30-11 → DÍA NACIONAL del TEATRO y DÍA del TEATRO INDEPENDIENTE

 

El Día del Teatro Independiente se celebra en conmemoración de la fecha de fundación del Teatro del Pueblo, en 1930, considerado el primer teatro independiente de Buenos Aires y de América Latina.

 

Pregunta: ►Estamos en el Teatro del Pueblo, que creó Barletta con el propósito de un teatro popular de calidad. ¿Cree que logró sus objetivos?
 
Tito Cossa: ►Yo pienso que no era un teatro ni popular ni de calidad. Popular es lo que expresa el pueblo, no lo masivo. Popular no fue Palito Ortega, sino Mercedes Sosa. Eso Barletta lo entendió, lo que pasa es que se quedó muy atrasado con su teatro. Hacía un teatro muy lineal, muy retórico. Y él era un tipo difícil para trabajar. Y el teatro no puede ser nunca masivo. Cuando hacemos un éxito, son 30.000, 40.000 espectadores. Un punto en televisión son 100.000. Y allí fracasa, porque el que tiene un punto fracasa. Acá, en el Teatro del Pueblo los éxitos nuestros pueden ser 5.000 espectadores. Son esas las dimensiones que se manejan. El Teatro del Pueblo fue el primer teatro independiente de Argentina y América Latina. ¿Y qué fue lo que Barletta vio? Que desde un espacio chico se podía hacer un fenómeno de resistencia cultural. Porque no sólo había teatro, sino que venían poetas y exponía Castagnino, Pettoruti, grandes pintores que en ese momento eran jóvenes. Ese fenómeno, que después dio origen a todos los teatros independientes que empezaron a declinar en el ’60 y luego a desaparecer: elencos estables, sala propia; todo eso se fue debilitando, pero quedó este movimiento fenomenal de teatro al que llamamos independiente, aunque la palabra ya no es exacta. Podemos llamarlo teatro de arte o pequeñas salas, donde todo el tiempo se hacen funciones y hay un teatro permanente. Y son formas de resistencia. Es una forma política en sí misma, aunque en el escenario no se haga política. Esta forma de producir, provocar y resistir, de empecinarse con el teatro, es un acto político. Después, arriba del escenario los jóvenes prefieren no contar historias, hacen un teatro mucho más expresionista, menos ligado a un cuento, casi nada ligado a lo social, donde el gran tema es la familia; no como esta obra, que en sí es política. Pero igual, como fenómeno, el teatro sigue siendo político.
 

El Día Nacional del Teatro se celebra en homenaje a la fundación del Teatro de la Ranchería, un 30 de noviembre de 1783, que fue el primer espacio donde se representaron piezas dramáticas en el Buenos Aires colonial.

 

1783: El famoso virrey de las luminarias, el mexicano Juan José de Vértiz y Salcedo, había autorizado a Francisco Valverde para encarar la construcción del teatro en las esquinas de las actuales Perú y Alsina, en la zona conocida como “la ranchería de las Misiones”, porque allí los jesuitas tenían depósitos donde comercializaban algunos de sus productos. Era una especie de galpón con techo de paja y paredes de ladrillo asentado en barro, de 26 varas de frente por 55 de fondo.

 

El escenario no era muy alto, tenía una garita para el apuntador y en su parte superior podía leerse en dorado: “Es la comedia espejo de la vida”. El palco oficial, destinado al virrey y las autoridades, estaba decorado con cenefas rojas y amarillas. Para iluminar la sala se usaban velas de sebo distribuidas en candilejas al borde del escenario y arañas ubicadas estratégicamente para que ningún rincón quedara completamente a oscuras.

 

Los papeles femeninos eran representados por hombres, hasta que las mujeres pudieron subir a escena. En aquel contexto cargado de prejuicios, se asimilaba el oficio de actriz al de prostituta.

 

La Ranchería estuvo en pie 9 años, hasta que se incendió a raíz de un cohete disparado el 15 de agosto de 1792 desde el campanario de una iglesia que impactó en el techo de paja del teatro. Dicen que la cañita voladora no cayó sobre la ranchería de casualidad sino por ciertos hartazgos morales de algunos aficionados a la pirotecnia eclesiástica.

 

 

 

Algunas de Teatro 2022

Julieta y su Romeo
sábado a las 18, en Multiescena, Corrientes 1764 Ciudad de Buenos Aires

En esta adaptación de la obra original de Shakespeare, Julieta es fuerte, decidida y empoderada, se enfrenta a la sociedad, a la religión, a su familia, a los prejuicios de la época y al poder mismo, todo para defender su amor por Romeo. La puesta en escena da predominio a un extenso coro que como un testigo sigiloso acosa y murmura tratando de torcer la dignidad de Julieta que no cederá a casarse con quien no quiere, oponiéndose a sus padres con decisión. El erotismo, la seducción, y el amor más tierno los llevará a vivir ese amor más allá de la muerte. La propuesta busca erotizar los sentidos, sacar la sonrisa y conmover con su ternura y fuerza pasional al público.

 

 

Fuimos a ver una belleza teatral, texto, puesta y dirección precisas, actuaciones sutiles, profundas, un cuarteto de cámara que suena armónico y melodioso. Nos llenaron de alegría. Viva el teatro.

 

Juan Carrasco / Nacho Vavassori / Tomás Daumas / Lucas Avigliano

Roberto Perinelli / Guillermo Ghio

 

 

 

 

 

I Peccator Carnali riempiono il cuore... en Teatro DEL Artefacto

 

 

 

 

Gracias x tu hermoso espectáculo, un relato maravilloso que vibrás con cada músculo, cada mirada, cada sonido... solo vos bajo la luz llenando el universo con tu voz y tu laburo formidable.

Bravo, Luis Gianneo

 

 

 

¡Qué maravilla! LA VIS CÓMICA... Una hermosura que ninguna actriz o actor debe perderse

emociona la contundente conjunción de talento, texto, imágenes, silencios, poesía, actuaciones, puesta, dirección... PURO TEATRO 

 

Horacio Roca, Luis Campos, Cutuli Cutuli, Stella Galazzi, Mauricio Kartun

 

 

 

 

 

 

 

DIABLOMUNDO Crece y Se Reinventa

 
Una apuesta a la cultura

 

Estuvo a punto de cerrar, pero sucedió un "milagro" y el proyecto de convertirse en un teatro, bar y librería está cerca de concretarse.

El teatro “Galpón de Diablomundo” se reinventa. Apuesta a la cultura, crece y cambia de nombre: “Otromundo, sala Roberto Uriona ”, será el que se lea en el cartel cuando la reinauguración se concrete, en enero próximo.

Seguirá siendo teatro, pero además contará con un bar y una librería. El espacio había apostado a crecer a fines del año pasado, pero frente a cuarentena por Covid-19 y el cese de actividades, estuvo a punto de bajar telón, pero “se produjo el milagro”.

