budget Kurzfilmfestival, Hamburgo, Alemania, 1991:
Mejor Película.

Festival International du Film de Region, 1994:
Mejor Película.

Exibido na mostra "Os 10 Melhores curtas brasileiros da década, no Cineclube Estação Botafogo, Rio de Janeiro, 1990.




eM pORTUGUÊS


Isla de las Flores (Ilha das Flores) from SixPositive on Vimeo.

JUAN GELMAN, 83 AÑOS DE POESÍA

Opiniones

Un hombre deseaba violentamente a una mujer,
a unas cuantas personas no les parecía bien,
un hombre deseaba locamente volar,
a unas cuantas personas les parecía mal,
un hombre deseaba ardientemente la Revolución
y contra la opinión de la gendarmería
trepó sobre muros secos de lo debido,
abrió el pecho y sacándose
los alrededores de su corazón,
agitaba violentamente a una mujer,
volaba locamente por el techo del mundo
y los pueblos ardían, las banderas.




Oración de un desocupado

Padre,
desde los cielos bájate, he olvidado
las oraciones que me enseñó la abuela,
pobrecita, ella reposa ahora,
no tiene que lavar, limpiar, no tiene
que preocuparse andando el día por la ropa,
no tiene que velar la noche, pena y pena,
rezar, pedirte cosas, rezongarte dulcemente.

Desde los cielos bájate, si estás, bájate entonces,
que me muero de hambre en esta esquina,
que no sé de qué sirve haber nacido,
que me miro las manos rechazadas,
que no hay trabajo, no hay,
bájate un poco, contempla
esto que soy, este zapato roto,
esta angustia, este estómago vacío,
esta ciudad sin pan para mis dientes, la fiebre
cavándome la carne,
este dormir así,
bajo la lluvia, castigado por el frío, perseguido
te digo que no entiendo, Padre, bájate,
tócame el alma, mírame
el corazón,!
yo no robé, no asesiné, fui niño
y en cambio me golpean y golpean,
te digo que no entiendo, Padre, bájate,
si estás, que busco
resignación en mí y no tengo y voy
a agarrarme la rabia y a afilarla
para pegar y voy
a gritar a sangre en cuello









Los sueños rotos por la realidad

Nota XII


los sueños rotos por la realidad
los compañeros rotos por la realidad/
los sueños de los compañeros rotos
¿están verdaderamente rotos/perdidos/nada/

se pudren bajo tierra?/¿su rota luz
diseminada a pedacitos bajo tierra?/¿alguna vez
los pedacitos se van a juntar?
¿va a haber la fiesta de los pedacitos que se
reúnen?

y los pedacitos de los compañeros/¿alguna vez
se juntarán?
¿caminan bajo tierra para juntarse un día
come dice manuel?/¿y se
juntarán un día?
de esos amados pedacitos está hecha nuestra
concreta soledad/
per/dimos la suavidad de paco/la tristeza de
haroldo/la lucidez de rodolfo/
el coraje de tantos

ahora son pedacitos desparramados bajo todo
el país
hojitas caídas del fervor/la esperanza/la fe/
pedacitos que fueron alegría/combate/
confianza
en sueños/ sueños/ sueños/ sueños/

y los pedacitos rotos del sueño/se juntarán
alguna vez?
¿se juantarán algún día/pedacitos?
¿están diciendo que los enganchemos al tejido
del sueño general?
¿están diciendo que soñemos mejor?

HAZMERREÍR

La ONG Hazmerreír nació hacia fines de 2005 como “un acto de amor y reconocimiento” a un artista de circo, Juan Pablo Rey, fallecido en agosto de ese año en Buenos Aires, a los 25 años. Sus padres, Juan Manuel y Clara, dueños de la tradicional librería Keops, de Mar del Plata, resolvieron homenajearlo organizando una varieté circense que se hizo en el Club Kimberley. Ese día se reunieron varios grupos de circo cuyos integrantes habían conocido a Juan Pablo; la convocatoria fue un éxito porque a un lugar apto para albergar a 700 personas concurrieron 1.400. “El era un chico feliz y, sobre todo, un artista que estaba en la Escuela de Circo Criollo, por eso había que recordarlo de esa forma”, dice su padre, Juan Manuel Rey, mentor de una organización no gubernamental que hoy nuclea a distintas compañías que actúan en la calle, a la gorra, pero que también se están presentando con distintos espectáculos en los teatros municipales Colón y Diagonal, en esta temporada de verano, además de realizar giras internacionales durante el resto del año.

“Somos un grupo de amigos que nos juntamos porque somos artistas de circo y queríamos recordar a un compañero que había fallecido. Nosotros somos artistas independientes, no queremos ser famosos de la tele, como (Marcelo) Tinelli o Susana Giménez, queremos seguir siendo artistas callejeros, aunque también actuamos en teatros y hacemos giras por Europa y por América, porque lo más importante es el contacto con el público que nos conoce y nos acompaña.”

Santiago Foresi es uno de los integrantes del elenco de Hazmerreír, para el que realiza una performance solista, realmente brillante, que concita la atención y las risas de chicos y grandes frente a una de las entradas al edificio ubicado en la Plaza del Agua, en Güemes y Roca, de esta ciudad.