A fines del 2019 habían apostado a alquilar el local lindero para agrandar el teatro. Iban a reinaugurar el “Otromundo” el 28 de marzo, pero por la cuarentena no pudieron. “La realidad es que hasta hace tres semanas la decisión era cerrar el espacio por la situación económica que nos dejó siete meses de inactividad. Imaginate, generamos deudas en todos los frentes y no tuvimos ingresos a pesar de los subsidios y de las ayudas del estado municipal, provincial y nacional”, manifestó Quique Pagella, uno de los gestores, a la vez que admitió que “hasta ya había sacado fotos de todo lo que había adentro para venderlo”.

Pagella explicó que de “pura casualidad”, “Nano” Gandara (actor y clown) fue a visitar a Ezequiel Aguilera, conocido por su personaje de  “Tenaza”, actor con quien convive. “Vio que estaba muy bajoneado, y me preguntó ‘¿Quique qué está pasando?’, él ya sabía algo de la situación del galpón, y le dije que iba a cerrarlo. Me dijo que le cuente más, fuimos al teatro y me confesó que era su sueño gestionar su espacio. Se produjo el milagro, yo no lo puedo creer, fue un día mágico”, reveló.

El espacio, ubicado en la avenida Almirante Brown 3581, funcionará como teatro, bar y librería de editoriales independientes. Pagella celebró que “un grupo de gente joven le va a poner el pecho” al espacio, que desde su lugar aportará con la experiencia. Pagella se desligará de la gestión, pero continuará brindando clases de teatro, con las Ediciones Lamás Médula y la colección de Libros del Galpón, que apunta a la publicación de autores del conurbano sur.

“‘Nano’ Gandara, con su gente, se harán cargo de la gestión. Tendremos un hall más grande, un espacio nuevo, hemos pintado, arreglado, y en cuanto las medidas lo permitan estaremos trabajando bajo protocolo estricto”, sostuvo. Estiman que para enero podrán llevar a cabo la apertura, pero por ahora están evaluando las medidas sanitarias.

Otromundo, sala Roberto Uriona

Pagella explicó que el nuevo nombre ya estaba pensado para este año. Roberto Uriona, a quien se homnajea, fue uno de los fundadores del Galpón de Diablomundo. “Fue mi maestro y mi amigo, murió en el 2010 y fue uno de los actores más talentosos que he visto en mi vida”, sostuvo.

“Él es de la época dorada del Diablomundo, cuando salían a hacer giras por otros países y demás. Los que estamos en la gestión del espacio, hemos sido formados por ellos, entonces queremos homenajearlo en el nombre, porque nosotros no somos ya ese Diablomundo mítico y originario”, expresó, a la vez que bromeó con que tal vez auguraron este otro mundo con el que se encontrarán para cuando abran.

 

 

 

 

 

 

 

 

1 FESTIVAL DE ARTE TRABAJADOR

Una forma de dar batalla cultural

El colectivo Radar de los Trabajadores, que articulan las secretarías de Cultura de varios gremios, lleva adelante este encuentro que presentará cincuenta obras. “Es un ámbito más donde es necesario pararse a defender espacios, proponer y discutir”, dicen los organizadores...

Radar de los Trabajadores, joven colectivo de intercambio y articulación de la producción cultural del movimiento obrero en el que confluyen más de veinte gremios, presenta una iniciativa a la que define como “única” en la historia argentina. Se trata del Festival de Arte Trabajador, que pondrá en escena más de 50 espectáculos en los que participan afiliados de distintos sindicatos, durante todo septiembre, en diversas sedes y con entrada a la gorra. La única condición de la convocatoria que se abrió para la programación era que los espectáculos tuvieran en su equipo al menos un afiliado de alguno de los gremios que integran Radar. Podían ser propuestas de teatro, danza, circo, clown, títeres y teatro musical. El Festival culminará con el “1º Encuentro Trabajo y Cultura”, espacio de reflexión y debate anclado en este momento histórico.

El colectivo tiene menos de un año y lo articulan las secretarías de Cultura de gremios como el de los Trabajadores del Subte y el Premetro, Uocra, ATE Capital, Suteba, Sadop, Sutep, La Bancaria, Ctera, Suterh y UTE, entre muchos otros. En él conviven sindicatos tanto de CGT como de CTA.

 “Es algo que lo diferencia de anteriores experiencias. Nos nutre, es un valor, es la primera vez que se da. Las construcciones de estos sindicatos a lo largo de la historia del movimiento obrero han sido desde diferentes convicciones y morfologías. Sus secretarías de cultura hacen cosas muy diferentes. Así que hay mucho intercambio de experiencias y muchas miradas”, explica María Frondizi, integrante del equipo de cultura de ATE Capital, y del que produce y coordina el festival y el encuentro.

En un manifiesto que data de abril de este año, Radar de los Trabajadores definió sus propósitos: “Frente a un nuevo avance neoconservador que se propone vulnerar otra vez las conquistas laborales, sociales y culturales de los argentinos, los trabajadores organizados decidimos formar un espacio que defienda, consolide, divulgue y promueva la producción cultural, educativa y de formación del conjunto del movimiento obrero. No sólo entre las propias organizaciones gremiales sino de cara al conjunto del pueblo argentino”. Con este mismo espíritu, Radar lanzó en julio la convocatoria para participar del Festival de Arte Trabajador.  

“El objetivo es la difusión de los espectáculos que integran nuestros compañeros. Abrirle la puerta a las expresiones artísticas de los trabajadores, entendiéndolos como individuos completos que tienen otras inquietudes y maneras de expresarse por fuera del horario laboral”, resume Ayelén Fagiani, del área de cultura de La Bancaria seccional Buenos Aires.

Otro objetivo, como detalla Frondizi, es “poner en valor la producción cultural de los sindicatos”. “Todos los gremios de Radar trabajamos muy fuertemente en el ámbito cultural. Generamos eventos, tenemos medios de comunicación o programas, y algunos, espacios de cultura. Es una manera de compartir este trabajo con la comunidad”, completa. Hubo solamente un mes para responder a la convocatoria y llegaron más de 50 propuestas. La única condición era que en los espectáculos al menos un miembro del equipo estuviera afiliado a alguno de los gremios de Radar, sin importar si su cumplía su rol arriba o debajo del escenario. “Hubo muchísima respuesta y variada entre todos los sindicatos. Me sorprendió mucho la respuesta de danza. Hay muchísimos espectáculos de danza y de teatro; hay menos de títeres y clown. Y hay para adultos e infantiles”, puntualiza Fagiani. Será un encuentro no competitivo que incluirá en su programación a todas las obras que se postularon.

El evento también dará visibilidad a las salas de los propios sindicatos, que funcionarán como sedes, junto a los teatros La Máscara, Hasta Trilce y Habitar Gómez: el Auditorio Malvinas Argentinas (La Bancaria), Sala Gastón Barral (Uocra), Caras y Caretas (Suterh), los auditorios de UTE, Sadop y de la Asociación del Personal Superior de Empresas de Energía (Apsee). Las funciones serán de jueves a domingos, con entrada a la gorra. “Las salas van a funcionar en paralelo, la mayoría a la misma hora. El ingreso no es restrictivo. En un momento neoliberal, cuando es tan difícil acceder a espectáculos, abrimos a la comunidad la posibilidad de tener un montón de funciones a su disposición”, remarca Fagiani. Aunque sería muy difícil sintetizar las características de tal cantidad de materiales, más allá de las estéticas diversas un patrón común es que todos forman parte del circuito independiente.

“Necesitamos dar la batalla cultural, participar activamente y reflexionar desde dónde producimos y creamos cultura”, dice Frondizi, al referirse al “1º Encuentro Trabajo y Cultura”, que ocurrirá el 29 y 30 de septiembre, a modo de cierre del festival. Con invitados de los medios, la política y la cultura, se organizarán mesas de trabajo sobre diferentes ejes. Radar configurará un documento y definirá sus líneas de acción. “El eje transversal es la emergencia cultural. El vaciamiento de las políticas culturales o la no política cultural que está llevando adelante (el macrismo). Consideramos que es un momento vital, a todo nivel, para la participación y la mirada de los sindicatos, y la cultura es un ámbito más donde es necesario pararse a defender espacios, proponer y discutir”, amplía. Derechos y políticas; producción artístico y cultural; gestión, prácticas y territorios; cultura y trabajo y cultura y medios serán algunos de los tópicos de discusión. “El encuentro entiende a la cultura desde el punto de vista antropológico, más allá de lo artístico, y se preguntará cómo poner en discusión el modelo hegemónico”, anticipa Frondizi. “Estamos convencidos de que la unidad pasa por la cultura”, concluye Fagiani.

María Daniela Yaccar

MI JUAN, entre el "ser" y el "deber ser"

El sábado 12 de agosto, a las 22, se estrenó «Mi Juan», una historia bien argentina, la vida de un argentino que se debate entre el "ser" y el "deber ser"... (al final de cuentas, nos pasa a todos lo mismo)

Próximas funciones: sábados 19 y 26/8, en Teatro Núcleo, Av. Maipú 3143, Olivos.

Reserva y venta de entradas por Alternativa Teatral o en el teatro. Reservas al teléfono 4711-9424
Precio único $150.-

"LA ALEGRIA" de Ignacio Apolo

LA ALEGRÍA es una obra cuya dramaturgia y dirección es de Ignacio Apolo. Un jugoso reportaje sobre el Teatro, los actores y todas sus facetas, en el programa A pesar de todo por RADIO LA VOZ  www.rlvradio.com.ar

«A raíz de un accidente con la moto, los hijos de Cristi regresan al pueblo para reunirse nuevamente en la vieja casa familiar, donde conocen al nuevo novio joven de la madre. Esta circunstancia desplaza otras situaciones que el público irá descubriendo a medida que transcurre la obra. Pasado, presente y futuro se desvanecen en los relatos de estos personajes, con alegría impuesta...»

"La alegría es una negación de la muerte. Lo único que sabe el ser humano es que se va a morir. No puede estar alegre -explica-. En el mundo de la conciencia, existen la enfermedad, la muerte, el dolor. Tenés que ser un niño, inconsciente, y conectarte con algo primitivo para sentir alegría. Hay una alegría idiota que es la simple negación de la muerte, y la otra es trascendente, es atravesar el dolor y responder con alegría..."





fuente
http://apesardetodoradiolavoz.blogspot.com.ar/

TEATRO X LA IDENTIDAD 2014

Desde el 17 al 28 de septiembre, el Teatro General San Martín presentará el Festival Teatro x La Identidad 2014. 

La entrada será libre y gratuita. 


Teatroxlaidentidad es un movimiento teatral de actores, dramaturgos, directores, coreógrafos, técnicos y productores que se inscribe dentro del marco de teatro político y es uno de los brazos artísticos de Abuelas de Plaza de Mayo; movimiento cuyo objetivo es hacer propia la búsqueda de las Abuelas de Plaza de Mayo.

El teatro es la herramienta que utiliza Teatroxlaidentidad para cumplir con una función que considera esencial: actuar para no olvidar, actuar para encontrar la verdad. Hay todavía alrededor de cuatrocientos jóvenes con sus identidades cambiadas y su moto es el de "actuar hasta encontrar al último de los nietos".

EL NEGOCIO DE LA CULTURA PRO

Este sábado 30 de agosto nuevamente nos encontramos en la puerta del Complejo Cultural 25 de Mayo, Triunvirato 4440, en Villa Urquiza de 11 a 13 hs. te esperamos para contarte que FINALMENTE nos contestaron el PEDIDO DE INFORME presentado el 1º de julio de 2014 según lo establece la LEY N° 104, DE ACCESO A LA INFORMACIÓN PÚBLICA dirigido al Sr. Ministro de Cultura de la Ciudad Autónoma de Bs. As., Sr. Hernán Santiago Lombardi, con relación a la actividad, programación y manutención del Complejo Cultural Cine Teatro 25 de Mayo,recuperado por los vecinos, en el Barrio de Villa Urquiza, Comuna 12; EX -2014- 08151967- MGEYA.

El 4 de agosto fuera del plazo previsto, fuimos notificados según los puntos enunciados con una cédula de carácter urgente. En parte ratificamos que se trasladan las actividades y cursos trimestrales del Centro Cultural Gral. San Martín con un arancel base de 230$, algunos de nivel iniciación y otros avanzados para profesionales, además consta la liquidación de honorarios a los profesores por alumno.

Durante las vacaciones de invierno se programó una película y un espectáculo de títeres para niños, en agosto solo los sábados y domingos. Desde mediados de julio (ante el reclamo de los vecinos) proyectaron dos películas, con poca difusión, levantadas porque consta que al proyector se le quemo una lamparita y además se superponía con otra actividad en la Sala!!!... Para septiembre reprograman un curso de opera, también clases de tango y la Milonga de Duplaá con un número acotado de participantes seleccionados, quienes deben estar dos horas antes para ingresar a la sala.

Los viernes los Ciclos de Música en la Sala Redonda. Las aulas son utilizadas una vez por semana para salas de ensayo del Grupo de Teatro Los Villurqueros y la Agrupación Urquiza Coral, además una vez por mes realizan eventos la Asociación de Comerciantes y la Comisión de Vecinos Centenaria. Lo sorprendente del informe fue constatar el uso de las salas ya que estas se alquilan según una Ley Tarifaria, que rige desde el 1º de enero de 2012, que determina los valores por día según Sala Principal o Redonda, asimismo los espacios del Centro Cultural Gral. San Martín y el Centro Cultural Recoleta.

Así nos informamos que realizaron eventos privados para fundaciones, filmaciones a sala cerrada, actos de la Policía Metropolitana, y que las salas alquiladas están a cargo de los organizadores.

Queremos que el “25 de Mayo”, bien cultural de la Ciudad de Buenos Aires, no pierda la esencia de lucha y defensa de la cultura popular como quisieron sus creadores y los vecinos.

Solicitamos que pase a estar bajo la competencia de la Comuna 12 según Ley Orgánica de las Comunas Nº 1777, y como lo manifiesta la Constitución de la Ciudad Autónoma de Bs. As.