Foresi se transforma en el payaso Tony Fratelo, un personaje que habla muy poco –y en cocoliche–, que despierta carcajadas con cada mueca chaplinesca, con cada expresión corporal o con palabras en italiano que dispara con voz chillona. “Molto peligroso, adesso atencione”, exclama cuando se pone a hacer malabares con tres antorchas, mientras amenaza al público con apagarlas introduciéndolas en su boca. Tony Fratelo interactúa con los chicos que se ubican siempre en la primera fila y suma a los adultos para que lo acompañen con las palmas o con algún instrumento musical cuando él hace sonar su acordeón a piano con viejas melodías. “El año pasado anduvimos por Asia, por Brasil y por Europa, pero estar en Mar del Plata tiene una magia especial para todos nosotros”, sostiene.

Durante el invierno marplatense, Hazmerreír en Vacaciones convocó a cerca de 6.000 personas en las dos semanas de receso escolar y ahora se está presentando en el Teatro Municipal Diagonal. Además de Foresi, actúan Josefina Pérez Gardey, Nacho Rey –hermano de Juan Pablo–, Federico Galván y Sebastián Godoy. Otro de los elencos apadrinados por Hazmerreír se presenta durante enero en el Teatro Municipal Colón, con la obra Barlovento, que narra la historia de cuatro pasajeros en altamar, en un viaje poblado de acrobacias y de reflexión. Los intérpretes, todos marplatenses, son Ana Clara Manera, Martín Umérez, y los ya nombrados Nacho Rey y Federico Galván.

La primera de las obras se presenta todos los lunes a las 21 y la segunda los martes de enero a la misma hora. Los residentes en Mar del Plata tienen descuentos importantes –igual que los estudiantes y jubilados–, pero tienen que presentar papeles que acrediten que viven en esta ciudad. Barlovento fue nominada el año pasado a los Estrella de Mar, como mejor espectáculo marplatense.

Desde la creación de Hazmerreír, son muchos los gestos de solidaridad realizados por la ONG. Uno de los más increíbles tuvo como objetivo ayudar a Marcelo Adrián Quinteros, un biólogo que hace más de una década quedó cuadripléjico. Víctima de una enfermedad neurológica, quedó postrado en una cama. Lo único que tenían movilidad eran sus cejas y sus ojos; llegó a escribir un libro que se llama Teveo, donde desarrolló un método, una técnica de visualización ocular para poder comunicarse. Hazmerreír colaboró en el financiamiento de un software para que Quinteros pudiera escribir a través de un programa creado en 2009 por expertos de la Facultad de Ingeniería. Eso le permitió escribir, con ayuda de una enfermera, un segundo libro sobre su vida, que se llama Mi Historia Clínica. “Los dos libros fueron pedidos por especialistas europeos porque este hombre es un fenómeno. Le habían dado tres años de vida y lleva 13”, precisa Juan Manuel Rey.

Uno de los lemas de Hazmerreír dice: “Desde el dolor a la risa, de la tristeza a la alegría, del drama a la comedia, de la desesperación al abrazo. Que caigan las lágrimas, pero que exploten los aplausos”. Con la ayuda de distintas entidades, la ONG organiza todos los años, en Mar del Plata, el Festival Internacional de Circo Hazmerreír. Sus integrantes creen que desarrollan una actividad educativa, “no una educación formal, sino aquella que nos brinda los valores para una sociedad más justa, para llevar una sonrisa a los más necesitados”. Además de donar útiles, juguetes, libros, computadoras, ropa, silla de ruedas y otros elementos, los distintos grupos de circo hacen shows gratuitos en escuelas y en los barrios. Hace poco inauguraron el Comedor Amiguitos, en el barrio Parque Peña.

“Nada de todo lo que hemos hecho hasta ahora impidió que todos los días me despierte pensando en Juan Pablo, pero al menos pensamos que estamos haciendo algo que a él lo llenaría de alegría”, asegura Juan Manuel Rey, quien en su juventud fue jugador de básquet en el Club Unión, entidad en la que años después fue presidente.

Carlos Rodríguez

DEMOCRACIA 30 AÑOS

Tres décadas de recuperación de la democracia, como sistema político y sobre todo de convivencia, son una construcción colectiva que toda la sociedad argentina tiene el derecho de celebrar. La extorsión ilegal y violenta de distintas policías provinciales busca jaquear ese logro compartido: pone en vilo a la sociedad civil y muy especialmente a sus sectores más humildes. Los dos hechos coexistieron (que no convivieron) en una jornada tremenda que será recordada combinándolos en la historia y en la crónica. Hubo dirigentes opositores que propusieron levantar el acto en la Plaza de Mayo. Algunos de ellos se colocan, por reflejo condicionado, en la vereda de enfrente de todo lo que impulsa el oficialismo. Otros lo habrán planteado de buena fe, considerando la desazón y el dolor de quienes han perdido vidas, propiedad y la paz cotidiana, que son derechos de cada ciudadano.

Someterse al chantaje, piensa el cronista, hubiera sido conceder al miedo que se quiere imponer de prepo. Bajar los brazos y acallar música o cánticos, resignarse a una victoria ruin de los insurrectos.

La renuncia a la cotidianidad, su sujeción a los que quieren imponer el terror es, valga puntualizarlo, una de las características más insidiosas de las dictaduras. Remedarla es uno de los fines, a esta altura explícitos, de la revuelta policial.

Decenas de miles de argentinos prefirieron congregarse en la Plaza, amucharse como en tantas otras ocasiones para demostrar identidad y pertenencia, para hacer número y ser individuos al mismo tiempo...

Mario Wainfeld