Por el funcionamiento efectivo del “Complejo Cultural 25 de Mayo” para la Cultura, con más Cine – Teatro - Centro Cultural.
Por el Proyecto Cultural de los Vecinos, con planificación y gestión consensuada de los vecinos.

Sumate a las “MUESTRAS SIN PERMISO” en la puerta

Adherí y Firma el PETITORIO- vecinosxel25demayo@gmail.com

TRES PERSONAJES A LA PESCA DE UN AUTOR

En el marco del área de desarrollo, la Fundación SAGAI, realizó la grabación de dos radioteatros breves con socios de la entidad. La actividad se enmarca en la línea de trabajo dedicada a generar propuestas laborales para aquellos socios interesados en que vuelva la ficción a la radio.


TRES PERSONAJES A LA PESCA DE UN AUTOR

La Fundación SAGAI invita a las nuevas funciones de la obra "Tres Personajes a la Pesca de un Autor" que se realizarán durante el mes de julio.


próximas funciones:

04 de julio a las 21 - Asociación Italiana de Belgrano - Moldes 2157 

 

06 de julio a las 19 - Centro Cultural Adan Buenos Ayres - Av Asamblea 1200

 

19 de julio a las 19 - Centro Cultural Adan Buenos Ayres - Av Asamblea 1200

 

25 de julio a las 21 - Asociación Italiana de Belgrano - Moldes 2157

La entrada es libre y gratuita.

EL CRÉDITO (MARRALE - SUÁREZ)

Un NO rotundo, esa es la respuesta que un hombre que necesita un crédito con urgencia recibe del director del banco. Ante la negativa, el rechazado reacciona de una manera drástica. No agacha la cabeza y se vuelve a su casa con más preocupaciones. Sin violencia, da una respuesta inesperada. Y la angustia profunda de necesitar dinero con desesperación y no tenerlo, deviene en una comedia insólita.

Esa es la historia de El Crédito, el nuevo espectáculo que se presenta en el Teatro El Picadero, con dirección de Daniel Veronese y las actuaciones de Jorge Marrale y Jorge Suárez, quienes se ponen en el cuerpo del banquero y el cliente, respectivamente. La obra fue escrita por el español Jordi Galcerán, el mismo creador de El método Gronholm, otra pieza con la que buscó hacer una radiografía de las relaciones laborales. Ahora, se mete con los bancos y el corazón del capitalismo para hablar de la crisis económica española, una recesión que, según Marrale, "los argentinos vemos como desde un espejo retrovisor".

"Yo estoy seguro que va a llegar el fin del neocapitalismo –sostiene Jorge Suárez–. Nosotros no lo vamos a ver. Faltarán 100 años, más o menos, pero se viene. Este sistema se termina".

Eso dice el actor –que hasta hace muy poco se mimetizó con la figura de Homero Manzi y se llevó todos los premios por ese personaje– sentado en el café de El Picadero, junto a su compañero de elenco. Es la primera vez que trabajan juntos, pero el vínculo se parece al de viejos compañeros que hablan el mismo idioma. A pocos metros, Corrientes y Callao desbordan tránsito, bocinazos y negocios de los que entra y sale gente constantemente. Adentro del teatro, hay una luz tenue, música ambiental y algunas mesas ocupadas con personas que leen y subrayan libros. En ese contexto, los dos artistas hablan del capitalismo y de un sistema que no funciona.

Jorge Marrale: –Pero el sistema está en crisis. No puede ser que un grupo de 50 personas se reparta todo lo que les falta a millones de otros. En el caso de los bancos, se ve con claridad con los créditos, que tienen un carácter brutalmente comercial. ¿En qué momento dejaron de tener un sentido social de ayudar? ¿En qué momento se dejó de tener en cuenta las necesidades de la gente? Hay que ver qué pasa por la cabeza de las personas que son rechazadas cuando piden un crédito.

JS: –Justamente eso es lo que se ve en esta obra. En tono de comedia, estamos desarrollando una situación netamente ácida, que habla del caos y de las cosas que nos angustian. Se plantea una crisis en torno al valor del dinero y la posibilidad de rebelarse al sistema. Y pensar que hay gente que se pone la camiseta de una institución que los maneja y los oprime de la misma manera que al resto de nosotros. La obra nos dice que se pueden hacer otras cosas frente al rechazo, además de aceptar el no. El autor capta perfectamente el espíritu contemporáneo de la época y los problemas de la sociedad actual. Ahora está hablando de lo que pasa en España, pero también está hablando de los argentinos.

–Pero pareciera que nada cambia. Se anuncia el fin del capitalismo, pero nunca llega.

JS: –Pero hubo cambios. La Argentina cambió en los últimos 50 o 60 años. No es el mismo país de mi abuelo. Él trabajaba 18 horas por día y no tenía aguinaldo, vacaciones, ni nada. Ese país no es el que vivimos ahora.

JM: –De a poco las cosas cambian, pero tienen que cambiar más.

JS: –Es un sistema que está muy institucionalizado, muy legalizado. Los créditos parecen ser una usura legal. Tienen muchos amortiguadores, como para que uno no pueda zafar de eso. El mejor ejemplo es lo que pasó en 2001 y, sin embargo, yo no vi ningún banco prohibido. No dijeron: "Este banco se comportó de una manera particularmente agresiva con la gente y no le vamos a permitir que esté acá." La verdad que eso no pasó y estamos un poco en el horno en ese sentido. Hay gente que resiste, que se niega a tener una tarjeta de crédito o débito, que pide que le den su salario en mano y con eso se manejan. Es como volver a una época que es muy difícil. Todo está preparado para que uno caiga en la trampa. Me acuerdo de mi papá, que murió a los 84 años sin haber tenido celular. Él no entendía la necesidad de estar hablando a cada minuto.

–¿Ustedes intentan resistir al neocapitalismo?

JM: –Hay muchas maneras de hacerlo. Desde SAGAI (la Sociedad Argentina de Gestión de Actores Intérpretes, de la cual Jorge Marrale es secretario general), por ejemplo, con todo el trabajo que hacemos para que se respeten los derechos de los actores y se adquieran nuevos. Creo que tenemos que volver a darle valor a otras cosas que pareciera que ya no lo tienen. Por ejemplo, en esta pieza el personaje que pide el crédito y que no cumple con los requisitos para que se lo otorguen, dice que tiene su palabra de honor de que va a pagar. Pero el banquero responde: "La palabra es lo único que no se puede cuantificar." Tratar estos temas en el teatro es una forma de combatir.

J.S: –Lo que sí se puede lograr es el susurro, podemos empezar a verbalizar que realmente nos están estafando y que debemos empezar a hacer medidas. Los gobiernos también deberían empezar a ser un poco más estrictos y no tendrían que permitirles unas tasas de interés que no se pueden creer, que no hay en ningún lugar del mundo. Despacito, hay que iniciar la lucha, por Twitter, por Facebook, por dónde sea. Hay que iniciarla, hablar de esto y una de las mejores maneras de hablar es haciendo una obra que refiera a este tema. Es lo mejor que puedo hacer yo. Mi personaje, por ejemplo, plantea que estamos cerca del fin del capitalismo. Se lo dice al banquero para que entienda que, justamente, esa es una buena oportunidad para que dé créditos. Le dice que dé créditos a todo el mundo: a la familia, a los amigos, a los vecinos, a todos. "Es tu oportunidad para convertirte en un buen tipo, la gente te querría", le aconseja.

JM: –Además, nosotros los actores, cuando hacemos teatro vivimos una experiencia única. Tenemos el vivo del escenario. Y en casos como éste, podemos hablar desde la comedia, de algo realmente ácido. Cuando sucede ese acontecimiento artístico que es la identificación, no hay punto de comparación.

–¿Cómo definirían la identificación?

JM: –Es verse en los ojos de la gente. Que el público mire y escuche a los personajes y diga: "Ahí estoy yo. Eso me puede pasar a mí." Cuando eso pasa, no hay terapia psicoanalítica que le pueda competir al teatro.

JS: –En ese sentido, los actores somos un poco privilegiados. Tenemos la posibilidad de vivir esa experiencia. Pero el disfrute por el trabajo le pasa a cualquiera que vive de lo que le gusta. También vivimos momentos de muchísima angustia. Sobre todo, cuando las cosas no salen como uno quiere y ponemos mucho esfuerzo. El día del estreno es insoportable, uno quisiera borrarlo. Después, hay que dejar que el público hable, que diga que sí o no. Así de simple.

Los dos "Jorges" de esta entrevista beben el último sorbo de sus cafés y se van a pasar la letra de su obra. "Me pregunto cuándo aparecerá", dice Suárez, en referencia a ese momento místico en que el personaje "cobra vida" y se apropia del cuerpo del actor.

"Ya apareció", responde Marrale. Los dos dicen que actuar en El Picadero, un teatro que fue incendiado por los militares durante la dictadura y que fue reabierto hace dos años, le genera cierta magia a su nuevo proyecto, que no pueden ignorar el valor simbólico de lo que están haciendo. Enseguida, se van por la escalera y cierran la puerta. Se fueron los actores, comienza una nueva historia.

"El éxito de avenida brasil tiene que ser una alarma"

Da clases de teatro, ha vivido de gira con éxitos teatrales inolvidables como Baraka –por dar un ejemplo–, se lució en el cine con personajes conmovedores, como el del Padre Mario en Las Manos; pero fue la televisión la que le dio popularidad a Jorge Marrale. Desde el sensible psicólogo de Vulnerables al villano sin escrúpulos de Vidas robadas, Marrale entiende los tiempos de la tevé y hoy, dice, que está en crisis.

"Creo que el éxito de la novela Avenida Brasil tiene que ser una gran alarma para nosotros. ¿Por qué un producto nacional no puede atrapar a la audiencia como lo hizo esta novela brasileña? Creo que habría que hacer un replanteo de hacia dónde vamos con nuestras telenovelas. Hay que estar muy atentos de qué es lo que hay que modificar y producir algunas formas nuevas. Hoy la televisión está en crisis. Y creo que en un punto es porque no se le da al autor el espacio necesario para que se pueda desarrollar con tranquilidad. Primero que nada, hay que escuchar a los guionistas, preguntarles cuáles son sus ideas. ¿Por qué la idea tiene que ser siempre del productor? Hay que darles voz, por algo son los autores, los que saben escribir. También tiene que haber mayor lugar para los autores menos conocidos," piensa.

Un caso emblemático fue, para Marrale, lo que sucedió con la telenovela Vidas robadas, que se emitió en 2008, por Telefe y en la que él interpretó a uno de los villanos. "Esa novela demostró el poder que puede tener la televisión. Hasta surgieron leyes por la repercusión de esa historia, que habló sobre la trata de mujeres. La novela no arrancó con mucho éxito, pero creció y la gente vio que más allá de la historia de amor, estábamos hablando de cosas muy concretas y reales. Estamos en un momento de crisis, hay que usarlo para salir adelante. Sigue habiendo en la Argentina una gran potencia. Este es un país artístico, la gente vive de esa manera y el arte es muy alentado por el pueblo. Entonces, hay que prestar atención a lo que está pasando, para devolverle al pueblo ese arte que reclama. De acá, salen muchos autores y actores. Yo veo que la cosecha no se acaba y hay que hacer todo lo posible para que no se desperdicie, para que los jóvenes sigan adelante", dice.

Frente a este panorama, Marrale apuesta por contar historias que sean cercanas para los argentinos y explica: "La frase que dice 'pinta tu aldea y pintarás el mundo’ es muy cierta. Hay veces que uno está esperando acercarse a materiales que sean cercanos a nosotros y que tengan una impronta de identidad, que desarrollen temáticas que nosotros entendemos porque atravesamos conflictos similares, entenderlo como algo propio. Hay algo de eso que se universaliza en la medida en que los autores, directores y actores puedan plasmarlo de una manera auténtica y creativa."

Rey del humor negro

El autor de El Crédito es conocido en España como "el rey del humor negro". Jordi Galceran estudió Filología Catalana en la Universidad de Barcelona. A partir de 1988 comenzó a escribir obras de teatro, siempre recibidas con éxito y premios: en 1995, con Palabras encadenadas ganó el XX Premio Born de Teatre, y en 1996, el Premio de la crítica Serra d'Or a la mejor obra en lengua catalana. Junto a Albert Guinovart estrenó en 2002 el musical Gaudí. En 2005 escribió y estrenó Carnaval. Su última pieza de teatro puesta en escena fue Cancún (escrita en 2007 y llevada al escenario en el Teatre Borrás de Barcelona en octubre de 2008). La película Frágiles de Jaume Balagueró está basada en el guion de Galceran, mientras El método de Marcelo Piñeyro es una adaptación de El método Grönholm. Actualmente participa en el musical de El Rey León en Madrid como adaptador del libreto al español. Su comedia El crédito estrenó en 2013 en Barcelona y en Madrid con gran éxito y fue traducida a cuatro idiomas.

Dijo sobre El Crédito: "Si nos dedicamos a lubricar engranajes o a traducir manuales de instrucciones quizás no nos crucemos nunca con las personas a las que nuestro trabajo afecta íntimamente. Ahora bien, si nos relacionamos directamente con individuos de carne y hueso hay trances difíciles de evitar. Para los médicos, los policías municipales o cualquier otra profesión en la que el contacto es inevitable, los problemas pueden aparecer en cualquier momento. Y si sos director de una sucursal bancaria, todavía peor. Si sos director de una sucursal, hoy en día, las cosas pueden llegar a complicarse de manera alarmante. Hoy quizás se plantarán delante tuyo y mirándote a los ojos, pondrán las cartas sobre la mesa y te dirán que son ellos los que tienen la sartén por el mango, que si no les das el dinero tomarán medidas, medidas de gran potencia. Nada violento, no, hasta ahí podríamos llegar, pero hoy, si no les sueltas la pasta, quien sabe si la amenaza será cierta y llevarán a cabo esa acción que puede convertir tu vida en una auténtica catástrofe."

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XXIX FNT: «CELEBRAR LA IDENTIDAD»

Entre el viernes 2 de mayo y el domingo 11 tendrá lugar en Jujuy la 29ª edición de la Fiesta Nacional del Teatro, evento que anualmente organiza el Instituto Nacional del Teatro, en este caso juntamente con la Secretaría de Cultura de la provincia de Jujuy y la Fundación Confluencia. Del encuentro participarán espectáculos de las 6 regiones en las que el organismo oficial divide el panorama de la actividad teatral argentina: Noroeste, Nordeste, Centro Buenos Aires, Centro Litoral, Cuyo y Patagonia. En total serán 32 los proyectos a presentarse, no solamente en la ciudad de San Salvador de Jujuy, sino también en localidades aledañas, como Perico, Palpalá y San Pedro, además de pueblos ubicados en La Quebrada de Humahuaca –Tilcara y Purmamarca– y más allá aún, en Salinas Grandes y La Quiaca. Algunos espectáculos también se presentarán en tres salas de la ciudad de Salta.

Además de la programación nacional –que puede consultarse en http://www.fiestadeteatro.com.ar/ – se presentarán tres espectáculos internacionales: Tu nombre en palo escrito, por el grupo Casa Teatro de Bolivia, con dirección de René Hohenstein, y Los trenes se van al purgatorio, de Chile, montaje basado en la novela homónima de Hernán Rivera Letelier, dirigida por Alberto Olguín Durán. El cierre de la fiesta estará a cargo de la murga uruguaya La Trasnochada. Por otra parte, a lo largo de la muestra habrá diversas actividades paralelas, entre las que se destacan el taller de escenografía que brindará Norberto Laino, el espacio sobre análisis dramatúrgico conducido por el santafesino Jorge Ricci, el taller de musicalización en el teatro a cargo de Carmen Baliero y el dedicado a las corporalidades escénicas, dictado por la bailarina y coreógrafa tucumana Beatriz Lábatte. En cuanto a los homenajes, será recordada la figura de Alfredo Alcón, en tanto que Norman Briski recibirá el Premio Nacional a la Trayectoria Teatral. Por otra parte, los premios Reconocimiento a la Trayectoria serán otorgados al actor Oski Guzmán, al dramaturgo Jorge Accame y al director jujeño Néstor Maidana.

Creada 29 años atrás, la Fiesta Nacional del Teatro “es parte de la herencia que recibe el Instituto Nacional del Teatro”, explica el director ejecutivo del INT, Guillermo Parodi, a Página/12, “y como tal, la hace propia, con la clara intención de hacer con ella una radiografía de la teatralidad de todo el país, con las diversas poéticas y lenguajes que son propios de cada región”. Parodi define a la fiesta como “el marco de lucimiento del teatro que se hace la Argentina, el cual defendemos y acompañamos”. Precisamente, para apoyar el desarrollo de la actividad están los sistemas de subsidios a la producción y las diversas instancias de formación y perfeccionamiento. No obstante, el director admite que “hay mucho trabajo por hacer en términos técnicos, de búsqueda de lenguaje o diálogo con el público”.

En cuanto a esta edición, Parodi destaca que  “tendrá lugar en una región del país donde los rituales son tan potentes y están tan arraigados en sus habitantes que el teatro es visto como una fiesta popular, como una celebración que nos remite al momento fundante y originario de la tradición teatral. Como ritual, el teatro expresa la manera de entender el mundo de cada lugar, porque es un reflejo de cómo se piensan las cosas en cada sitio. Y ese es el profundo significado de la fiesta: celebrar nuestra propia identidad artística en complicidad con nuestro público destinatario y encontrarnos a nosotros mismos a través del reconocimiento del otro”, concluye Parodi.

LUÍS BRANDONI y MÓNICA LÓPEZ en...

FRAUDE POLÍTICO Y LEGAL
HACIA COMPAÑEROS ACTORES

AÑO 2009

Hace pocos días en Actores, haciendo una consulta en gremiales, se escuchó la desfachatez de la hermana de una productora y se vio lo terrible de la situación en la que a veces trabajan nuestros compañeros. Casi como una Farsa, de esas pocas que al parecer ya no están en nuestros repertorios clásicos... pero aún se representan:

La Sra. MÓNICA LÓPEZ es la esposa del Sr. LUIS BRANDONI, caudillo político de nuestra comunidad y defensor de los derechos de nuestros compañeros. En los últimos tiempos se ha dedicado a la producción. Ha producido una zarzuela en el TEATRO AVENIDA, en el mes de OCTUBRE del 2008: "AVENIDA ESPAÑA" Zarzuela, coplás y Olé... y, definitivamente, ha complacido todos los caprichos de su director Alejandro Cuesta ya que, en tiempos de crisis, no escatimó a la hora de contratar actores, cantantes y bailarines; ya que en el elenco llegan a ser más de VEINTE (20).

Sucede que la señora MÓNICA LÓPEZ ha omitido todas y cada una de las reglamentaciones y convenios que defienden a los trabajadores amparados por la ASOCIACIÓN ARGENTINA DE ACTORES, debiéndoles a los compañeros: meses de ensayo y la temporada completa en el teatro Avenida.

En aquel momento la pieza resultó un éxito, y la Sra. decidió reponerla en el teatro Liceo, propiedad del Sr. CARLOS ROTTEMBERG (padrino de bodas de MÓNICA LÓPEZ y LUIS BRANDONI, caudillo político de nuestra comunidad y defensor de los derechos de nuestros compañeros), a principios de enero y a la que, lamentablemente, sólo se pudo asistir hasta el DOMINGO 1 de Febrero... ya que, dado el fracaso de la puesta, la ya nombrada productora decidió terminar antes con la temporada prevista hasta el mes de marzo, sin indemnizar los contratos que hizo firmar a sus artistas, haciéndolos responsables del incumplimiento del mismo con trampas y mentiras que ha elucubrado y dicho tanto a sus contratados como a los representantes del sindicato.

LOS COMPAÑEROS ESTÁN TRABAJANDO EN NEGRO, CON CONTRATOS ILEGITIMOS Y SIN VOLUNTAD DE REGULARIZAR LA SITUACIÓN DE PARTE DE LA PRODUCCIÓN.Vale la pena resaltar el desempeño de la Asociación Argentina de Actores y de su Secretaría Gremial que, a pesar del miedo de los compañeros se mantienen firme en la denuncia y lucha por los derechos del elenco...



AÑO 2014
Un espectáculo político en un teatro de la calle Corrientes, el mismo donde de noche se presenta la obra Stravanganza...

... Todo dirigente político debe ser cuidadoso con los efectos no deseados que producen las burbujas de champagne en las fiestas. Sin dudas, la presentación de FAUNEN es una buena noticia para el Panradicalismo, pero también para la sociedad argentina que ahora tiene una alternativa posible más. Pero la euforia no puede hacer perder la moderación. Las palabras del actor militante Luis Brandoni resultan criminales arrojadas con la vehemencia con fueron realizadas.

La frase "un gobierno peronista, montonero, demagógico y populista", dichas por un miembro de un partido político que tiene expectativas de gobierno recuerdan a las peores épocas de la Argentina pasada. Frases como esas envalentonaron a los marinos que se subieron a los aviones que bombardearon la Plaza de Mayo en 1955.

Frases como esas alentaron a los escuadrones de la muerte de José López Rega para asesinar a "chacales" como el Padre Carlos Mujica, de quien en pocos días recordaremos el 40° aniversario de su asesinato, o Rodolfo Ortega Peña o Silvio Frondizi, intelectuales de una talla pocas veces vista en nuestro país...

Frases como esas justificaban la aplicación de la picana a miles de militantes en los centros clandestinos de detención, torturas que no se justifican, ex admirado Brandoni, ni siquiera en el caso de "militantes montoneros" ni incluso en el caso de "combatientes guerrilleros"...

Una mujer, aun siendo soldada, no merece ser violada por ningún enemigo. Duele el exabrupto, ex admirado Brandoni, porque los significantes y los sentidos discursivos deben ser cuidados por personas que se autodenominan democráticas...

 Duele la brutalidad discursiva, ex admirado Brandoni, porque usted fue víctima de la represión de la Triple A y, hoy, utiliza los mismos significantes y los mismos significados...

Por último, genera miedo, su comentario irascible, porque parece un botón de muestra de lo que vendrá si FAUNEN gana. Le pregunto, señor Brandoni, ¿usted garantiza la integridad física de miles de militantes, dirigentes, escritores "peronistas, montoneros, demagogos y populistas" bajo un gobierno de FAUNEN? ¿Garantiza, usted, que mi querido y admirado amigo Roberto Caballero, o yo mismo, a quien no quiero ni admiro tanto, tengamos el mismo derecho a la vida, al trabajo y a la libertad de expresión que usted tiene en este gobierno "peronista, montonero, demagógico y populista" o habrá vencedores y vencidos como en el 55 y con la Alianza?

Por suerte, señor Brandoni, quienes tenemos un pensamiento verdaderamente democrático creemos en la moderación de los discursos, y también en el poder del perdón. El Kirchnerismo, sus militantes, sus dirigentes, sus intelectuales, sus escritores, se merecen un perdón de su parte. Le haría bien a la democracia argentina. Le haría bien a usted mismo, inclusive. De no hacerlo, sepa, que con declaraciones de ese calibre José León Suárez puede volver a suceder.

Hernán Brienza

LA MÚSICA DEL AZAR

Desde hace años, la actriz y directora Gabriela Izcovich se destaca por su labor de adaptación de novelas al teatro. Comenzó con Nocturno Hindú, de Antonio Tabucchi y, entre otros autores, incluso argentinos, tomó textos de Hanif Kureishi (Intimidad y Cuando comienza la noche), David Lodge (Terapia), Sándor Márai (El último encuentro) y Siri Husdvedt (La venda). Ahora es el turno de Paul Auster: hace dos años que la esposa del narrador y guionista estadounidense (la misma Husdvedt) de visita en Buenos Aires, sugirió a Izcovich tomar La música del azar, novela de 2002, para su traducción al teatro. Es la primera vez que Auster da el consentimiento de llevar una novela suya a la escena. La obra resultante acaba de estrenarse en La carbonera (Balcarce 998) con un elenco integrado por Gerardo Maleh, Alfredo Martín, Carlos Ponte, Agustín Pruzzo y Alejandro Vizzotti y con funciones los viernes y sábados. Este fin de semana habrá una función muy especial, dado que uno de los dos días asistirá el propio autor, recién llegado a Buenos Aires para participar de la Feria del Libro, entre otras actividades. “Ya pasaron por La Carbonera Kureishi, David Lodge y Siri”, enumera sonriente Izcovich en la entrevista con Página/12. Aunque Auster no entiende castellano, la directora confía en que la elocuencia de la actuación impactará al autor, a quien definió como “un artista sensible que va a valorar el desafío que implica el teatro alternativo, sin medios sofisticados”. Sabe también que Auster tiene un “costado artesanal”, ya que en los ’90 supo dirigir películas como Smoke, con pocos medios de producción.

Interpretado por Alfredo Martin, el personaje de la novela de Auster –un ex bombero aficionado a la música clásica– cuenta su historia mediante el recurso del monólogo al público. Así explica el repentino cambio que sufrió su vida al ser abandonado por su mujer y recibir una herencia inesperada de un padre casi olvidado. Ambas circunstancias lo llevan a dejar a su hija a cargo de su hermana, comprarse un cero kilómetro y pasar los meses recorriendo el país y durmiendo en el auto. El resto de las peripecias se organizan en escenas que ocupan diferentes espacios de la sala. De allí en más, el espectáculo se centra en la amistad que entabla el protagonista con un experimentado jugador de poker, con quien espera multiplicar el poco dinero que le va quedando desplumando a un par de millonarios. Pero las cosas no salen bien, y para pagar sus deudas deberán pasar el tiempo construyendo un muro, un capricho de sus excéntricos acreedores.

–¿Le hizo alguna advertencia Auster antes de que comenzara su trabajo de adaptación?

–Lo que llama la atención es que él no quería que la obra sonara discursiva y que, como autor, defendiera la síntesis, algo que es esencial en el teatro.

–¿Qué es lo que más le costó lograr?

–Lo más complejo de solucionar fue el planteo espacial: la acción comienza en la ruta, sigue en un hotel, luego en la mansión de dos millonarios para después pasar a la intemperie. Creo que a Auster lo intriga la manera en que se resuelva la presencia del muro, que yo no lo muestro en escena más que sugerido con algunas piedras. Por otro lado, sus novelas están traspasadas por la realidad de Estados Unidos y yo tenía el desafío de erradicar ese paisaje ajeno al espectador y encontrarle otro.

–¿El muro tiene un valor simbólico?

–Sí, tiene múltiples lecturas: es el Muro de los Lamentos, el Muro de Berlín y también es un monumento conmemorativo de sí mismo, como dice uno de los personajes. Hasta implica la construcción de un túnel que le permita al protagonista pasar hacia otro lado. Podría vérselo como la expresión del pasado que todos llevamos dentro.

–¿Cómo ve a los personajes?

–Los dos fueron abandonados por sus padres. Y hay una construcción vincular que se arma entre ellos que, en función de la diferencia de edad, remite a la relación padre e hijo. Son personajes condenados al fracaso porque son víctimas de su pasado. Creo que estamos presos del pasado. Podremos analizar lo que vivimos con inteligencia y, sin embargo, repetiremos comportamientos que detestamos, tal vez los mismos que adoptaron alguna vez nuestros padres.

–¿Cómo pesa en ambos el tema del azar?

–Como en otras novelas de Auster, aquí también está muy presente el azar. Un encuentro casual puede cambiar completamente el rumbo de las cosas. Todos creemos que manipulamos nuestra vida, que todo depende de nosotros mismos pero el azar puede cambiar todo en un instante. Estos personajes se encontraron por casualidad y ambos trazaron su propia fatalidad.



La música del azar
teatro La Carbonera (Balcarce 998) CABA
viernes a las 21 y sábados a las 19

DÍA MUNDIAL DEL TEATRO

El Teatro Nacional Cervantes es, en 2014 nuevamente, la sede para la celebración en Buenos Aires del Día Mundial del Teatro. El acto se realizará a partir de las 20 horas en la Sala María Guerrero, con entrada libre y gratuita. También como es habitual, el festejo que tiene el madrinazgo de China Zorrilla, reunirá a prestigiosos teatristas.

Primero, la Sociedad General de Autores de la Argentina, la Asociación Argentina de Actores, el Teatro Nacional Cervantes y el Centro Argentino del Instituto Internacional del Teatro/Unesco presentarán "Avances del Teatro Argentino y su Actualidad", con una lectura del mensaje nacional a cargo de la dramaturga Patricia Zangaro. En tanto Pepe Soriano (presidente del Centro Argentino del Instituto Internacional del Teatro) leerá el mensaje internacional que este año escribió el dramaturgo y director sudafricano Brett Bailey.

El público será recibido en el foyer del Cervantes por Claudio Gallardou y Tony Lestingi de La Banda de la Risa, y durante la ceremonia tendrá oportunidad de disfrutar una selección de momentos de cuatro espectáculos.

Luego se presentará Tierra del fuego de Mario Diament con dirección de Daniel Marcove y un elenco integrado por Alejandra Darín y Miguel Jordán, junto a Carlo Argento, Ricardo Merkin, Juan Carlos Ricci y Elena Petraglia.

Después, Julia Calvo, Jorge Suárez, Néstor Caniglia y el pianista Diego Vila interpretarán fragmentos de la premiada Manzi, la vida en orsai, dirigida por Gambartes y Vila.

A continuación de la lectura del mensaje internacional se presentarán Para mí sos hermosa de Paula Ransenberg, con dirección de Marcelo Nacci, y Venimos de muy lejos por el Grupo Catalinas al Sur que dirigen Adhemar Bianchi y Stella Giaquinto.

Como cada año, esta celebración en el Teatro Nacional Cervantes será una fiesta con destacados artistas representantes de los distintos rubros teatrales y el público, impulsado por el director, investigador y profesor Francisco Javier, autor de la idea y director del acto. La coordinación técnica es de Carlos Di Pasquo, la coordinación ejecutiva es de Damián Rovner y la producción y presentación están a cargo de la periodista e investigadora teatral Ana Seoane.

«El Día Mundial del Teatro fue creado en 1961 por el Instituto Internacional del Teatro (ITI). Se celebra anualmente el 27 de marzo por los Centros ITI y la comunidad teatral internacional. Varios eventos teatrales nacionales e internacionales son organizados para conmemorar esta ocasión. Uno de los más importantes es la circulación del Mensaje Internacional del Día Mundial del Teatro a través del cual, por invitación del ITI, una figura de talla mundial comparte sus reflexiones sobre el tema del Teatro y una Cultura de Paz. El primer Mensaje Internacional del Día Mundial del Teatro fue escrito por Jean Cocteau (Francia) en 1962.

»Primero fue en Helsinki, y luego en Viena, en el 9º Congreso Mundial del ITI en junio de 1961 que el Presidente Arvi Kivimaa propuso en nombre del Centro Finlandés del Instituto Internacional de Teatro que un Día Mundial del Teatro sea instituido. La propuesta, respaldada por los centros escandinavos, se realizó por aclamación.

»Desde entonces, cada año el 27 de marzo (fecha de la apertura de 1962 del "Teatro de las Naciones" temporada en París), el Día Mundial del Teatro se celebra en muchas y variadas formas por los Centros Nacionales del ITI de los cuales en la actualidad hay casi 100 en todo el mundo.

»Cada año, una figura sobresaliente en el teatro o una persona excepcional en corazón y espíritu de otro campo, es invitada a compartir sus reflexiones sobre el teatro y la armonía internacional. Lo que se conoce como el Mensaje Internacional se traduce en más de 20 idiomas, leído por decenas de miles de espectadores antes de las presentaciones en teatros de todo el mundo e impreso en cientos de diarios. Colegas en el ámbito audiovisual dan una mano fraternal, más de cien estaciones de radio y televisión que transmiten el Mensaje a los oyentes en todos los rincones de los cinco continentes».

2014: Brett Bailey

Donde quiera que haya sociedad humana, el irreprimible Espíritu de la Representación se manifiesta.

Bajo los árboles de pequeñas aldeas y sobre sofisticados escenarios en grandes metrópolis; en salones de actos de colegios y en campos y en templos; en suburbios, en plazas públicas, en centros cívicos y en los subsuelos de las ciudades, la gente se reúne en comunión en torno a los efímeros mundos teatrales que creamos para expresar nuestra complejidad humana, nuestra diversidad, nuestra vulnerabilidad, en carne y hueso, aliento y voz.

Nos reunimos para llorar y para recordar; para reír y contemplar; para aprender, afirmar e imaginar. Para maravillarnos ante la destreza técnica, y para encarnar dioses. Para dejarnos sin respiración ante nuestra capacidad de belleza, compasión y monstruosidad. Vamos para llenarnos de energía y poder. Para celebrar la riqueza de nuestras diferentes culturas, y para hacer desaparecer las barreras que nos dividen.

Donde quiera que haya sociedad humana, el irreprimible Espíritu de la Representación se manifiesta. Nacido de la comunidad, lleva puestas las máscaras y vestimentas de nuestras distintas tradiciones. Utiliza nuestras lenguas, ritmos y gestos, y abre un espacio entre nosotros.

Y nosotros, los artistas que trabajamos con este antiguo espíritu, nos sentimos impulsados a canalizarlo a través de nuestros corazones, nuestras ideas y nuestros cuerpos para revelar nuestras realidades en toda su cotidianeidad y su rutilante misterio.

Pero en esta época en la que tantos millones de personas luchan por sobrevivir, sufren bajo regímenes opresivos y el capitalismo depredador, huyen del conflicto y la escasez; en la que nuestra privacidad es invadida por servicios secretos y nuestras palabras censuradas por gobiernos intrusivos; en la que se aniquilan los bosques, se exterminan especies y se envenenan los océanos: ¿Qué nos sentimos impulsados a revelar?

En este mundo de poder desigual, en el que distintos órdenes hegemónicos intentan convencernos de que una nación, una raza, un género, una preferencia sexual, una religión, una ideología, un marco cultural es superior al resto, ¿se puede realmente defender la idea de que las artes deberían apartarse de las agendas sociales?

Nosotros, los artistas de escenarios y ágoras, ¿nos conformamos con las demandas asépticas del mercado, o utilizamos el poder que tenemos: para abrir un espacio en los corazones y las mentes de la sociedad, para reunir gente a nuestro alrededor, para inspirar, maravillar e informar, y para crear un mundo de esperanza y colaboración sincera?

Mensaje de Brett Bailey 

para el Día Mundial del teatro 2014